Sia chiaro, ogni tanto lo ripeto per sicurezza, io dalla Adobe (purtroppo ) non prendo un euro, anzi, me li chiedono tutte le volte che acquisto un software o voglio ottenere una certificazione.

A parte gli scherzi, lavoro con prodotti Adobe da 20 anni, e cerco di mantenere il mio spirito critico sveglio e allerta… è chiaro che con Photoshop faccio un po’ più fatica, ma ci provo.

Quindi, appena ho avuto a disposizione la Beta della versione 4.0, ho deciso di dargli un’occhiata, lavorarci un po’, e poi condividere con voi le prime impressioni sul software.

Chi non conosce Lightroom? Si tratta dello sviluppatore RAW di Adobe, spesso erroneamente considerato un “piccolo Photoshop” (bestemmia!), in realtà semplicemente il software più diffuso per lo sviluppo del negativo digitale, onesto, funzionale ed universale. Un software che negli ultimi anni è diventato lo strumento di lavoro principe di molti fotografi. Ora, nonstante io consideri Lightroom insufficiente per una post ben fatta, senza l’utilissima e necessaria integrazione con Photoshop, è evidente che molti fotografi lavorano le loro immagini sistemando solo esposizione, colore e temperatura, senza agire troppo sull’immagine. E per far questo Lightroom è non solo sufficiente, ma eccellente!

Per questo mi sono gettato sulla versione Beta di Lightroom 4 con tutta la curiosità del mondo aspettandomi, lo ammetto, ben poche novità significative. Perchè? Perchè negli ultimi anni gli aggiornamenti non avevano “mosso” granchè,sia per quanto riguarda Lightroom che Photoshop… si, qualche nuovo plug-in interessante, ma niente di più. L’ultima vera novità in Lightroom era stato l’inserimento degli strumenti per la regolazione locale, qualche release fa.

Bene, questa versione di Lightroom inserisce una serie di novità interessanti, a partire da alcuni aggiornamenti sugli strumenti per lo sviluppo, fino ad introdurre due nuovi moduli.

Cominciamo dall’inizio, cioè dal modulo “Sviluppo”, perchè mi pare che il modulo “libreria” non abbia subito modifiche sostanziali. Bene, la prima cosa che ho notato in “sviluppo” è la scomparsa (oserei dire…finalmente) del cursore LUMINOSITA’, del tutto inutile viste la presenza di esposizione e curve di viraggio. Inoltre il cursore “CONTRASTO” è stato spostato sotto ad ESPOSZIONE.

Niente di trascendentale, le novità più interessanti le ho trovate esplorando gli strumenti di regolazione locale. Infatti, su pennello e filtro graduato, ora è possibile regolare anche TEMPERATURA e TINTA. Inoltre, sempre con questi due strumenti, è possibile lavorare sul dettaglio, aggiungendo contrasto, disturbo e correzione dell’effetto moirè. Tutto molto bello e utile.

La possibilità di fornirvi un esempio pratico mi è stata fornita da alcuni scatti fatti in appennino nelle settimane scorse. Perdonatemi se le foto non sono clamorose, sono un ritoccatore e non un fotografo professionista hanno però il grande pregio di essere utili allo scopo!

Anche se la giornata era bellissima e la foschia molto ridotta, è normale che le montagne in secondo piano appaiano leggermente più “fredde” e meno dettagliate rispetto al primo piano… In questo caso la correzione andrebbe fatta in Photoshop, ma utilizzando le regolazioni locali del nuovo Lightroom è possibili realizzare un ottimo lavoro!

Felice delle nuove regolazioni locali (che da buon testardo continuerò ad usare con parsimonia, lavorando su questi problemi principalmente in Photoshop), passo al pannello successivo e scopro che Adobe ha inserito non 1 ma 2 nuovi pannelli in lightroom 4!!! Si tratta del pannello MAPPA e del pannello LIBRO. Il pannello MAPPA ha la funzione di geolocalizzare le immagini dell’abum, creare gruppi in base alla posizione geografica e ai dati GPS (se inseriti). Il pannello LIBRO invece va a colmare una piccola lacuna, ad uso prettamente “consumer” e “prosumer” permettendo la creazione di libri fotografici direttamente dall’album e dalle collezioni di Lightroom. La versione Beta contiene già un discreto numero di presets, probabilmente ne verrano implementati altri nella versione definitiva.

Insomma, un discreto passo avanti, non epocale, niente di sconvolgente (Photoshop 6 promette meraviglie decisamente più sconvolgenti…) ma comunque un buon pacchetto di features e funzioni in più per l’uso quiotidiano professionale e non. Ecco… forse il taglio dei due nuovi pannelli è poco pro… ma dipende dai casi, ad un paesaggista il modulo “maoppa” può essere molto utile.

Bene, attendo i vostri commenti, provate e fatemi sapere. Ecco il link per scaricare la beta:

labs.adobe.com/technologies/lightroom4/

Ciao a tutti e buon lavoro!

Simone Poletti

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Vi avevo annunciato grandi progetti e grandi novità per il 2012 di FotografiaProfessionale, grandi novità per tutti i fotografi e i ritoccatori, per tutti gli appassionati di fotografia e post-produzione.

