Sia chiaro, ogni tanto lo ripeto per sicurezza, io dalla Adobe (purtroppo ) non prendo un euro, anzi, me li chiedono tutte le volte che acquisto un software o voglio ottenere una certificazione.

A parte gli scherzi, lavoro con prodotti Adobe da 20 anni, e cerco di mantenere il mio spirito critico sveglio e allerta… è chiaro che con Photoshop faccio un po’ più fatica, ma ci provo.

Quindi, appena ho avuto a disposizione la Beta della versione 4.0, ho deciso di dargli un’occhiata, lavorarci un po’, e poi condividere con voi le prime impressioni sul software.

Chi non conosce Lightroom? Si tratta dello sviluppatore RAW di Adobe, spesso erroneamente considerato un “piccolo Photoshop” (bestemmia!), in realtà semplicemente il software più diffuso per lo sviluppo del negativo digitale, onesto, funzionale ed universale. Un software che negli ultimi anni è diventato lo strumento di lavoro principe di molti fotografi. Ora, nonstante io consideri Lightroom insufficiente per una post ben fatta, senza l’utilissima e necessaria integrazione con Photoshop, è evidente che molti fotografi lavorano le loro immagini sistemando solo esposizione, colore e temperatura, senza agire troppo sull’immagine. E per far questo Lightroom è non solo sufficiente, ma eccellente!

Per questo mi sono gettato sulla versione Beta di Lightroom 4 con tutta la curiosità del mondo aspettandomi, lo ammetto, ben poche novità significative. Perchè? Perchè negli ultimi anni gli aggiornamenti non avevano “mosso” granchè,sia per quanto riguarda Lightroom che Photoshop… si, qualche nuovo plug-in interessante, ma niente di più. L’ultima vera novità in Lightroom era stato l’inserimento degli strumenti per la regolazione locale, qualche release fa.

Bene, questa versione di Lightroom inserisce una serie di novità interessanti, a partire da alcuni aggiornamenti sugli strumenti per lo sviluppo, fino ad introdurre due nuovi moduli.

Cominciamo dall’inizio, cioè dal modulo “Sviluppo”, perchè mi pare che il modulo “libreria” non abbia subito modifiche sostanziali. Bene, la prima cosa che ho notato in “sviluppo” è la scomparsa (oserei dire…finalmente) del cursore LUMINOSITA’, del tutto inutile viste la presenza di esposizione e curve di viraggio. Inoltre il cursore “CONTRASTO” è stato spostato sotto ad ESPOSZIONE.

Niente di trascendentale, le novità più interessanti le ho trovate esplorando gli strumenti di regolazione locale. Infatti, su pennello e filtro graduato, ora è possibile regolare anche TEMPERATURA e TINTA. Inoltre, sempre con questi due strumenti, è possibile lavorare sul dettaglio, aggiungendo contrasto, disturbo e correzione dell’effetto moirè. Tutto molto bello e utile.

La possibilità di fornirvi un esempio pratico mi è stata fornita da alcuni scatti fatti in appennino nelle settimane scorse. Perdonatemi se le foto non sono clamorose, sono un ritoccatore e non un fotografo professionista hanno però il grande pregio di essere utili allo scopo!

Anche se la giornata era bellissima e la foschia molto ridotta, è normale che le montagne in secondo piano appaiano leggermente più “fredde” e meno dettagliate rispetto al primo piano… In questo caso la correzione andrebbe fatta in Photoshop, ma utilizzando le regolazioni locali del nuovo Lightroom è possibili realizzare un ottimo lavoro!

Felice delle nuove regolazioni locali (che da buon testardo continuerò ad usare con parsimonia, lavorando su questi problemi principalmente in Photoshop), passo al pannello successivo e scopro che Adobe ha inserito non 1 ma 2 nuovi pannelli in lightroom 4!!! Si tratta del pannello MAPPA e del pannello LIBRO. Il pannello MAPPA ha la funzione di geolocalizzare le immagini dell’abum, creare gruppi in base alla posizione geografica e ai dati GPS (se inseriti). Il pannello LIBRO invece va a colmare una piccola lacuna, ad uso prettamente “consumer” e “prosumer” permettendo la creazione di libri fotografici direttamente dall’album e dalle collezioni di Lightroom. La versione Beta contiene già un discreto numero di presets, probabilmente ne verrano implementati altri nella versione definitiva.

Insomma, un discreto passo avanti, non epocale, niente di sconvolgente (Photoshop 6 promette meraviglie decisamente più sconvolgenti…) ma comunque un buon pacchetto di features e funzioni in più per l’uso quiotidiano professionale e non. Ecco… forse il taglio dei due nuovi pannelli è poco pro… ma dipende dai casi, ad un paesaggista il modulo “maoppa” può essere molto utile.

Bene, attendo i vostri commenti, provate e fatemi sapere. Ecco il link per scaricare la beta:

labs.adobe.com/technologies/lightroom4/

Ciao a tutti e buon lavoro!

Simone Poletti

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Vi avevo annunciato grandi progetti e grandi novità per il 2012 di FotografiaProfessionale, grandi novità per tutti i fotografi e i ritoccatori, per tutti gli appassionati di fotografia e post-produzione.

E così sarà, nelle prossime settimane avremo un nuovo sito, con nuove funzioni e la possibilità di accedere molto più facilmente a tutti i tutorial, le notizie, le interviste con i grandi fotografi, i corsi e i workshop. Un nuovo sito, una nuova grafica, nuovi corsi e nuovi collaboratori. Un marchio restilizzato e tantissime altre novità che non voglio svelarvi ora!

Ma oggi voglio presentarvi la prima grande novità: si chiama Professional Photography & Post-Production, per gli amici PP&P, ed è la nuova e-zine di FotografiaProfessionale!

