Questa mattina mi sono svegliato, ho guardato fuori dalla finestra è ho visto che avevano installato una gigantesca softbox… meraviglioso!

La neve, caduta in grande quantità, ha imbiancato gran parte del nord Italia, regalando a tutti gli amici fotografi scorci suggestivi e una luce a di poco incredibile incredibile!!!

I contrasti sono smorzati, le ombre più lievi ,ma al contempo i contrasti sono più accesi visto che è come scattare in un grosso studio con un immenso limbo bianco e quella softbox ottagonale gigantesca che tutti amiamo!

Perché quindi perdere un’occasione simile? Come approfittare di un’occasione come questa?

Se non temi il freddo armati di scarpe, guanti e indumenti caldi, poi esci a sperimentare la magnifica esperienza di scattare all’aperto con una softbox di dimensioni spropositate!!! Se vuoi puoi anche portare con te il flash (lo so che sono fissato…) per provare qualche setup con una luce ambiente neutra e bilanciata.

Se almeno una volta hai già provato a scattare all’aperto con la neve, saprai già che non è uno dei soggetti più facili da catturare… soprattutto se credi a cosa ti dice l’esposimetro…

Ecco alcuni suggerimenti pratici per scattare sulla neve.

Prima cosa da fare è sicuramente trovare la corretta esposizione.

Ricorda che il tuo esposimetro “mente”. L’esposimetro è pensato per individuare la corretta esposizione rispetto ad un grigio medio 18%… lasciamo stare i tecnicismi… cosa vuol dire? Significa che l’esposimetro della tua macchina vuole fare diventare tutta la neve della tua foto di colore grigio! Per fare questo ti indicherà come esposizione un valore che in realtà è inferiore di almeno 1 stop rispetto all’esposizione “corretta”.

Quando scatti sulla neve considera di sovraesporre i tuoi scatti di circa 1 stop.

Evita di impostare l’esposimetro in modalità «SPOT». È preferibile usare una misurazione esposimetrica media (viva il Matrix di Nikon!) per cercare di ottenere una lettura bilanciata su tutto il fotogramma.

Cerca una zona dove la superficie nevosa sia particolarmente uniforme e prendi l’esposizione solo considerando la neve (in certe circostanze può essere necessario sovraesporre anche 1,5 stop!). Se devi fare un ritratto evita di prendere l’esposizione sul soggetto perché, quasi sicuramente, visto l’alto contratto della scena, rischierai di ottenere un risultato disallineato rispetto alle tue aspettative. Se hai un flash a slitta con te lo potrai usare per bilanciare a piacere le ombre sul soggetto.

Se ti trovi in montagna, e sei così fortunato da incontrare una giornata di sole, ti consiglio di montare un filtro polarizzatore circolare: otterrai un magnifico contrasto tra la neve e il blu del cielo che il polarizzatore renderà ancora più intenso e profondo!

Ricorda anche che la neve donerà alle tue immagini una dominante colore. Potrai apprezzare la dominante soprattutto nelle ombre che assumeranno un leggera tonalità bluastra. Ricordatene quando andrai a sviluppare i tuoi RAW in Lightroom (o nello sviluppatore RAW di preferenza). Se poi hai voglia di sperimentare con il flash potrai divertirti con le gelatine per bilanciare a piacimento la luce dei tuoi ritratti direttamente in fase di scatto.

Cosa ne dici? Impossibile resistere vero?

Ciao e… buone foto!

Simone Conti
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Ciao a tutti, è un po’ di tempo che volevo sottoporvi un quesito…
Ma partiamo dall’inizio.
 
Vi è mai capitato di trovarvi in situazioni nelle quali avreste voluto avere tra le mani una macchina digitale più piccola e maneggevole?
Vi è mai capitato di non riuscire a scattare una foto perché non avevate con voi la vostra Reflex?
Lo ammetto… a me è capitato! E mi sono chiesta… ma se avessi avuto una compatta… in borsa… in tasca… in macchina… sul tram… sul treno…  avrei potuto cogliere quel momento, che alla fine non ho colto perché non posso sempre portarmi dietro la Reflex?
 
Secondo me si, e ci sono tante situazioni nelle quali la comodità di una macchina più piccola e maneggevole ci facilita lo scatto!
 