E così sarà, nelle prossime settimane avremo un nuovo sito, con nuove funzioni e la possibilità di accedere molto più facilmente a tutti i tutorial, le notizie, le interviste con i grandi fotografi, i corsi e i workshop. Un nuovo sito, una nuova grafica, nuovi corsi e nuovi collaboratori. Un marchio restilizzato e tantissime altre novità che non voglio svelarvi ora!

Ma oggi voglio presentarvi la prima grande novità: si chiama Professional Photography & Post-Production, per gli amici PP&P, ed è la nuova e-zine di FotografiaProfessionale!

PP&P sarà uno strumento molto utile per tutti i fotografi professionisti e gli appasionati, infatti vi aiuterà a rimanere aggiornati su tutte le news del mondo della fotografia e del ritocco: sia che il vostro strumento di lavoro sia la vostra Nikon, la vostra Canon (o la vostra Hasselblad o Pentax o quello che volete…) o Photoshop.

Professional Photography & Post-Production conterrà gli articoli più interessanti usciti sul blog, l’agenda con tutti gli appuntamenti, le interviste, le recensioni di macchine fotografiche, ottiche e accessori, i consigli tecnici dei nostri trainer e tanto altro.

Per chi è già iscritto a FotografiaProfessionale la e-zine sarà assolutamente gratuita e la riceverete gratuitamente nella vostra casella di posta ogni mese!

PP&P sarà il nostro modo di tenerci in contatto e di aggiornarvi costantemente, ma non è che la prima novità di un 2012 pieno di sorprese!

Tenetevi in contatto e, se non lo avete già fatto, iscrivetevi e Extreme Photoshop, sono rimasti gli ultimissimi posti disponibili.

Ciao e buon lavoro.

Simone Poletti

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Ciao e bentornati su FotografiaProfessionale.it!

Magari siete già al lavoro da due settimane e in questo momento state lanciando maledizioni fantasiose verso il vostro ritoccatore preferito… beh, pazienza, per noi è il primo giorno di lavoro (almeno ufficialmente) del 2012, e festeggiamo!

Festeggiamo perché siamo carichi e pronti per un anno di grandi novità, nuove esperienze, nuovi corsi, workshop fantastici… insomma, un 2012 alla grande! Tutti parlano di crisi, ed è giusto essere attenti e vigili, ma questo non ci toglie la voglia di fare e di coinvolgervi nei mille nuovi progetti di FotografiaProfessionale, anzi!

Quindi, buon anno a tutti e… rimboccatevi le maniche, perché iniziamo subito! Si, iniziamo subito con le novità di FP… siete pronti per un workshop fantastico, tutto dedicato alla post-produzione?

Probabilmente avete già letto il  mio articolo precedente, o avete ricevuto via mail informazioni in merito, e quindi forse sapete già che abbiamo lanciato questo nuovo workshop, ma repetita juvant, quindi…

Siete pronti per Extreme Photoshop?

Due giorni completamente dedicati alla post-produzione, due giorni nei quali potrete imparare con me e con il team di FotografiaProfessionale le tecniche più avanzate per la postproduzione con Photoshop. Saranno due giorni fantastici, a Reggio Emilia, dal 18 al 19 febbraio 2012. Vi siete già iscritti? No? Bene, fino alle 24:00 di oggi potete ancora approfittare dell’offerta di lancio! Ci vediamo ad Extreme Photoshop!

Ciao a tutti e buon lavoro!

Simone Poletti

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SPOILER SPOILER SPOILER:

Attenzione, tenete d’occhio il sito e la vostra casella di posta nei prossimi giorni, ci sono grandi novità in arrivo da FotografiaProfessionale!

Cosa? Un corso? Un workshop? Un ebook? Una vendita promozionale?

Beh, è già in corso la Christmas Sale con sconti eccezionali su tutti i corsi, quindi no, la novità non riguarda i prezzi dei corsi…

Che ne direste di un paio di giorni dedicati solo ed esclusivamente ad esplorare il lato più estremo e impattante di Photoshop?

Che ne direste di passare un po’ di tempo con me e con i trainer di FotografiaProfessionale?

Che ne direste di regalarvi una dose massiccia di tecniche avanzate di postproduzione?

Chi? Dove? Come ? Quando?….

Basta, ho già detto troppo, fra poche ore…

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Serve velocità, velocità velocità!

Sembra di sentire parlare Filippo Tommaso Marinetti in crisi mistica, e invece sono io, il vostro affezionatissimo ritoccatore.

La velocità è un argomento di stretta attualità, e non c’entrano nulla i limiti sulle autostrade e nemmeno lo spread e la finanziaria… per una volta .

Qui il punto è ben diverso, il punto è che si lavora sempre con un senso di urgenza che credo ognuno di voi conosca bene. I clienti sono sempre più esigenti e hanno sempre più fretta, molto spesso posseggono anche loro una macchina reflex e magari “scancherano” (scusate il dialetto reggiano ) anche un po’ con Photoshop e Lightroom… quindi si sentono un po’ degli esperti. Purtroppo manca completamente la conoscenza dei tempi e delle complessità di certe lavorazioni, quindi capita di sentirsi chiedere la consegna del materiale post-prodotto a due giorni dallo scatto… giusto il tempo per un’esportazione ben fatta dei RAW.