PP&P sarà uno strumento molto utile per tutti i fotografi professionisti e gli appasionati, infatti vi aiuterà a rimanere aggiornati su tutte le news del mondo della fotografia e del ritocco: sia che il vostro strumento di lavoro sia la vostra Nikon, la vostra Canon (o la vostra Hasselblad o Pentax o quello che volete…) o Photoshop.

Professional Photography & Post-Production conterrà gli articoli più interessanti usciti sul blog, l’agenda con tutti gli appuntamenti, le interviste, le recensioni di macchine fotografiche, ottiche e accessori, i consigli tecnici dei nostri trainer e tanto altro.

Per chi è già iscritto a FotografiaProfessionale la e-zine sarà assolutamente gratuita e la riceverete gratuitamente nella vostra casella di posta ogni mese!

PP&P sarà il nostro modo di tenerci in contatto e di aggiornarvi costantemente, ma non è che la prima novità di un 2012 pieno di sorprese!

Tenetevi in contatto e, se non lo avete già fatto, iscrivetevi e Extreme Photoshop, sono rimasti gli ultimissimi posti disponibili.

Ciao e buon lavoro.

Simone Poletti

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Ciao e bentornati su FotografiaProfessionale.it!

Magari siete già al lavoro da due settimane e in questo momento state lanciando maledizioni fantasiose verso il vostro ritoccatore preferito… beh, pazienza, per noi è il primo giorno di lavoro (almeno ufficialmente) del 2012, e festeggiamo!

Festeggiamo perché siamo carichi e pronti per un anno di grandi novità, nuove esperienze, nuovi corsi, workshop fantastici… insomma, un 2012 alla grande! Tutti parlano di crisi, ed è giusto essere attenti e vigili, ma questo non ci toglie la voglia di fare e di coinvolgervi nei mille nuovi progetti di FotografiaProfessionale, anzi!

Quindi, buon anno a tutti e… rimboccatevi le maniche, perché iniziamo subito! Si, iniziamo subito con le novità di FP… siete pronti per un workshop fantastico, tutto dedicato alla post-produzione?

Probabilmente avete già letto il  mio articolo precedente, o avete ricevuto via mail informazioni in merito, e quindi forse sapete già che abbiamo lanciato questo nuovo workshop, ma repetita juvant, quindi…

Siete pronti per Extreme Photoshop?

Due giorni completamente dedicati alla post-produzione, due giorni nei quali potrete imparare con me e con il team di FotografiaProfessionale le tecniche più avanzate per la postproduzione con Photoshop. Saranno due giorni fantastici, a Reggio Emilia, dal 18 al 19 febbraio 2012. Vi siete già iscritti? No? Bene, fino alle 24:00 di oggi potete ancora approfittare dell’offerta di lancio! Ci vediamo ad Extreme Photoshop!

Ciao a tutti e buon lavoro!

Simone Poletti

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Serve velocità, velocità velocità!

Sembra di sentire parlare Filippo Tommaso Marinetti in crisi mistica, e invece sono io, il vostro affezionatissimo ritoccatore.

La velocità è un argomento di stretta attualità, e non c’entrano nulla i limiti sulle autostrade e nemmeno lo spread e la finanziaria… per una volta .

Qui il punto è ben diverso, il punto è che si lavora sempre con un senso di urgenza che credo ognuno di voi conosca bene. I clienti sono sempre più esigenti e hanno sempre più fretta, molto spesso posseggono anche loro una macchina reflex e magari “scancherano” (scusate il dialetto reggiano ) anche un po’ con Photoshop e Lightroom… quindi si sentono un po’ degli esperti. Purtroppo manca completamente la conoscenza dei tempi e delle complessità di certe lavorazioni, quindi capita di sentirsi chiedere la consegna del materiale post-prodotto a due giorni dallo scatto… giusto il tempo per un’esportazione ben fatta dei RAW.

Velocità allora… ma mia nonna diceva “La fretta è nemica del ben fatto”… quindi?

È vero, la fretta è nemica del ben fatto, ma la tecnologia e la professionalità ci vengono in aiuto e ci danno la possibilità di essere veloci e qualitativamente adeguati.

Perchè dico “adeguati” e non “perfetti”? Perchè con i tempi stretti che abbiamo, è necessario prima di tutto fare una adeguata valutazione delle necessità e non eccedere nel dettaglio se non necessario. Quindi, prima di tutto, apportare alle immagini una post-produzione adeguata alle necessità, senza esagerare. Fermarsi un attimo prima di partire, ragionare su cosa e come farlo, può essere utilissimo per non perdere tempo dopo.

Fatto questo, il modo milgiore per risparmiare tempo mantenendo una qualità degna della nostra reputazione è quello di affidarsi agli strumenti che i software per la post-produzione ci mettono a disposizione. Azioni, batch, automatismi, se usati con attenzione (dopo avere creato azioni qualitativamente eccellenti), ci permetteranno di ottenere risultati ottimi in tempi ridottissimi.

“Affilare la sega” prima di inziare quindi,prepararsi alla battaglia creando azioni di qualità per poi riproporre a gran velocità una post di grande livello.

Come? Lo scoprirete presto!!!

Ciao a tutti e buon lavoro, veloce!

Simone Poletti

Ah, dimenticavo! Da alcune settimane sulla pagina Facebook di FotografiaProfessionale potete trovare contenuti esclusivi e promo SOLO per gli amici di Facebook… basta clickare su “mi piace”

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Sono passati quattro giorni dalla chiusura del workshop dedicato all’uso del flash a slitta e l’entusiasmo è ancora tanto.

Il 19 e 20 novembre, l’intero staff di FotografiaProfessionale.it è stato impegnato a Reggio Emilia per Flash My Life, workshop che si focalizza sull’uso del “piccolo” flash a slitta per ottenere luci professionali.

Assoluti protagonisti, i partecipanti!!!