Voi direte… ma una Reflex è una Reflex… !!!

Oggi come oggi la tecnologia si è evoluta e presenta sul mercato prodotti di alta qualità.
 
Una sfida continua a colpi di tecnologia che porta le attuali compatte digitali ad essere sempre più competitive sul mercato tanto da conquistarne una buona fetta… ogni giorno più ampia.
 
Le Evil ovvero (Electronic Viewfinder Interchangeable Lens), sono infatti delle compatte digitali ma con tutte le funzionalità di una reflex. Diciamo che sono modelli ibridi…  con tutti i loro vantaggi e svantaggi.
 
La caratteristica principale è l’ingombro del corpo macchina e la mancanza dello specchio interno (mirrorless), che permette alla fotocamera di essere decisamente più piccola e leggera rispetto a una Reflex. Inoltre le Evil hanno ottiche intercambiabili e grazie agli appositi adattatori possono utilizzati dispositivi ottici diversi. Il sensore?… beh oggi come oggi raggiungono la qualità del sensore di una Reflex base in quanto prodotte dalla stessa casa madre.
 
Ma chi avrebbe interesse ad acquistare una Evil? In genere, chi vuole passare ad una fotocamera che ti lascia maggiori possibilità di scatto rispetto a una compatta, ma che non ha la presenza ingombrante e importante di una Reflex.
 Credo però che anche i fotografi cultori dello scatto con Reflex, possano avere interesse ad avere una compatta. Acquistare una compatta digitale infatti, a mio parere, non vuol dire abbandonare la Reflex… semplicemente provare qualcosa con caratteristiche diverse, sfruttandone i vantaggi.
 
Lo svantaggio? Una compatta digitale di costo medio non ha le prestazioni di una Reflex professionale (anche se esistono Evil molto costose che raggiungono alti livelli di qualità, dando anche la possibilità di scattare in RAW), e…. non c’è lo specchio interno… niente specchio, niente mirino ottico… tutto è digitale e questo per i veri amanti della fotografia può essere un grande svantaggio.
 
Senza considerare la sensazione che da l’utilizzo di una macchina Reflex digitale, in tutto il suo volume, in tutto il suo peso e in tutta la sua meccanica (quella che è rimasta)… insostituibile.
 
Allora cosa ne pensate?
 
Torno al mio dubbio amletico: Compatte digitali con obiettivo intercambiabile o Reflex?
 
Qui i pareri sono discordanti… beh, direi che sarebbe stimolante averle entrambe… … sempre in considerazione del risultato che vogliamo ottenere…
 
Una cosa però è certa: un ottimo scatto non dipende dallo strumento che utilizziamo, ma dall’abilità di saper vedere. … quindi stiamo tranquilli, Reflex o non Reflex… la responsabilità dello scatto sarà tutta nostra…
 
Enjoy your snaps!!!

 
Simona Giglioli
 
 

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Lo abbiamo ripetuto in continuazione durante il workshop “Shoot 2 Thrill”, ma questa sera, mentre sono qui che aspetto che la zuppa di pesce alla Islandese finisca di cuocere, è difficile astenersi dal pensare agli stupendi scenari vissuti, esplorati e fotografati alcuni mesi fa.

Il profumo della zuppa di pesce mi fa tornare alla memoria Ísafjörður con quel suo fantastico ristorante e, per non so quale cortocircuito mentale, anche la Jökulsárlón Iceberg Lagoon…

Se è vero che non serve un bel soggetto per fare una bella foto, un bel soggetto può rendere una bella foto uno scatto straordinario.

Il lavoro del fotografo, amatore o professionista che sia, è un lavoro di ricerca.

Una continua ricerca del soggetto e delle condizioni perfette per produrre quegli scatti eccezionali che resteranno nel suo portfolio e nella sua memoria per sempre.

È proprio questa ricerca che ci porta a trascorrere ore nel nostro studio, a passeggiare per le nostre strade o avventurarci sulle nostre montagne per catturare quel momento e immortalare, carpire, fermare… quella visione un po’ evanescente.

Ma poi arriva sempre la fase in cui quello che abbiamo intorno non ci basta più. Vogliamo poter vedere qualcosa di nuovo. Qualcosa di diverso, magari qualcosa di lontano, irraggiungibile, esotico, affascinante… Qualcosa di nuovo e inconsueto che accenda quella lampadina dietro la nostra nuca: quella che fa fare il “click” eccezionale.