Velocità allora… ma mia nonna diceva “La fretta è nemica del ben fatto”… quindi?

È vero, la fretta è nemica del ben fatto, ma la tecnologia e la professionalità ci vengono in aiuto e ci danno la possibilità di essere veloci e qualitativamente adeguati.

Perchè dico “adeguati” e non “perfetti”? Perchè con i tempi stretti che abbiamo, è necessario prima di tutto fare una adeguata valutazione delle necessità e non eccedere nel dettaglio se non necessario. Quindi, prima di tutto, apportare alle immagini una post-produzione adeguata alle necessità, senza esagerare. Fermarsi un attimo prima di partire, ragionare su cosa e come farlo, può essere utilissimo per non perdere tempo dopo.

Fatto questo, il modo milgiore per risparmiare tempo mantenendo una qualità degna della nostra reputazione è quello di affidarsi agli strumenti che i software per la post-produzione ci mettono a disposizione. Azioni, batch, automatismi, se usati con attenzione (dopo avere creato azioni qualitativamente eccellenti), ci permetteranno di ottenere risultati ottimi in tempi ridottissimi.

“Affilare la sega” prima di inziare quindi,prepararsi alla battaglia creando azioni di qualità per poi riproporre a gran velocità una post di grande livello.

Come? Lo scoprirete presto!!!

Ciao a tutti e buon lavoro, veloce!

Simone Poletti

Ah, dimenticavo! Da alcune settimane sulla pagina Facebook di FotografiaProfessionale potete trovare contenuti esclusivi e promo SOLO per gli amici di Facebook… basta clickare su “mi piace”

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Ciao a tutti,

in questi giorni abbiamo già parlato, insieme a Simona Giglioli, di ritocco morfologico e modifica del corpo.

È un tema importante e sentito nella fotografia cotemporanea, perchè le richieste del mercato sono pressanti e sempre più specifiche. I clienti pretendono dal fotografo professionista immagini perfette, in tempi brevissimi e senza spendere troppo… anzi, spesso con budget risicatissimi. Anche gli appassionati di fotografia, i famosi “prosumer”, sentono un concorrenza spietata, ormai anche partecipare ad un concorso è diventato impossibile se non si è in gradio di consegnare immagini perfettamente corrette.

In realtà, imparare a correggere le proprie immagini è piuttosto semplice, molto più semplice di imparare a fare belle fotografie… richiede meno tempo e meno impegno, ma c’è una difficoltà:

accedere alle informazioni sembra essere molto complesso. Ecco un esempio: lavorando per il corso di cui parleremo fra poco, ho cercato su YouTube i tutorial presenti sul ritocco morfologico e il digital makeup. Volevo farmi un’idea di quello che c’era in giro, del livello medio delle risorse disponibili ed accessibili a tutti. Beh, ho scoperto che il ritocco morfologico è praticamente impossibile da trovare e che i video sul digital makeup sono quasi 20.000… quasi tutti in inglese, molti non hnno nulla a che vedere con il makeup digitale a Photoshop, e tutti… proprio tutti… insegnano tecniche piuttosto basilari, molto spesso errate o dannose per l’immagine.

Quindi, approcciando il corso di Tecniche Avanzate per il Ritocco Moroflogico e il Digital MakeUp, ho scelto di creare un corso semplice nella sua didattica, ma credo utile e ben strutturato. Come al solito mi sono focalizzato su tecniche e metodi di lavoro che peremttano di iniziare a lavorare subito, ottenendo immediatamente buoni risultati. Ho tralasciato tutta la fuffa e le cose inutili, per concentrarmi sul lavoro vero, quello che un fotografo affronta ogni giorno.

Questo corso, come gli altri di FotgrafiaProfessionale, è stato pensato per aiutare il fotografo ad affrontare le sfide che il mercato attuale pone. Concretamente.

Ora, a voi! Aspetto i commenti al corso.

Ciao a tutti e buon lavoro!

Simone Poletti

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Nelle precedenti due (Parte 1 & Parte 2) puntate abbiamo affrontato il paesaggio da un punto di vista per lo più tecnico. In questa pillola (ultima del ciclo dedicato al paesaggio) vorrei soffermarmi sulla composizione e darti qualche piccolo suggerimento su come enfatizzare uno scatto per evitare che risulti banale.

Il “3″ è un numero molto importante sia in natura che in fotografia. La cosiddetta “regola dei terzi”, il fatto che spesso una foto risulti più interessante se comprende 3 soggetti umani (la cosa funziona anche con gli oggetti) piuttosto che 2 o 4… pensa che dal mio viaggio in Islanda ho scoperto che le pecore in quel paese si spostano solo ed esclusivamente a gruppi di 3! Una linea guida compositiva che credo sia sempre da tenere a mente, qualunque sia il soggetto del paesaggio che ti appresti a fotografare, è individuare nel frame 3 importanti porzioni: il primo piano, lo sfondo e… tutto quello compreso tra loro.