Chi ha guidato per 700 km da Bari, chi da Potenza e chi dalla Svizzera… e non dimentichiamoci di chi ha attraversato la Manica (non a nuoto )… Un gruppo ben nutrito di fotografi che non si sono fatti scoraggiare dalla distanza e sabato 19 Novembre alle 8:30 si ritrovati tutti insieme sui “banchi di scuola” di FotografiaProfessionale per scoprire tutti i segreti del piccolo, ma “pluripotenziale”, flash a slitta.

Il format del workshop nasce dalla voglia di far scoprire, o riscoprire, un accessorio spesso dimenticato e bistrattato come il flash a slitta. Tra gli accorsi al workshop, fotografi provetti, già utilizzatori del flash a slitta e alla ricerca di ulteriori spunti d’uso di questo piccolo amico della luce, e fotografi che non amano (o meglio, non amavano fino al 19 novembre) il flash a slitta, ma hanno deciso di approfondire l’argomento.

La prima giornata di lavoro ha visto il gruppo impegnato in 9 ore intense di teoria. Simone Conti ha esposto contenuti tecnico-scientifici sulla luce, sull’attrezzatura usata con il flash a slitta e sulle possibilità di utilizzo che ha e che spesso vengono dimenticate.

Tra i partecipanti, fotografi che sono già utilizzatori dello strumento hanno scoperto e sperimentato nuove possibilità d’impiego del flash a slitta e al contempo chi avesse accantonato l’idea di utilizzarlo per creare grandi luci, ha scoperto che nella borsa della macchina fotografica aveva in realtà un fedele e potente alleato con un potenziale enorme!

La seconda giornata è iniziata presto alla domenica mattina, dopo una serata passata tutti insieme a tavola tra chiacchere fotografiche, con una lezione di 2 ore sulla corretta gestione dei file scattati con flash in fase di sviluppo e post-produzione.

Tutto il resto della giornata di domenica è stata dedicata agli scatti: Luigi, Pietro, Matteo, Cristian, Alessandro G., Nicola, Stefano, Luca, Alessandro L., Guido, Michele, Paolo, Daniela, Emanuela, Vincenzo e Valerio, divisi in tre gruppi, si sono alternati sui tre set fotografici predisposti: set “Test attrezzatura”, set “Lady in white”, set “So 50′s”.

Sul primo set, i gruppi hanno potuto testare una vasta gamma di attrezzature utilizzate con il flash a slitta, tastando con mano l’effetto che producono sugli scatti e le possibilità che danno.

Sul secondo set, i fotografi hanno scattato il ritratto su una modella con la possibilità di gestire le luci e comprendere come incidono sull’immagine finale secondo le regole apprese nella giornata precedente. Sotto lo guida di Simone Scurzoni, fotografo matrimonialista che collabora con FotografiaProfessionale, i partecipanti hanno anche avuto suggerimenti su come gestire il “rapporto” con la modella, che seppur fugace, deve portare ad una forte intesa con la modella stessa perché l’immagine rispecchi quanto voluto dal fotografo.

Il risultato? Splendidi scatti di una dama bianca.

Il terzo set, allestito in una camera d’albergo ed ispirato nei colori e nello styling agli anni ’50, ha dato al gruppo la possibilità di sperimentare l’uso del flash a slitta e dei suoi compendi in una situazione di scatto più ampia e in cui, oltre alla luce del flash, si mescolava la componente della luce ambiente.

Anche in questo caso, la sintonia che i fotografi hanno saputo stabilire con la modella e la manualità nell’uso di tutte le attrezzature messe a disposizione, hanno permesso di ottenere scatti indimenticabili.

Rientrati dalle sessioni di shooting, i fotografi sono stati impegnati nella fase di selezione e post-produzione degli scatti, sotto la supervisione dei fotoritoccatori Simone Poletti e Simona Giglioli.

Gli scatti finali, visti e discussi insieme al gruppo in conclusione della giornata, sono visionabili sulla nostra pagina di Facebook.

Concludiamo questa breve cronaca di un week-end intenso di lavoro, citando alcuni commenti dei nostri partecipanti:

• “Al termine del Workshop “Flash my Life” devo fare i complimenti a tutto lo staff e scrivere un solo commento: Un corso davvero illuminante. Grazie ragazzi”.

• “Complimenti sulla professionalità ed organizzazione dimostrata da tutto il Team, modelle comprese! in questi 2 gg. intensi e ricchi di contenuti. Fare 700+700 Km in treno… ne è valsa la pena !!! Un abrazo a todos”.
• “Grazie a voi per la splendida e divertente esperienza…alla prossima”.
• “Non usavo il flash, perché lo odiavo. Da oggi, mi devo ricredere!“

• “Il massimo beneficio ottenuto: l’apertura di un nuovo universo da approfondire per migliorare il mio linguaggio fotografico!“

• “Mi avete aiutato a capire il funzionamento per potermi esercitare con maggior consapevolezza sull’uso e le potenzialità della luce“

• “Positivo l’accompagnamento per chi non conosceva l’argomento flash e veramente buono l’approfondimento per coloro che già lo usavano e volevano migliorare la propria tecnica. Grazie…”

• Organizzazione impeccabile, completezza degli argomenti trattati, ottimo coordinamento delle sessioni pratiche. Complimenti e grazie di avermi avvicinato e stimolato all’uso del flash!!!“

In fine, un grazie di cuore a tutti i partecipanti, veri protagonisti delle due giornate di WorkShop!

A presto!!!

Staff di FotografiaProfessionale

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Domenica scorsa sono riuscito a ritagliarmi un piccolo spazio da dedicare a qualcosa che da lungo non riuscivo fare: scattare per il solo piacere di produrre immagini che soddisfino il mio gusto senza nessuna richiesta da parte di un Cliente.

In realtà la sessione di scatti era stata organizzata per creare alcune immagini, utilizzando flash a slitta, da usare come esempi nella giornata introduttiva del mio Workshop “Flash My Life”, che si terrà ormai tra meno di 20 giorni.