Le immagini più affascinanti e famose sono una chiara manifestazione della potenza espressiva della Visione del fotografo.
Sono vere e proprie Visioni salvate per sempre all’interno della cornice dello scatto.
Sono esperienze emozionali che vengono fissate per sempre e diventano storia.
Sono il risultato dell’intento passionale del fotografo e del suo impegno nei confronti del mondo.

Ed è per questo che la nostra passione a volte ci spinge a percorrere migliaia di chilometri per entrate in contatto intimo con un mondo che non appartiene alla nostra quotidianità.
Raggiungere paesi nei quali ricercare una visione e un’esperienza completamente nuova ed affascinante, per avere delle opportunità che semplicemente non sono accessibili nella nostra realtà.

A volte è sufficiente avere l’occasione di passeggiare poche ore per le strade di una città lontana come San Pietroburgo, per riuscire a fermare un momento magico caratterizzato da una poesia tanto inaspettata quanto toccante.

Le immagini che mi scorrono in testa e davanti agli occhi sono tante. Vorrei raccontare la mia Visione per le strade di Hong Kong, o tramite i volti di uomini e donne di Kathmandu che hanno milioni di storie da raccontare. Penso anche ai contrasti cromatici di L’Avana, ai “big-five” in Botswana, e anche alle sensazioni evocative del Taj Mahal, ai gorilla del Rwanda, o alle prospettive surreali fatte dai grattacieli delle megalopoli moderne o agli orsi dell’Alaska.

Io come fotografo voglio tutto questo. Voglio poter trasmettere la mia Visione anche in questi ambienti. Voglio poter raccontare la mia storia in posti come questi… posti che, a volte, si ha la possibilità di abbracciare con lo sguardo una sola volta nella vita.

E allora si corre a riempire la borsa dell’attrezzatura fotografica, si riempie lo zaino o la valigia assecondando l’istinto di partire e seguire la passione.

Ma non è sempre così facile…

A volte un viaggio fotografico diventa un incubo da dimenticare. Altre volte, perché non abbiamo il tempo di entrare in contatto a sufficienza con questi nuovi ambienti, ne catturiamo una sola parte… magari la meno significativa.
Qualcuno semplicemente rinuncia al sogno per la paura o per l’insicurezza di tutto ciò che è sconosciuto.

Le difficoltà ci costringono ad ammirare solo le immagini di altri fotografi, pubblicate sulle pagine di Flickr, di qualche rivista o in qalche libro di fotografia.

Ma il team di Fotografia Professionale non si fa certo fermare così facilmente!

Vogliamo avere e vogliamo dare l’opportunità di poter vivere delle esperienze fotografiche uniche.

In totale semplicità, con soluzioni chiavi in mano.

In totale sicurezza, affiancati da esperti di viaggio e corrispondenti locali.

Al prezzo migliore, attraverso degli accordi con tour operator e a viaggi di gruppo per l’ottimizzazione delle spese.

Ci abbiamo lavorato a lungo ed oggi l’abbiamo fatto!

Proprio non riuscivo più a tenere il segreto…

Abbiamo stretto una accordo con un partner esclusivo.
Un partner specializzato nell’organizzare viaggi nelle location fotografiche più esclusive.

Lui ci mette tutto quello che serve per un viaggio incredibile, noi tutto quello che serve per farlo diventare un’esperienza con la quale rappresentare la nostra Visione alla ricerca di scatti straordinari.

Lui ci farà arrivare nel posto giusto, ci farà rimanere e ci farà tornare a casa nel modo giusto.

Noi faremo in modo che tu lo faccia con un hard disk pieno di scatti che potrai mettere nel tuo portfolio, vendere o semplicemente ammirare per il resto della tua vita!

Ai Video Corsi e ai Workshop (che quest’anno vedranno un calendario triplicato per date e tipologie di corsi) nel 2012 si affiancheranno Viaggi Fotografici eccezionali… io sono mesi che sogno e non vedo l’ora che questi sogni diventino realtà!

Tra qualche settimana lanceremo tutte le novità, ma soprattutto una vera e propria bomba. Un’esperienza fotografica fantastica.