Se, ad esempio, ti stai apprestando a scattare un paesaggio marino o lacustre, prenditi qualche momento per osservare attentamente, nel mirino della tua macchina, quello che vedi e come inquadrare correttamente il panorama per renderlo interessante e distinguerlo dalla banalissima foto che ogni amatore potrebbe scattare durante una gita al mare.

In ogni paesaggio marino, lacustre o che abbia come elemento l’acqua, c’è una riva, l’acqua e il cielo.

Posizionare “correttamente” questi 3 elementi, ti aiuterà a “raccontare la tua storia” piuttosto che semplicemente portare a casa un’istantanea.

Come credo ricorderai dalla prima “pillola” dedicata al paesaggio l’ora in cui scatterai probabilmente condizionerà e modificherà la tua “storia”: se il tuo scatto include acqua (che sia mare, lago, baia o pozza) ricordati che se vuoi ottenere un effetto “specchiato” dell’acqua, probabilmente dovrai scattare all’alba poiché in quel momento del giorno sarà più probabile che la superficie dell’acqua sia perfettamente liscia e il vento pressoché assente. Anche la bruma “si alza presto”, quindi se anche questo elemento è presente nel tuo scatto (magari una scena delle colline Toscane) ricordati di puntare la sveglia!

Definiti i 3 componenti principali dello scatto, secondo le linee guida che abbiamo appena visto, dovrai tenere presente un altro importantissimo elemento: la linea dell’orizzonte.

È sempre buona norma evitare di posizionare l’orizzonte esattamente alla metà del fotogramma: il risultato sarebbe decisamente banale!!! L’orizzonte alla centro del fotogramma conferisce identica importanza al cielo e al primo piano evitando di valorizzare entrambi.

Quindi, per decidere dove posizionare la linea dell’orizzonte, dovrai chiederti cosa vuoi enfatizzare: il cielo o il primo piano?

Ricorda che al tramonto o all’alba, le nuvole – non parlo di un cielo grigio piatto, ovviamente – regalano gradazioni cromatiche incredibili; utilizzale per trasformare scatti ordinari in qualcosa di straordinariamente emozionante! Se ti si presenta davanti agli occhi un cielo magnifico con ammassi nuvolosi davvero interessanti va da se che il focus da preferire è quello! Ti consiglio quindi di posizionare la linea dell’orizzonte in corrispondenza del terzo inferiore del fotogramma o comunque un poco al di sotto della linea mediana del fotogramma.

Se invece è il primo piano a meritare l’attenzione, dovrai posizionare la linea dell’orizzonte in corrispondenza del terzo superiore del fotogramma o almeno un poco al di sopra della metà dell’inquadratura. Ricorda che anche piccoli spostamenti della linea dell’orizzonte permettono di spostare in modo deciso il focus di chi guarderà i tuoi scatti!

Scegliere “il centro di interesse” di uno scatto è fondamentale: se osservando la tua foto, alla domanda “cosa volevo scattare?” dovessi impiegare più di 10 secondi a rispondere, hai decisamente “mancato” il focus. Quindi, quando componi la tua foto, chiediti sempre “cosa voglio fotografare?”, “cosa voglio comunicare?”

Dopo che avrai dato risposta a questa domanda, concentrati sulla composizione e su come portare il focus, il “centro d’attrazione” della foto, in direzione di ciò che è il vero “centro di interesse”. Se poi riuscirai a farli combaciare la tua foto “parlerà”, racconterà la sua storia in piena autonomia!

Ricorda di sistemare il punto di messa a fuoco della tua macchina: di default è posizionato al centro, quindi se lo hai spostato per uno scatto fatto precedentemente, ricordati che per scattare un panorama, è consigliabile posizionarlo nuovamente al centro in modo da avere un range di messa a fuoco più ampio. Un altro accorgimento importante riguarda la scelta del diaframma da utilizzare per lo scatto: se puoi una il diaframma più chiuso che hai a disposizione (diciamo f/22, ma comunque non scendere sotto f/10) questo ti permetterà di avere la maggior parte del paesaggio perfettamente a fuoco.

Qualunque cosa tu stia fotografando, laghi, montagne, scogliere o landscape urbani, istintivamente ti sentirai portato ad inquadrare il soggetto dal punto di vista da cui lo si vede abitualmente. Prova ad “andare oltre” e osservare il soggetto da un punto di vista “inusuale”: chi guarderà la tua foto, magari di un paesaggio che ha già visto tante volte, troverà la vostra “prospettiva” decisamente interessante.

Resta sempre valida una buona pratica che ti permette di esercitare il tuo occhio alla composizione: gli scatti di fotografi paesaggisti famosi possono insegnare tanto sulla composizione. Osservali e chiediti perché il tuo occhio li trova così “attraenti”. Ti accorgerai che la composizione è impeccabile, e segue poche ma fondamentali regole: il posizionamento dell’orizzonte, degli oggetti sui terzi e la perfetta gestione della luce. Ieri mattina ho avuto l’occasione di poter osservare dal vivo circa 70 stampe originali di Ansel Adams ed è stata un’esperienza fantastica. Ho visto scene banali trasformate in paesaggio mozzafiato e tante immagini in bianco e nero che sembravano quasi prendere vita. Secondo un caro amico, che era con me, certe immagini in bianco e nero erano talmente evocative da sembrare a colori!