Dopo vari scatti, realizzati a scopo puramente didattico, che mi aiuteranno a introdurre alcuni concetti legati all’uso del flash però… non ho proprio resistito! Perché non realizzare uno scatto per il solo piacere di giocare un po’ con la luce? Perché non concedere a me stesso, di godere di quello spirito che vorrei fosse trainante durante il workshop e che rende, a mio parere, la fotografia con il flash così interessante?

Quello che amo del flash è che usandolo nel modo giusto permette di ricreare l’atmosfera voluta indipendentemente dalle condizioni ambientali. Quello che amo ancora maggiormente è che, usando i flash a slitta, questa possibilità diventa ancora più ampia e ci viene concessa la possibilità di creare l’atmosfera che vogliamo, quando vogliamo e, soprattutto, dove più lo riteniamo opportuno.

Allora? Come trasformare un banale piazzale asfaltato di uno scalo merci, durante un assolato pomeriggio di fine ottobre, in… Qualcosa di diverso? Qualcosa di particolare e più interessante?

La foto che vedi è stata realizzata proprio nelle condizioni che ho appena descritto, con un setup luci molto semplice… Tutto in pochi minuti!

Due flash a slitta, un paio di modificatori di luce, la modella e… Un pallet di piastrelle, in attesa di essere spedite, per “alzare il punto di vista”. Puoi vedere il punto dove è stato realizzato lo scatto nella foto qui a lato.

Tornato a casa, affidato il RAW alle sapienti mani di Simone Poletti per lo sviluppo e la finalizzazione del fotoritocco, mi sono ritrovato a osservare uno scatto, nato da pochi minuti di lavoro, ma carico di una forza che la sola luce ambientale di quel pomeriggio non sarebbe stata in grado di produrre.

Oh, quanto amo i flash a slitta! Sono sempre con me e possono trasformare un pomeriggio insipido in uno scatto veramente interessante!

Nonostante questo fosse l’unico scatto di quel pomeriggio realizzato semplicemente per realizzare il mio bisogno edonistico di creare qualcosa per il solo piacere di farlo… Penso proprio che diventerà parte del manuale del Workshop “Flash My Life”, visto che ne incarna appieno lo spirito!

Economici flash a slitta, semplicità, rapidità di esecuzione, un tocco di postproduzione per ottenere “scatti d’impatto” alla portata di chiunque!

Se l’argomento ti interessa e ancora non ti sei iscritto… Fallo subito! Ci vediamo a “Flash My Life”!

Ciao e buone foto

Simone Conti

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In un mio recente articolo relativo alla fotografia di paesaggio ho fatto un breve accenno a un servizio online che fornisce spazio di archiviazione gratuito per l’archiviazione e la sincronizzazione dei propri dati sulla tanto attuale e popolare “Nuvola”.

L’archiviazione online credo sia molto utile e comoda per avere sempre con sé i propri dati e poterne usufruire ovunque in qualunque momento. Nel panorama attuale esistono un’infinità di opportunità per accedere a questo tipo di servizio e, con una semplice ricerca su Internet, è possibile scoprire veramente tanti fornitori che ci offrono questa possibilità ai più disparati costi. Alcuni servizi offrono gratuitamente delle funzionalità che è veramente un peccano non sfruttare!

Oggi vorrei parlare di due servizi che considero al top per servizio offerto, praticità d’uso e funzionalità. Ciascuno dei due servizi ha le proprie peculiarità e i propri punti di forza. In un caso sicuramente la massima praticità, nell’altro la sproporzionata dimensione dello spazio di storage fornito del tutto gratuitamente.

I due servizi online ai quali mi sto riferendo sono rispettivamente DropBox e Box.net. Vediamo ora nell’ordine:

• di cosa stiamo parlando
• possibili utili applicazioni al mondo della fotografia
• confronto testa a testa delle funzionalità

DI COSA STIAMO PARLANDO:

Sia DropBox che Box.net sono due servizi di storage online. Cioè? Cosa vuole dire? In entrambi i casi ci troviamo di fronte alla possibilità di avere un hard disk virtuale al quale ci possiamo connettere attraverso Internet. Ambedue le aziende offrono una quantità di spazio di archiviazione completamente gratuita a chiunque decida di usufruire del loro servizio. Tale quantità può comunque essere aumentata, se non dovesse essere sufficiente per le nostre necessità, con una piccola spesa mensile.

I nostri dati verranno inviati attraverso Internet al hard disk virtuale e conservati. Potremo accedervi da qualunque dispositivo supportato in grado di connettersi a Internet: sto pensando ad esempio al computer, allo smartphone, al netbook come al tablet. Ovviamente sia DropBox che Box.net funzionano egregiamente in accoppiata al tuo Mac e ai dispositivi iOS (iPhone, iPodTouch e ovviamente iPad) e sono strumenti utilissimi nel lavoro di tutti i giorni per il fotografo.

APPLICAZIONI UTILI:

Immagina di essere fuori dalla portata del tuo computer. Questo può accadere per le più disparate ragioni. Potresti, ad esempio, essere su un set in location, potresti essere in viaggio e avere deciso di “stare leggero” portando con te solo il tuo iPad oppure semplicemente potresti essere da un Cliente e avere la necessità di dargli accesso a uno o più file (magari l’ultimo servizio che hai scattato). Magari hai accesso al tuo computer, ma ti trovi in un luogo geograficamente distante. Se te occupi di reportage, ad esempio, potresti essere a Hong Kong e dovere dare accesso alle immagini che hai appena scattato alla redazione della testata per cui hai realizzato il servizio. Magari vuoi semplicemente consegnare i tuoi RAW al tuo ritoccatore di fiducia per farli postprodurre.
In tutti questi casi i servizi di Cloud Storage… le “Scatole sulla Nuvola”… sono uno strumento indispensabile e comodissimo: ti basterà caricare i tuoi file su Internet con l’apposito servizio e, anche dall’altra parte del mondo, chiunque tu vorrai potrà avere accesso ai tuoi dati in men che non si dica. Sarai tu, in autonomia, a decidere quali dati mostrare e a chi! Sarà un po’ come avere un server FTP a tua disposizione, con molte più funzionalità e senza la necessità di dover configurare nulla! Tutto avverrà in modo facile, pratico e intuitivo.