Sei pronto?

Rimani “sintonizzato” e intanto… buone foto!

Simone

P.S.: Adesso vado… la zuppa di pesce all’Islandese è pronta!!!

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Vi avevo annunciato grandi progetti e grandi novità per il 2012 di FotografiaProfessionale, grandi novità per tutti i fotografi e i ritoccatori, per tutti gli appassionati di fotografia e post-produzione.

E così sarà, nelle prossime settimane avremo un nuovo sito, con nuove funzioni e la possibilità di accedere molto più facilmente a tutti i tutorial, le notizie, le interviste con i grandi fotografi, i corsi e i workshop. Un nuovo sito, una nuova grafica, nuovi corsi e nuovi collaboratori. Un marchio restilizzato e tantissime altre novità che non voglio svelarvi ora!

Ma oggi voglio presentarvi la prima grande novità: si chiama Professional Photography & Post-Production, per gli amici PP&P, ed è la nuova e-zine di FotografiaProfessionale!

PP&P sarà uno strumento molto utile per tutti i fotografi professionisti e gli appasionati, infatti vi aiuterà a rimanere aggiornati su tutte le news del mondo della fotografia e del ritocco: sia che il vostro strumento di lavoro sia la vostra Nikon, la vostra Canon (o la vostra Hasselblad o Pentax o quello che volete…) o Photoshop.

Professional Photography & Post-Production conterrà gli articoli più interessanti usciti sul blog, l’agenda con tutti gli appuntamenti, le interviste, le recensioni di macchine fotografiche, ottiche e accessori, i consigli tecnici dei nostri trainer e tanto altro.

Per chi è già iscritto a FotografiaProfessionale la e-zine sarà assolutamente gratuita e la riceverete gratuitamente nella vostra casella di posta ogni mese!

PP&P sarà il nostro modo di tenerci in contatto e di aggiornarvi costantemente, ma non è che la prima novità di un 2012 pieno di sorprese!

Tenetevi in contatto e, se non lo avete già fatto, iscrivetevi e Extreme Photoshop, sono rimasti gli ultimissimi posti disponibili.

Ciao e buon lavoro.

Simone Poletti

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Domenica scorsa sono riuscito a ritagliarmi un piccolo spazio da dedicare a qualcosa che da lungo non riuscivo fare: scattare per il solo piacere di produrre immagini che soddisfino il mio gusto senza nessuna richiesta da parte di un Cliente.

In realtà la sessione di scatti era stata organizzata per creare alcune immagini, utilizzando flash a slitta, da usare come esempi nella giornata introduttiva del mio Workshop “Flash My Life”, che si terrà ormai tra meno di 20 giorni.

Dopo vari scatti, realizzati a scopo puramente didattico, che mi aiuteranno a introdurre alcuni concetti legati all’uso del flash però… non ho proprio resistito! Perché non realizzare uno scatto per il solo piacere di giocare un po’ con la luce? Perché non concedere a me stesso, di godere di quello spirito che vorrei fosse trainante durante il workshop e che rende, a mio parere, la fotografia con il flash così interessante?

Quello che amo del flash è che usandolo nel modo giusto permette di ricreare l’atmosfera voluta indipendentemente dalle condizioni ambientali. Quello che amo ancora maggiormente è che, usando i flash a slitta, questa possibilità diventa ancora più ampia e ci viene concessa la possibilità di creare l’atmosfera che vogliamo, quando vogliamo e, soprattutto, dove più lo riteniamo opportuno.

Allora? Come trasformare un banale piazzale asfaltato di uno scalo merci, durante un assolato pomeriggio di fine ottobre, in… Qualcosa di diverso? Qualcosa di particolare e più interessante?

La foto che vedi è stata realizzata proprio nelle condizioni che ho appena descritto, con un setup luci molto semplice… Tutto in pochi minuti!

Due flash a slitta, un paio di modificatori di luce, la modella e… Un pallet di piastrelle, in attesa di essere spedite, per “alzare il punto di vista”. Puoi vedere il punto dove è stato realizzato lo scatto nella foto qui a lato.