Ieri ho anche avuto una conferma! Diffida da chi ti dice che scattare un panorama non vuole dire necessariamente scattare in orizzontale. La composizione si può sviluppare anche verticalmente… e con quali risultati!!! Provare per credere!

Cosa dire poi della “dimensione”? Le dimensioni contano!

Quante volte hai scattato una foto ad un enorme albero, o ad una formazione rocciosa che ti sovrastava, cercando di trasmettere quella stessa magnitudine e hai scoperto poi, guardando la foto, che il senso delle dimensioni si era perso?

Per ovviare a questa perdita e alla naturale e imprescindibile bidimensionalità della fotografia, cerca di fare uso di riferimenti: aggiungi al tuo scatto una persona, o qualsiasi altro soggetto che possa immediatamente dare il senso delle proporzioni.

Ciao e… buone foto!

Simone Conti

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Nella scorsa pillola, ti ho dato alcuni suggerimenti sul timing ideale per scattare i panorami. Oggi vorrei parlare un po’ dell’attrezzatura.

La “Golden Hour” aiuta a dare enfasi allo scatto, ma non è un obbligo: puoi decidere di scattare il tuo panorama in qualsiasi ora del giorno e della notte. Credo però sia indispensabile avere sempre con sé il giusto “necessaire” per poter scattare in qualsiasi condizione di luce e qualsiasi tipo di panorama.
Vorrei quindi condividere con te il mio personale elenco dei “must have” per scattare panorami in “sicurezza”.

1- Corpo Macchina

Nonostante sia uno degli elementi fondamentali per la fotografia (senza macchina fotografica è piuttosto impegnativo fare fotografia! ), non mi ci soffermerò più di tanto. C’è chi consiglia di avere semplicemente un corpo macchina full frame. Io non sono così “assoluto” nel raccomandare che corpo macchina usare. Penso che il migliore corpo macchina che si può avere è quello che si è abituati ad usare, quello con cui ci si trova in sintonia.

Oltre agli aspetti puramente pratici è bene considerare anche alcuni dettagli tecnici. Spesso nei panorami si tende a scattare con tempi di posa piuttosto lunghi. Considerando questo aspetto sarebbe bene munirsi di un corpo macchina con un sensore poco “rumoroso” visto che il rumore digitale tende ad aumentare all’aumentare dei tempi di posa (soprattutto se si superano i 20/30 secondi). Le macchina full frame hanno tendenzialmente sensori di qualità migliore rispetto alle APS-C e a tutte le altre con sensori più piccoli. Sicuramente credo non sia consigliabile usare delle “compatte” per realizzare foto di paesaggio di qualità. Scatta sempre in RAW e scegli la macchina con il sensore più grande puoi.

2- Il Treppiede

Il treppiede (o cavalletto se preferisci) è essenziale, quasi quanto la macchina fotografica e dovrai portarlo sempre con te per vari motivi.

• Se hai deciso di scattare in condizioni di luce scarsa, il motivo è abbastanza evidente: per quanto ferma possa essere la tua mano, avere un supporto ti risparmierà di scoprire, osservando gli scatti sul computer una volta tornato alla base, che le immagini sono mosse.
• Se vuoi ottenere effetti particolari, che implicano l’uso di lunghi tempi di esposizione, va da se che ti servirà il treppiede.
• Come fare a meno del treppiede per un “photo stitching” che si rispetti? (Magari su questo argomento torneremo in una prossima “Pillola”)

Prima di mettere in posa il tuo treppiede, ti suggerisco di ispezionare la location che hai scelto per individuare la location più adatta. Come già anticipato nella prima parte della pillola sul paesaggio, è buona norma scegliere la location giusta nei giorni precedenti a quello scelto per lo scatto, non solo per capire quale sia la luce migliore che valorizza la scena, ma anche per trovare l’inquadratura ideale.

Il cavalletto è importante sia stabile, solido, ben piazzato insomma. Per la foto di paesaggio la fermezza e stabilità del treppiede è fondamentale! La leggerezza e la portabilità passano in secondo piano, ma sicuramente se si ha la possibilità di scegliere uno strumento stabile e al contempo leggero… perché non farlo???

Ottimi treppiedi in fibra di carbonio sono venduti da varie marche. Io ho uno Slik PRO 724 CF, 4 segmenti con un diametro di 25mm. Trovo che sia un ottimo compromesso tra stabilità e trasportabilità. Altre ottime marche nei cataloghi delle quali cercare il tuo treppiede ideale sono sicuramente Gitzo e Manfrotto.

Per quanto riguarda la scelta della testa da utilizzare sul treppiede sentiti libero di utilizzare quella che preferisci. I puristi utilizzano quelle a 3 gradi di libertà. Personalmente preferisco usare una testa a sfera: è sicuramente meno precisa, ma decisamente più “rapida” da regolare. Con l’aiuto di una livella per me è perfetta!