Sia DropBox che Box.net ti danno un’ulteriore possibilità. Avere i tuoi dati sincronizzati, le tue immagini sempre aggiornate, su tutti i tuoi “accessori tecnologici”. Pensa, ad esempio, al tuo portfolio. Potrai lavorare alle immagini sul tuo computer fisso, le potrai selezionare, ordinare e salvare in una cartella. In maniera del tutto “automagica” i file verranno sincronizzati con la “Nuvola” e dopo pochi minuti, senza sforzo e senza operazioni complicate avrai gli stessi file, nella stessa cartella anche sul tuo notebook, sul tuo smartphone e sul tuo tablet. L’unica cosa che ti rimarrà da decidere sarà con quale device fare la tua presentazione: i contenuti saranno già lì!

I moderni servizi di Cloud Storage offrono anche un’altra funzionalità che, alle volte, credo che sia quasi “impagabile”. Magari stai lavorando alla postproduzione di un’immagine da diverse ore e decidi di essere arrivato a compimento dell’opera. Decidi così di salvare la tua foto in formato TIFF. Il giorno successivo (anche pochi minuti dopo) torni sulla stessa immagine e ne produci una seconda versione con un “gusto” leggermente differente e quando Photoshop ti chiede se, salvando il file, vuoi sovrascrivere la vecchia versione… rispondi distrattamente di sì… perdendo il lavoro fatto in precedenza. Grazie alla gestione automatica delle versioni integrato sia in DropBox che in Box.net questo cessa di essere una criticità: potrai tornare alla versione precedente del tuo file e recuperare il lavoro perduto e questo anche a distanza di tempo o da un computer diverso da quello sul quale hai effettuato originariamente la modifica.

Sorprendente? Sì!
Magico? Sì!
Utile? Assolutamente, sì!
Costoso? Assolutamente NO! Con DropBox è del tutto gratuito!

Tutto qui? No, c’è ancora un’altra opportunità che rende questi servizi davvero eccezionali. Immagina di essere in location e dover scattare per diversi giorni. Devi scattare una grandissima quantità di immagini e vuoi metterle al sicuro appena possibile per stare tranquillo e avere tutti le foto in salvo. In hotel, la sera, hai accesso al WiFi della struttura e quindi puoi connerti e utilizzare il tuo servizio di Cloud Storage preferito. Potrai salvare le tue foto e allo stesso tempo averle sincronizzate con tutti i tuoi computer… anche quello che hai in studio… mentre tu stai ancora scattando, il tuo ritoccatore di fiducia potrebbe essere già al lavoro su una ridotta selezione di immagini.

Senza avere la necessità di essere dall’altra parte del mondo, questo tipo di servizi, dimostrano la propria utilità anche nel lavoro in studio. Magari scatti con un dorso digitale e scarichi le immagini in tempo reale su un computer. Magari il Cliente è sul set e vuoi dargli la possibilità di seguire il progresso dei lavori direttamente su un iPad, per evitare di vederlo come un “gufo appollaiato” sulla spalla destra del tuo digital assistant. Magari vuoi anche che alcune immagini già selezionate vengano postprodotte “al volo” dal tuo ritoccatore di fiducia in modo che il Cliente possa lasciare il tuo studio con le immagini già pronte per essere utilizzate nel suo progetto di comunicazione. Tutto questo è possibile con DropBox e avverrà alla massima velocità che la tua rete Ethernet/WiFi interna consente per il trasferimento dei file, ogni modifica ai file sarà reversibile grazie al versioning e avrai un backup automatizzato in tempo reale di tutto il tuo lavoro.

Utile! No?

Le possibilità sono praticamente infinite. Gli usi che si possono fare dello storage online sono molteplici e con un filo di creatività e immaginazione se ne possono scoprire molti altri!

CONFRONTO DELLE FUNZIONALITÀ:

Vediamo ora con una breve tabella comparativa di alcune funzionalità offerte da DropBox e Box.net.

	DropBox	Box.net
Spazio di archiviazione	2GB Gratuito 10GB Gratuito (tramite referral) 50GB 9.99US$/mese 100GB 19.99US$/mese	5GB Gratuito 25GB 9.99US$/mese 50GB Gratuito (se usi iPhone, iPad o iPod Touch) 50GB 19.99US$/mese 500GB 45.00US$/mese
Massima dimensione dei file	Nessun limite	25MB se hai 5GB 1GB se hai 25GB 1GB se hai 50GB 2GB se hai 500GB
Condivisione file con URL publico	SI	SI
Sincronizzazione automatica tra più computer	SI Gratuita	SI Solo per account da 500GB
Archivio versioni precedenti dei file	SI Gratuita (di ogni file conserva i cambiamenti per 30gg)	SI Solo per account da 500GB
Metodo di registrazione e invio dei file	Applicazione – Asincrono (Veloce e pratico su connessioni lente)	Protocollo WebDAV – Sincrono (Standard, ma richiede una connessione “prestante”)
Device Compatibili	Windows MacOS X Linux iPhone iPad iPod Touch Android Smartphone Android Tablet BlackBerry BlackBerry PlayBook	Windows MacOS X Linux iPhone iPad iPod Touch Android Smartphone Android Tablet BlackBerry BlackBerry PlayBook

Quale dei due è meglio? Provali entrambi… Sono gratuiti! Per le loro funzionalità di base non dovrai pagare nulla e potrai capire meglio con l’uso qual’è quello più adatto alle tue esigenze.