Tornato a casa, affidato il RAW alle sapienti mani di Simone Poletti per lo sviluppo e la finalizzazione del fotoritocco, mi sono ritrovato a osservare uno scatto, nato da pochi minuti di lavoro, ma carico di una forza che la sola luce ambientale di quel pomeriggio non sarebbe stata in grado di produrre.

Oh, quanto amo i flash a slitta! Sono sempre con me e possono trasformare un pomeriggio insipido in uno scatto veramente interessante!

Nonostante questo fosse l’unico scatto di quel pomeriggio realizzato semplicemente per realizzare il mio bisogno edonistico di creare qualcosa per il solo piacere di farlo… Penso proprio che diventerà parte del manuale del Workshop “Flash My Life”, visto che ne incarna appieno lo spirito!

Economici flash a slitta, semplicità, rapidità di esecuzione, un tocco di postproduzione per ottenere “scatti d’impatto” alla portata di chiunque!

Se l’argomento ti interessa e ancora non ti sei iscritto… Fallo subito! Ci vediamo a “Flash My Life”!

Ciao e buone foto

Simone Conti

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Nelle precedenti due (Parte 1 & Parte 2) puntate abbiamo affrontato il paesaggio da un punto di vista per lo più tecnico. In questa pillola (ultima del ciclo dedicato al paesaggio) vorrei soffermarmi sulla composizione e darti qualche piccolo suggerimento su come enfatizzare uno scatto per evitare che risulti banale.

Il “3″ è un numero molto importante sia in natura che in fotografia. La cosiddetta “regola dei terzi”, il fatto che spesso una foto risulti più interessante se comprende 3 soggetti umani (la cosa funziona anche con gli oggetti) piuttosto che 2 o 4… pensa che dal mio viaggio in Islanda ho scoperto che le pecore in quel paese si spostano solo ed esclusivamente a gruppi di 3! Una linea guida compositiva che credo sia sempre da tenere a mente, qualunque sia il soggetto del paesaggio che ti appresti a fotografare, è individuare nel frame 3 importanti porzioni: il primo piano, lo sfondo e… tutto quello compreso tra loro.

Se, ad esempio, ti stai apprestando a scattare un paesaggio marino o lacustre, prenditi qualche momento per osservare attentamente, nel mirino della tua macchina, quello che vedi e come inquadrare correttamente il panorama per renderlo interessante e distinguerlo dalla banalissima foto che ogni amatore potrebbe scattare durante una gita al mare.

In ogni paesaggio marino, lacustre o che abbia come elemento l’acqua, c’è una riva, l’acqua e il cielo.

Posizionare “correttamente” questi 3 elementi, ti aiuterà a “raccontare la tua storia” piuttosto che semplicemente portare a casa un’istantanea.

Come credo ricorderai dalla prima “pillola” dedicata al paesaggio l’ora in cui scatterai probabilmente condizionerà e modificherà la tua “storia”: se il tuo scatto include acqua (che sia mare, lago, baia o pozza) ricordati che se vuoi ottenere un effetto “specchiato” dell’acqua, probabilmente dovrai scattare all’alba poiché in quel momento del giorno sarà più probabile che la superficie dell’acqua sia perfettamente liscia e il vento pressoché assente. Anche la bruma “si alza presto”, quindi se anche questo elemento è presente nel tuo scatto (magari una scena delle colline Toscane) ricordati di puntare la sveglia!

Definiti i 3 componenti principali dello scatto, secondo le linee guida che abbiamo appena visto, dovrai tenere presente un altro importantissimo elemento: la linea dell’orizzonte.

È sempre buona norma evitare di posizionare l’orizzonte esattamente alla metà del fotogramma: il risultato sarebbe decisamente banale!!! L’orizzonte alla centro del fotogramma conferisce identica importanza al cielo e al primo piano evitando di valorizzare entrambi.

Quindi, per decidere dove posizionare la linea dell’orizzonte, dovrai chiederti cosa vuoi enfatizzare: il cielo o il primo piano?

Ricorda che al tramonto o all’alba, le nuvole – non parlo di un cielo grigio piatto, ovviamente – regalano gradazioni cromatiche incredibili; utilizzale per trasformare scatti ordinari in qualcosa di straordinariamente emozionante! Se ti si presenta davanti agli occhi un cielo magnifico con ammassi nuvolosi davvero interessanti va da se che il focus da preferire è quello! Ti consiglio quindi di posizionare la linea dell’orizzonte in corrispondenza del terzo inferiore del fotogramma o comunque un poco al di sotto della linea mediana del fotogramma.