3- La Livella

Uno strumento indispensabile per evitare il tanto odiato effetto dell’orizzonte “cadente”. È vero che sia con tutti gli sviluppatori RAW che con Photoshop e simili si può risolvere il problema in postproduzione, ma perché farlo se si può evitare? Alcune DSLR sono già dotate, all’interno del firmware della funzione noto con il note di “Orizzonte Virtuale”: sul display monitor LCD della macchina è possibilite verificare la disposizione della fotocamera rispetto all’orizzonte. Se questa ottima diavoleria tecnologica non fosse presente sulla tua macchina puoi affidarti alla cara buona vecchia bolla a slitta (piccole livelle in miniatura che si fissano sulla slitta del contatto caldo del flash).

La bolla ti permette di risolvere gli inconvenienti antiestetici nello scatto relativi a linee cadenti, orizzonti storti e correttezza della prospettiva. Il costo di questo piccolo accessorio è davvero irrisorio e vale la pena averne sempre una con sé.

4- Ottiche

Il paesaggio, a meno di tecniche compositive particolari o di specifiche scelte stilistiche, generalmente viene scattato con obiettivi grandangolari. Maggiore sarà l’angolo di campo che il tuo obiettivo consente di catturare, maggiore sarà la porzione di paesaggio che riuscirai a “raccontare”. Se con una macchina full frame già un 24mm può essere adatto, su macchine con sensore APS-C la scelta dovrà ricadere almeno su un 14mm o su un 16mm. Certo utilizzare un fantastico Canon EF 14mm f/2.8L USM su una full frame come la Canon EOS 5D MkII (per chi scatta con Nikon l’optimum sarebbe un AF Nikkor 14mm f2.8D ED accoppiato alla ottima Nikon D700) sarebbe ottimale. L’importante però, indipendentemente da marche o modelli, è avere una lente dotata di ottima incisione, contrasto cromatico eccellente e SOPRATTUTTO cerca di scegliere una lente con poca o nulla distorsione. Nel paesaggio, così come in architettura le linee di prospettiva sono spesso molto importanti.

5- Filtri

In ogni borsa del fotografo paesaggista credo debbano essere presenti almeno questi tre filtri: Polarizzatore Circolare, filtro ND (magari in più varianti ) e filtro GND.

Il filtro polarizzatore, come probabilmente saprai già, regala colori vividi e ricchi ed è uno dei filtri che considero essenziali per scattare un panorama di qualità. Aiuta a eliminare i fastidiosissimi riflessi prodotti dall’acqua dei corsi d’acqua e dalla foschia rendendo i cieli blu ancora più fortissimamente blu (se lo usi in alta montagna rende il cielo quasi “nero”).

Quando usi il filtro polarizzatore tieni a mente che funziona in maniera ottimale quando si trova ad un’angolazione di 90° rispetto al sole (se hai il sole dritto davanti a te, la sua funzionalità è decisamente ridotta). Ruotandola ghiera del filtro a destra o sinistra potrai modulare l’effetto di “rimozione dei riflessi” a tuo piacimento.

Ultima nota sul filtro polarizzatore, ma che vale in generale per ogni tipo di filtro: se non ne hai uno e decidi di acquistarlo, NON LESINARE! Il filtro, una volta applicato all’obiettivo, diventerà parte di esso e contribuirà al rendimento ottico della tua lente! La qualità del filtro incide sulla prestazione della tua lente, perciò è inutile acquistare obiettivi da migliaia di Euro per poi applicare davanti ad essi filtri di poco valore che sicuramente peggioreranno la resa ottica e cromatica dei tuoi scatti.

Il filtro ND, Neutral Density Filter (Filtro Neutro, per farla semplice) è un filtro opaco di colore grigio neutro uniforme e disponibile in diverse gradazioni a partire da ND2 sino ad ND16. Il numero indica il coefficiente che permette di stabilire la corretta esposizione rispetto a quella calcolata in assenza di filtro. Esistono tabelle che permettono di valutare quale filtro utilizzare oppure. se come me sei un fan Apple, puoi scaricare questa utile App per il tuo iPhone. In generale i filtri ND permettono di abbattere la quantità di luce in ingresso quando si voglia scattare con tempi lunghi o diaframma molto aperto per ottenere effetti particolari (es. acqua corrente bianca che sembra “schiuma”) senza risentire degli effetti, altrimenti inevitabili, della luce (sovraesposizione).

Il filtro GND, Graduated Neutral Density Filter (Filtro Neutro Graduato, o Filtro Digradante) somiglia al ND, da cui differisce per la distribuzione della porzione opaca che è limitata ad una parte del filtro. La restante parte del filtro è trasparente e sfuma gradualmente, appunto, verso la zona opaca. La zona opaca può essere grigia o colorata. L’utilizzo di questo tipo di filtro permette di mantenere un’esposizione uniforme negli scatti paesaggistici, evitando di bruciare il cielo ed avendo al contempo il soggetto che si trova fotografato davanti al cielo correttamente esposto. L’uso di filtri graduati colorati permette di accentuare i colori del tramonto o creare effetti particolari. Il filtro graduato colorato è un retaggio della fotografia a pellicola. Ora, una volta gestita l’esposizione con l’aiuto del filtro ND o GND, ci si può sbizzarrire sulle cromie in postproduzione.