Io uso entrambi con piacere, per scopi diversi, anche se devo dire che la flessibilità e le funzionalità che DropBox offre già nella sua “incarnazione gratuita”, lo rendono il mio prediletto.

Ricorda che nei prossimi 40 giorni se accedi a Box.net da iPad, iPhone o iPod Touch ti verrà esteso lo spazio a disposizione gratuitamente alla stratosferica quota di 50GB!!!

Da qualche giorno Apple ha lanciato il nuovo servizio iCloud che si propone un po’ come alternativa evoluta a tutte le necessità di sincronizzazione. Immagino tu ti stia chiedendo: «Come mai proprio tu che sei un fan Apple non ne parli?» Semplice! Il servizio è troppo recente e non ho ancora avuto modo di provarlo in modo esteso… magari ne riparleremo più avanti!

Mi raccomando quindi… tieni la “testa sulla Nuvola”!

Ciao e buone foto

Simone Conti

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Ciao a tutti,

in questi giorni abbiamo già parlato, insieme a Simona Giglioli, di ritocco morfologico e modifica del corpo.

È un tema importante e sentito nella fotografia cotemporanea, perchè le richieste del mercato sono pressanti e sempre più specifiche. I clienti pretendono dal fotografo professionista immagini perfette, in tempi brevissimi e senza spendere troppo… anzi, spesso con budget risicatissimi. Anche gli appassionati di fotografia, i famosi “prosumer”, sentono un concorrenza spietata, ormai anche partecipare ad un concorso è diventato impossibile se non si è in gradio di consegnare immagini perfettamente corrette.

In realtà, imparare a correggere le proprie immagini è piuttosto semplice, molto più semplice di imparare a fare belle fotografie… richiede meno tempo e meno impegno, ma c’è una difficoltà:

accedere alle informazioni sembra essere molto complesso. Ecco un esempio: lavorando per il corso di cui parleremo fra poco, ho cercato su YouTube i tutorial presenti sul ritocco morfologico e il digital makeup. Volevo farmi un’idea di quello che c’era in giro, del livello medio delle risorse disponibili ed accessibili a tutti. Beh, ho scoperto che il ritocco morfologico è praticamente impossibile da trovare e che i video sul digital makeup sono quasi 20.000… quasi tutti in inglese, molti non hnno nulla a che vedere con il makeup digitale a Photoshop, e tutti… proprio tutti… insegnano tecniche piuttosto basilari, molto spesso errate o dannose per l’immagine.

Quindi, approcciando il corso di Tecniche Avanzate per il Ritocco Moroflogico e il Digital MakeUp, ho scelto di creare un corso semplice nella sua didattica, ma credo utile e ben strutturato. Come al solito mi sono focalizzato su tecniche e metodi di lavoro che peremttano di iniziare a lavorare subito, ottenendo immediatamente buoni risultati. Ho tralasciato tutta la fuffa e le cose inutili, per concentrarmi sul lavoro vero, quello che un fotografo affronta ogni giorno.

Questo corso, come gli altri di FotgrafiaProfessionale, è stato pensato per aiutare il fotografo ad affrontare le sfide che il mercato attuale pone. Concretamente.

Ora, a voi! Aspetto i commenti al corso.

Ciao a tutti e buon lavoro!

Simone Poletti

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Niente teoria. Nessuna delle sue tante realizzazioni presenta programmi specifici. Non ha inventato nessun concetto, fondato nessuna scuola. Questo però non vuole assolutamente dire che non abbia un’idea di quello che fa con la sua Leica.

È un uomo “sul campo”: un giornalista-fotografo, anche se questo termine non gli rende pienamente giustizia, non più di qualsiasi altra etichetta. Gli oltre 40 anni della sua opera raccolgono tutti i generi di fotografia di documentazione, reportage “classici”, saggi, immagini isolate che segnano un’epoca, serie, sequenze, fotografie in stile news, innumerevoli ritratti (nel senso più ampio del termine).

Per la molteplicità dei temi trattati, dei luoghi e degli avvenimenti, è davvero difficile raccogliere la sua produzione sotto un unico denominatore.

Nel suo cammino logico ed autonomo di crescita, ha saputo conciliare libertà e applicazione. Influenzata dalle condizioni particolari dell’epoca in cui René ha vissuto, negli anni ’50 e ’60 la sua produzione è legata alla collaborazione con riviste internazionali come Life, Look, Fortune, Epoca, Paris-Match, Stern e Bunte Illustrierte. Al contempo, non ha mai smesso di esprimere le sue idee. Può essere considerato anticipatore del concetto della “fotografia d’autore”, come si evince dalle sue stesse parole:

“Ora che tutti conoscono tutto, bisogna scavare oltre l’attualità e porre un punto di vista personale. Il fotografo deve diventare soprattutto autore per contrastare la generazione informatizzata”.

Nato a Zurigo il 9 Aprile 1933, racconta di se da ragazzo:

“Spesso, nelle escursioni, alla fine di ogni ascensione, mi staccavo dalla corda per precipitarmi in vetta. Non per la vanità di arrivare primo. Volevo godere della vista aperta, volevo vedere tutto il mondo: invece vedevo altre montagne. La macchina fotografica, pensavo, mi darà la possibilità di staccarmi dalle montagne svizzere.”

Soffriva spesso di senso di ristrettezza, non per motivi politici ne per altre costrizioni, ma per l’esistenza delle montagne, barriera tra se stesso ed il resto del mondo. Infatti, fu proprio la macchina fotografica, pretesto e vocazione, a dare corpo al suo bisogno di conoscere il mondo, di vederlo nelle sue infinite sfaccettature.