Se invece è il primo piano a meritare l’attenzione, dovrai posizionare la linea dell’orizzonte in corrispondenza del terzo superiore del fotogramma o almeno un poco al di sopra della metà dell’inquadratura. Ricorda che anche piccoli spostamenti della linea dell’orizzonte permettono di spostare in modo deciso il focus di chi guarderà i tuoi scatti!

Scegliere “il centro di interesse” di uno scatto è fondamentale: se osservando la tua foto, alla domanda “cosa volevo scattare?” dovessi impiegare più di 10 secondi a rispondere, hai decisamente “mancato” il focus. Quindi, quando componi la tua foto, chiediti sempre “cosa voglio fotografare?”, “cosa voglio comunicare?”

Dopo che avrai dato risposta a questa domanda, concentrati sulla composizione e su come portare il focus, il “centro d’attrazione” della foto, in direzione di ciò che è il vero “centro di interesse”. Se poi riuscirai a farli combaciare la tua foto “parlerà”, racconterà la sua storia in piena autonomia!

Ricorda di sistemare il punto di messa a fuoco della tua macchina: di default è posizionato al centro, quindi se lo hai spostato per uno scatto fatto precedentemente, ricordati che per scattare un panorama, è consigliabile posizionarlo nuovamente al centro in modo da avere un range di messa a fuoco più ampio. Un altro accorgimento importante riguarda la scelta del diaframma da utilizzare per lo scatto: se puoi una il diaframma più chiuso che hai a disposizione (diciamo f/22, ma comunque non scendere sotto f/10) questo ti permetterà di avere la maggior parte del paesaggio perfettamente a fuoco.

Qualunque cosa tu stia fotografando, laghi, montagne, scogliere o landscape urbani, istintivamente ti sentirai portato ad inquadrare il soggetto dal punto di vista da cui lo si vede abitualmente. Prova ad “andare oltre” e osservare il soggetto da un punto di vista “inusuale”: chi guarderà la tua foto, magari di un paesaggio che ha già visto tante volte, troverà la vostra “prospettiva” decisamente interessante.

Resta sempre valida una buona pratica che ti permette di esercitare il tuo occhio alla composizione: gli scatti di fotografi paesaggisti famosi possono insegnare tanto sulla composizione. Osservali e chiediti perché il tuo occhio li trova così “attraenti”. Ti accorgerai che la composizione è impeccabile, e segue poche ma fondamentali regole: il posizionamento dell’orizzonte, degli oggetti sui terzi e la perfetta gestione della luce. Ieri mattina ho avuto l’occasione di poter osservare dal vivo circa 70 stampe originali di Ansel Adams ed è stata un’esperienza fantastica. Ho visto scene banali trasformate in paesaggio mozzafiato e tante immagini in bianco e nero che sembravano quasi prendere vita. Secondo un caro amico, che era con me, certe immagini in bianco e nero erano talmente evocative da sembrare a colori!

Ieri ho anche avuto una conferma! Diffida da chi ti dice che scattare un panorama non vuole dire necessariamente scattare in orizzontale. La composizione si può sviluppare anche verticalmente… e con quali risultati!!! Provare per credere!

Cosa dire poi della “dimensione”? Le dimensioni contano!

Quante volte hai scattato una foto ad un enorme albero, o ad una formazione rocciosa che ti sovrastava, cercando di trasmettere quella stessa magnitudine e hai scoperto poi, guardando la foto, che il senso delle dimensioni si era perso?

Per ovviare a questa perdita e alla naturale e imprescindibile bidimensionalità della fotografia, cerca di fare uso di riferimenti: aggiungi al tuo scatto una persona, o qualsiasi altro soggetto che possa immediatamente dare il senso delle proporzioni.

Ciao e… buone foto!

Simone Conti

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Ciao,
spesso si discute in merito al lavoro di postproduzione. Quanto dedichi allo sviluppo e al ritocco delle immagini?