6- Comando a distanza

Esistono sia via cavo che wireless. Si tratta di uno strumento essenziale che ti permetterà di scattare in tutta tranquillità quelle immagini che richiedono lunghi tempi di esposizione e che risentirebbero, inevitabilmente, di ogni piccolo movimento sul corpo macchina. A volte, anche la sola pressione sul pulsante di scatto, può compromettere la perfetta incisione di una lunga esposizione.

7- Batteria

Una batteria carica e un’altra, sempre perfettamente carica, di scorta: sempre meglio avere un back-up! Questa dovrebbe essere una costante, non solo per gli scatti panoramici! Trovarsi sprovvisti di batteria momento perfetto per scattare è davvero frustrante, soprattutto se ti trovi in location che non avrai più modo di visitare o se gli elementi del panorama sono disposti in maniera irripetibile… Spesso, soprattutto in inverno, la seconda batteria è bene conservarla al caldo (magari all’interno della giacca e non nella borsa) visto che le batterie sono molto sensibili alle temperature e il freddo le fa scaricare molto più rapidamente del normale.

8- Schede di Memoria

E se invece della batteria, ti trovassi a corto di memoria? Anche in questo caso avere qualche scheda in più, debitamente conservata nella sua custodia rigida, al riparo da polvere e umidità, e svuotata la sera prima, è un’ottima prassi.

9- iPad

Se dovessi trovarti impegnato in un tour per svariati giorni, magari senza la possibilità di scaricare le immagini su un computer ogni sera e con la necessità di “viaggiare leggero”, le schede di memoria potrebbero non essere sufficienti. I Pro che scattano per più di un giorno e non dispongono della possibilità di scaricare le schede e salvare le immagini su computer o HD, sono spesso muniti di Multimedia Storage Viewer. Si tratta di unità di archiviazione su cui è possibile scaricare direttamente il contenuto delle schede di memoria e visionare le immagini su un piccolo monitor LCD. Sono praticamente “involucri intelligenti” che contengono al loro interno hard disk di varia capienza. Ne esistono per ogni esigenza e per “ogni tasca”.

Una soluzione alternativa? Beh, visto che sai che sono un fan Apple non posso esimermi dal consigliarti un iPad dotato di Camera Connection Kit. Il tablet Apple non è sicuramente capiente come un dispositivo di storage basato su hard disk, ma essendo leggero e, per sua natura, “connesso”… potrai ad esempio utilizzare DropBox per salvare i tuoi scatti ogni sera durante il tuo viaggio e ritrovarli già sul tuo computer quando rientrerai a casa. DropBox si preoccuperà anche, in modo del tutto trasparente di fare AUTOMAGICAMENTE un backup delle tue foto. Come non amarlo???

Direi che per oggi mi sono dilungato anche troppo… ho iniziato pensando di scrivere una “pillola” e sono finito scrivendo un “pillolone”… quasi un eBook!

Nella prossima pillola vedremo assieme come comporre al meglio uno scatto panoramico, come gestire condizioni meteo a prima vista “difficili” e come ottenere effetti particolari nel tuoi scatti di paesaggio per renderli unici.

Ciao e buone foto

Simone Conti

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E se si, quando? E come?

Ho affrontato queste discussione tante volte, con amici fotografi e ritoccatori, e oggi vorrei riproporre a voi l’arduo quesito. Ritoccare un corpo è sempre necessario o è meglio non farlo mai?

Ho pensato di coinvolgere nella discussione Simona Giglioli, ritoccatrice professionista e trainer di FotografiaProfessionale, autrice dell’ultimo corso “Basi di ritocco Morfologico e Digital MakeUp”.

Simone: Il ritocco del corpo, il cosiddetto “ritocco morfologico” è una delle tecniche più usate (ed abusate), soprattutto nella foto di moda e nella correzione dei ritratti di attori, celebrities ecc… molto spesso i fotografi e i ritoccatori vengono accusati di essere troppo “generosi” nell’uso di queste tecniche, facendo passare un’immagine del corpo non realistica. Quindi? Rinunciare al ritocco e lasciare le fotografie cosi come sono? Con tutti i difetti visibili?

Simona: se si parla di foto moda, io voto si alle correzioni, ma non drastiche! Caro Simone, e voi tutti che leggete… immaginate di dover scattare in studio, con una modella stragnocca… poi quando vedete lo scatto, vi accorgete che ci sono dei difetti. Perchè?
Perchè a volte non è il soggetto ad avere dei problemi: nonostante la modella sia bellissima, luci, obiettivo e altre mille varianti, mettono in evidenza difetti che ad occhio nudo non si vedono. Beh in questi casi si… è necessario intervenire… anche il cliente sarà più contento! Pensate anche alle foto di matrimonio… Ovvio che si deve trattare di foto moda o del cliente stesso… o foto che devono vendere qualcosa, anche un concetto!!! Salvo casi estremi però… non pensate sia meglio non esagerare?