Il suo primo approccio non fu alla fotografia, bensì al cinema ed alla pittura. Decide di frequentare la Scuola di Arti Applicate di Zurigo, per migliorare le sue conoscenze in materia artistica , dove accede alla classe di fotografia, mezzo più vicino al cinema che la Zurigo di quegli anni poteva offrirgli.

Ma la scuola non basta, fuori c’è la realtà:

“Quando ho terminato la scuola di fotografia, dove fotografavamo solo tazze da caffè avvolte dalla luce, ho dovuto imparare a corre dietro alle mie immagini… Le buone foto sono come i taxi nell’ora di punta: se non si è abbastanza rapidi, li prende qualcun altro”.

La scena fotografica “umanista” lo accoglie nella Parigi degli anni ’50: si aggira per la città in cerca di foto che immortalassero momenti magici, delicati frammenti dell’esistenza, anche se il suo impulso fotografico lo porta verso il racconto, il documento. Cartier-Bresson, maestro delle immagini da cogliere, diventa il suo riferimento. L’incontro tra il giovane Burri e la Magnum avviene in maniera quasi sbrigativa: presenta loro tre fogli di provini del suo reportage sui bambini sordomuti; per prova, gli viene chiesto di stampare alcuni dei fotogrammi. Nessun immediato riscontro: poche settimane dopo, sulle pagine di Life con copyright Burri/Magnum, le sue foto stampate dichiarano, in modo informale, l’inizio del lungo e duraturo rapporto di Burri con l’agenzia.

Tra la fine degli anni ’50 e gli anni ’60 si intensificano i viaggi come reporter inviato in tutto il mondo. Prendono forma, durante questi viaggi, alcuni dei ritratti più famosi al mondo: il ritratto del Che con il sigaro in bocca, a qui si uniscono le immagini di tanti anonimi attori della vita, che raccontano negli scatti di Burri storie piene di umanità còlta oltre ogni possibile retorica. Gli incontri sono anche con i principali protagonisti della scena culturale e politica del nostro tempo: Le Corbusier, Ingrid Bergman, Sadat, Alberto Giacometti, Nasser, Nixon, Eisenhower, Callas…

La sensibilità di Burri gli permise di cogliere i cambiamenti che il mondo dell’informazione stava subendo con l’avvento della televisione e di comprendere, prima di tanti altri, che la necessità primaria fosse quella di ritagliarsi un ruolo diverso dal fotografo giornalista, darsi un respiro più ampio, un passo diverso, fornire tagli, accostamenti, interpretazioni e visioni della realtà che solo un “osservatore privilegiato” può avere.

Burri: “A un giovane direi di essere curioso: la vita è magnifica e orribile insieme, le persone sono capaci delle cose peggiori, ma anche delle più belle azioni. Per me l’estetica è inscindibile dall’utopia, dal desiderio di un mondo migliore, che certamente la gente distruggerà. Ma anche se, quando ero bambino, qualcuno ha distrutto i miei castelli di sabbia, io non ho mai smesso di costruirne. Bisogna insistere e non scoraggiarsi.

Agli albori della fotografia ci si faceva fotografare con gli abiti della domenica; quando la fotografia è diventata “mobile”, quindi più aggressiva, ha cominciato a catturare i soggetti da un altro punto di vista, non sempre “favorevole”. Il clima di oggi va dal moralismo al voyerismo: la verità si cerca e la verità dell’uomo si interpreta, non si può fotografare facilmente. Ho visto cose atroci; in quei momenti mi sono detto ‘attenzione vecchio mio, oltre a vedere le cose bisogna anche guardarci dentro… con queste immagini si può anche gettare polvere negli occhi.’

Si combatte, tanto quanto si fotografa, in situazioni dure, e si lotta di nuovo al ritorno per difendere la propria libertà d’espressione e il proprio punto di vista.”

Il cammino di Burri va avanti, esplorando anche strade diverse, a volte concettuali, a volte minimaliste, ma sempre con il cuore della sua vicenda di essere umano.

Disse di lui Corinne Diserens:

“Burri va oltre i singoli avvenimenti per seguire i processi e le trafile che lo portano a cogliere l’essenziale della vita umana. Anche se ha viaggiato nei punti caldi del mondo, le sue immagini non sono violente. Mostra la vita moderna, ma le sue violenze, i suoi dolori e i suoi tormenti, i suoi trionfi e i suoi piaceri, sono sublimanti nel concetto di condizione umana”.

Fonti:

Magnum Photos: René Burri. ©Hachette

“René Burri – Il mondo, ancora una volta”. © Contrasto

Varie fonti on-line

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Nelle precedenti due (Parte 1 & Parte 2) puntate abbiamo affrontato il paesaggio da un punto di vista per lo più tecnico. In questa pillola (ultima del ciclo dedicato al paesaggio) vorrei soffermarmi sulla composizione e darti qualche piccolo suggerimento su come enfatizzare uno scatto per evitare che risulti banale.

Il “3″ è un numero molto importante sia in natura che in fotografia. La cosiddetta “regola dei terzi”, il fatto che spesso una foto risulti più interessante se comprende 3 soggetti umani (la cosa funziona anche con gli oggetti) piuttosto che 2 o 4… pensa che dal mio viaggio in Islanda ho scoperto che le pecore in quel paese si spostano solo ed esclusivamente a gruppi di 3! Una linea guida compositiva che credo sia sempre da tenere a mente, qualunque sia il soggetto del paesaggio che ti appresti a fotografare, è individuare nel frame 3 importanti porzioni: il primo piano, lo sfondo e… tutto quello compreso tra loro.

Se, ad esempio, ti stai apprestando a scattare un paesaggio marino o lacustre, prenditi qualche momento per osservare attentamente, nel mirino della tua macchina, quello che vedi e come inquadrare correttamente il panorama per renderlo interessante e distinguerlo dalla banalissima foto che ogni amatore potrebbe scattare durante una gita al mare.