Un buon fotografo è in grado di valutare il tempo che deve dedicare ad ogni immagine, cercando di ottenere un buon risultato, il più rapidamente possibile. Ogni fotografo per essere competitivo sul mercato deve essere in grado di postprodurre le sue immagini, di farlo bene e di farlo velocemente. Si… perchè il cliente non va fatto aspettare e perchè quel lavoro di correzione, che ti occupa tanto, spesso è sottovalutato o non remunerato in giusta misura. Quindi più tempo impieghi… meno guadagni… eh già… sembrerà banale ma il tempo è denaro. Non credi? Sia che si tratti di sviluppo digitale che di postproduzione, l’importante è ottimizzare le risorse. Riuscire a lavorare poche ore su di un immagine permette di poter intervenire su altre… o… di avere più tempo libero per noi.
E quello che fa più innervosire quando le ore sono poche, è che spesso i passaggi che dobbiamo fare su ogni foto sono sempre gli stessi e magari le foto sono davvero tante… come fare?

Esiste un modo per andare più veloci? È una questione di organizzazione personale o ci sono semplici soluzioni che ci vengono in aiuto?

Beh mi sa che te ne parlo la prossima volta… ti ho rubato già fin troppo tempo.

Ciao, Simona.

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Non so se te ne sei accorto, magari ti è arrivata la mia email dove proclamavo che “l’abbiamo fatta veramente grossa!!!”. Probabilmente hai visto la testata del sito cambiare e il nuovo banner apparire qui alla destra di questo articolo. Credo quindi che ti sia accorto che ieri ho presentato il mio nuovo workshop “Flash My Life”, che si rivolge a tutti coloro che vogliono imparare a utilizzare i flash a slitta (quelli che gli anglosassoni chiamano hot shoe flash) per ottenere grandi luci anche da questi “piccoli accessori” che spesso rimangono relegati inutilizzati sul fondo delle borse di tanti. Se non sai di cosa stia parlando prova a dare un’occhiata alla pagina dedicata a “Flash My Life”.

Quando ho scritto l’email di presentazione sapevo che probabilmente avrei scatenato risposte tra le più variegate… e così è stato!

L’email ha portato a iscrizioni al workshop, critiche, suggerimenti e complimenti. Con questo articolo vorrei prendermi lo spazio per rispondere brevemente più o meno tutti e ringraziare tutti.

C’è chi mi scrive “[...] Simone, mi trovi perfettamente d’accordo. Ad ogni foto la sua luce. Nella mia famiglia siamo fotografi da tre generazioni [...] la mia passione è la fotografia di strada e il reportage in cui il flash a volte mi è di aiuto [...]”. Questo supporta e conferma una delle tesi fondanti che sono alla base della genesi di “Flash My Life”: l’uso del flash è fondamentale in fotografia e il flash a slitta è uno strumento prezioso in situazioni come la street photography, il reportage e perché no anche nel settore della wedding photography dove rapidità, praticità e portabilità sono fondamentali.

C’è anche chi non è proprio d’accordo e scrive “[...] le foto più belle in assoluto le ho fatte con il mio grande soft box 3 x 9. Una grande finestra esposta a nord attraverso la quale, il pomeriggio entra una luce dolcissima e diffusa. Perfetta per magnifici ritratti! In natura esistono tutti i tipi di luce che vorremmo ottenere in studio, solo che non lo sappiamo. Vuoi inseganre qualcosa? Bhe, dici questo allora! [...]”. Assolutamente vero, una finestratura di 27mq produce sicuramente una luce morbidissima e meravigliosa per dei ritratti, però quelle condizioni sussistono solo per alcune ore del giorno. Credo che dipendere dalle stagioni e dal sole, dal trovarsi in un certo posto e in un breve e definito intervallo della giornata siano, fuori da ogni dubbio, dei grossi limiti. Il mio obiettivo è dare, a chi vorrà partecipare al workshop del 19 e 20 Novembre prossimi, gli strumenti più economici e pratici per poter avere al proprio servizio la stessa qualità di luce tutti i giorni, tutto l’anno, a tutte le ore. Spesso (quasi sempre) si è limitati da tempi o luoghi dettati dal Cliente e dalle necessità di produzione. È importante avere gli strumenti per saper affrontare ogni condizione come, ad esempio, sapere come produrre una fantastica luce morbida e soffusa per un ritratto con l’ausilio solo di flash a slitta!