Simone: D’accordo, punto di vista condivisibile. Ma è lecito “togliere due taglie” ad una modella? È vero che, soprattutto nella moda, la foto deve promuovere un prodotto (il vestito) e quindi deve essere perfetta, l’abito deve cadere in modo eccellente. Oppure, nelle fotografie beauty/cosmetics, il corpo deve essere più che altro un simbolo di una bellezza “ideale”. Siamo chiari, le immagini che vediamo sulle riviste sono tutte ritoccate, ma nel caso di molte modelle si tratta veramente di poche lievi imperfezioni. Il fatto che le modelle siano tutte delle ragazze “belline” che poi vengono trasformate con Photoshop è una leggenda metropolitana… Ma fin dove è lecito spingersi?

Simona: se devi togliere due taglie… forse hai sbagliato modella … Ma se non ricordo male… non sei tu quello che ha tolto, non dico due, ma una taglia si… ad una modella che aveva qualche chilo in più… addirittura sfilando non solo il corpo ma anche il viso? Le modelle di alta moda sono bellissime ed effettivamente non sono necessari interventi esagerati, tranne in caso di problemi evidenti. Ma scendendo sulla terra… se parlo ad esempio di una sposa… cosa fate? La ritoccate o prima le chiedete indicazioni? … Una foto dove risulta un pò “intrombonata” … (anche se in realtà non lo è) o dove ha un “filino” di doppio mento… piacerebbe lo stesso o le persone sono più narcisiste di quanto immaginiamo? Io lascerei  i difetti/caratteristiche di ognuno, salvo espressa richiesta… e voi? Ditemi ditemi… sono curiosa…

Simone: ahahaha! fantastica la sposa “intrombonata” (espressione un po’ gergale ma che evoca un’immagine nitidissima)… Credo che ad ognuno di noi faccia piacere vedersi, se non più bello, quantomeno valorizzato dalla fotografia… e questo vale anche per i clienti di un  fotografo professionista e per i “soggetti” di un appassionato… Quindi? Ritoccare si o no? Modificare la fisionomia si o no?

A questo punto la palla passa a voi… cosa ne pensate?

Simona Giglioli e Simone Poletti

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Ciao,

hai mai stentito parlare di ritocco morfologico?

Ebbene si… non sto parlando di ritocchi legati alle imperfezioni della pelle o al colore dell’incarnato, ma di un vero e proprio cambiamento delle linee del volto.

Ti è mai capitato di avere a che fare con immagini che presentano dei problemi di natura estetica, dati dalla modalità di scatto, o dal soggetto stesso che stiamo fotografando?

Volto asimmetrico, occhi di diverse dimensioni, orecchie sproporzionate… attenzione… non sto parlando di nuovi mostri, ma semplicemente di difetti che emergono una volta scattata la foto, e che rendono l’immagine decisamente antiestetica.

Cosa questa che capita abbastanza spesso soprattutto quando si scattano immagini moda o ritratti del cliente (ricordo di un intervento effettuato su una modella che era venuta sul set con “qualche chiletto in più” rispetto al book presentato dall’agenzia)… e qui viene il problema…

Come fare?… Buttiamo la foto? o buttiamo i soggetti?

Un’immagine con queste problematiche richiederebbe l’intervento di un ritoccattore per poter essere pubblicata, o stampata o semplicemente salvata.

Non so se tu sei un purista dello scatto… che non si permetterebbe mai di correggere i “difetti” di una persona…  a volte però, per lavoro è necessario intervenire per poter raggiungere certi risultati e soddisfare il cliente, e spesso l’obiettivo più grande è cercare di ottenere il meglio, mantenendo il naturale aspetto del soggetto, senza dover perdere troppo tempo… (anche perchè magari le foto scattate sono più di una).

Ti sembrerà strano ma un ritocco ben riuscito spesso è un ritocco che non si vede, quindi devi fare molta attenzione… devi essere in grando di lavorare con gli strumenti giusti e con una buona dose di buon senso, onde evitare di arrivare a fine intervento con un’immagine che, anzichè essere migliorata, è peggiorata (per non contare la perdita di tempo)!

Intervenire in modo semplice e non invasivo quindi è la cosa migliore… ricorda sempre… NON INVASIVO.

Basta un ritocco fatto male per cambiare l’espressione o la linea del volto di una persona… quindi… NON ESAGERARE!!

Per rispondere a queste esigenze da oggi potrai scaricare gratuitamente il mio nuovo corso “Basi di Ritocco Morfologico e Digital Make Up”.

In questo video corso di oltre mezzora, ti spiegherò come funzionano i metodi di fusione di Photoshop (utili anche per le postproduzioni più complesse),  realizzeremo insieme un rapido ritocco morfologico e alcune operazioni di digital make up.  Intervenire su di un immagine può essere fatto in svariati modi… io ti insegnerò quelli base, fondamentali per approcciare i metodi avanzati… ti renderai conto che correggere difetti visibili, non vuol dire stravolgere la fisionomia di una persona, ma semplicemente migliorala con pochi passaggi.

E se non sei soddisfatto e desideri agire in modo più estremo… un pò di pazienza… a breve una sorpresa!

Ciao, a presto!

Simona

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