In ogni paesaggio marino, lacustre o che abbia come elemento l’acqua, c’è una riva, l’acqua e il cielo.

Posizionare “correttamente” questi 3 elementi, ti aiuterà a “raccontare la tua storia” piuttosto che semplicemente portare a casa un’istantanea.

Come credo ricorderai dalla prima “pillola” dedicata al paesaggio l’ora in cui scatterai probabilmente condizionerà e modificherà la tua “storia”: se il tuo scatto include acqua (che sia mare, lago, baia o pozza) ricordati che se vuoi ottenere un effetto “specchiato” dell’acqua, probabilmente dovrai scattare all’alba poiché in quel momento del giorno sarà più probabile che la superficie dell’acqua sia perfettamente liscia e il vento pressoché assente. Anche la bruma “si alza presto”, quindi se anche questo elemento è presente nel tuo scatto (magari una scena delle colline Toscane) ricordati di puntare la sveglia!

Definiti i 3 componenti principali dello scatto, secondo le linee guida che abbiamo appena visto, dovrai tenere presente un altro importantissimo elemento: la linea dell’orizzonte.

È sempre buona norma evitare di posizionare l’orizzonte esattamente alla metà del fotogramma: il risultato sarebbe decisamente banale!!! L’orizzonte alla centro del fotogramma conferisce identica importanza al cielo e al primo piano evitando di valorizzare entrambi.

Quindi, per decidere dove posizionare la linea dell’orizzonte, dovrai chiederti cosa vuoi enfatizzare: il cielo o il primo piano?

Ricorda che al tramonto o all’alba, le nuvole – non parlo di un cielo grigio piatto, ovviamente – regalano gradazioni cromatiche incredibili; utilizzale per trasformare scatti ordinari in qualcosa di straordinariamente emozionante! Se ti si presenta davanti agli occhi un cielo magnifico con ammassi nuvolosi davvero interessanti va da se che il focus da preferire è quello! Ti consiglio quindi di posizionare la linea dell’orizzonte in corrispondenza del terzo inferiore del fotogramma o comunque un poco al di sotto della linea mediana del fotogramma.

Se invece è il primo piano a meritare l’attenzione, dovrai posizionare la linea dell’orizzonte in corrispondenza del terzo superiore del fotogramma o almeno un poco al di sopra della metà dell’inquadratura. Ricorda che anche piccoli spostamenti della linea dell’orizzonte permettono di spostare in modo deciso il focus di chi guarderà i tuoi scatti!

Scegliere “il centro di interesse” di uno scatto è fondamentale: se osservando la tua foto, alla domanda “cosa volevo scattare?” dovessi impiegare più di 10 secondi a rispondere, hai decisamente “mancato” il focus. Quindi, quando componi la tua foto, chiediti sempre “cosa voglio fotografare?”, “cosa voglio comunicare?”

Dopo che avrai dato risposta a questa domanda, concentrati sulla composizione e su come portare il focus, il “centro d’attrazione” della foto, in direzione di ciò che è il vero “centro di interesse”. Se poi riuscirai a farli combaciare la tua foto “parlerà”, racconterà la sua storia in piena autonomia!

Ricorda di sistemare il punto di messa a fuoco della tua macchina: di default è posizionato al centro, quindi se lo hai spostato per uno scatto fatto precedentemente, ricordati che per scattare un panorama, è consigliabile posizionarlo nuovamente al centro in modo da avere un range di messa a fuoco più ampio. Un altro accorgimento importante riguarda la scelta del diaframma da utilizzare per lo scatto: se puoi una il diaframma più chiuso che hai a disposizione (diciamo f/22, ma comunque non scendere sotto f/10) questo ti permetterà di avere la maggior parte del paesaggio perfettamente a fuoco.

Qualunque cosa tu stia fotografando, laghi, montagne, scogliere o landscape urbani, istintivamente ti sentirai portato ad inquadrare il soggetto dal punto di vista da cui lo si vede abitualmente. Prova ad “andare oltre” e osservare il soggetto da un punto di vista “inusuale”: chi guarderà la tua foto, magari di un paesaggio che ha già visto tante volte, troverà la vostra “prospettiva” decisamente interessante.

Resta sempre valida una buona pratica che ti permette di esercitare il tuo occhio alla composizione: gli scatti di fotografi paesaggisti famosi possono insegnare tanto sulla composizione. Osservali e chiediti perché il tuo occhio li trova così “attraenti”. Ti accorgerai che la composizione è impeccabile, e segue poche ma fondamentali regole: il posizionamento dell’orizzonte, degli oggetti sui terzi e la perfetta gestione della luce. Ieri mattina ho avuto l’occasione di poter osservare dal vivo circa 70 stampe originali di Ansel Adams ed è stata un’esperienza fantastica. Ho visto scene banali trasformate in paesaggio mozzafiato e tante immagini in bianco e nero che sembravano quasi prendere vita. Secondo un caro amico, che era con me, certe immagini in bianco e nero erano talmente evocative da sembrare a colori!

Ieri ho anche avuto una conferma! Diffida da chi ti dice che scattare un panorama non vuole dire necessariamente scattare in orizzontale. La composizione si può sviluppare anche verticalmente… e con quali risultati!!! Provare per credere!

Cosa dire poi della “dimensione”? Le dimensioni contano!

Quante volte hai scattato una foto ad un enorme albero, o ad una formazione rocciosa che ti sovrastava, cercando di trasmettere quella stessa magnitudine e hai scoperto poi, guardando la foto, che il senso delle dimensioni si era perso?

Per ovviare a questa perdita e alla naturale e imprescindibile bidimensionalità della fotografia, cerca di fare uso di riferimenti: aggiungi al tuo scatto una persona, o qualsiasi altro soggetto che possa immediatamente dare il senso delle proporzioni.

Ciao e… buone foto!

Simone Conti

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