Ho ricevuto anche email con dei consigli. Un bravo fotografo mi ha scritto: “Posso darti un consiglio? Sostituisci le foto di esempio con altre più ruffiane. Non per farmi i cavoli tuoi ma proprio come consiglio sincero. [...] non credo che quelle 3 foto possano convincere molte persone a partecipare.” Forse è vero… potevamo scegliere immagini più “ruffiane”, meno “vere”, ma lo scopo del workshop è proprio quello di dimostrare come, con una semplice attrezzatura alla portata di tutti si possano ottenere immagini di livello assolutamente professionale che nulla hanno da invidiare a quelle, ad esempio, di un catalogo di moda.

Questa immagine è stata pubblicata in un catalogo di moda di un’azienda che distribuisce i suoi prodotti in tutto il mondo ed è rappresentate nelle principali fiere mondiali a Milano, New York, Berlino, Tokyo, ecc.

Questa immagine è stata scattata in location con l’ausilio di flash a slitta in condizioni dove l’uso di attrezzature di altro tipo avrebbe fatto levitare in maniera consistente i costi della produzione. Quest’immagine è stata scattata all’interno di una cantina abbandonata (fatiscente e diroccata) dove non era possibile avere accesso a corrente elettrica. Spostare oggetti ingombranti e pesanti come un gruppo elettrogeno per alimentare flash da studio o peggio degli Arri sarebbe stato pazzesco tra le macerie e alcuni “passaggi difficili” che abbiamo dovuto affrontare.

Magari ti starai chiedendo: “Ma quindi, visto che sono stati utilizzati solo dei flash a slitta… chissà quale post produzione avrete dovuto fare su questo scatto!”. Ecco la foto originale. Un Jpeg ricavato direttamente dal RAW… così come è uscito dalla macchina! La postproduzione è stata conservativa, per mantenere il capo inalterato e conservare il gusto e il “mood” del catalogo dove era stata inserita.

Avremmo potuto esagerare un po’ di più. Avremmo potuto dare una “spintarella” alle luci. Avremmo potuto rifarle la bocca. Avremmo potuto ritoccare l’ovale del viso. Ci sarebbe stato spazio per dare maggiore contrasto alle luci e ancora più forza ai toni. Questo si può fare solo se l’immagine fornisce una buona base ed è questo su cui di fonderà “Flash My Life”. Sarà un’occasione per gettare le basi sul mondo dell’illuminazione creativa con i flash a slitta.

Avremmo potuto ritoccare ancora di più quest’immagine, ma non l’abbiamo fatto.

Il budget era ridotto all’osso, non c’era margine per ritocchi più spinti soprattutto considerando la quantità dei look della collezione. Comunque già con interventi minimi la foto era più che degna per un catalogo moda. Come sarebbe potuta diventare? Se avessimo voluto giocare un po’ di più con Photoshop e “spingere” maggiormente la postproduzione ecco come avrebbe potuto essere in versione “ruffiana”!

Vorrei spendere due parole e tranquillizzare tutti sulla qualità dei workshop di FotografiProfessionale. Cosa c’entra la qualità in tutto questo? Nel vaoro di tutti i giorni la qualità è sempre oggetto di indagine. A maggior ragione deve esserlo quando si sceglie se partecipare a un workshop o a un evento . Un sistema che ritengo essere abbastanza efficace per definire la qualità di un seminario, di un workshop o di un evento è guardare quanta strada sono disposte a fare le persone per poter partecipare. Per quanto riguarda noi, fino al precedente workshop di FotografiaProfessionale il record era stato di 800Km (Mazzara del Vallo). Questa volta scorrendo la lista iscritti vedo che abbiamo un partecipante che ha deciso di percorrere 750Km (Bari)… ma non è tutto!

Abbiamo veramente stabilito un nuovo record sulla “Scala Kilometrica”… ci sarà qualcuno che percorrerà 1.700Km (Madrid).

Cosa ne dici?

Un sincero grazie a tutti per i feedback che mi avete inviato! Sono felice che il solo “lancio” di questo workshop abbia scatenato così tanto clamore!

Ciao e buone foto a tutti

Simone Conti

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Nella scorsa pillola, ti ho dato alcuni suggerimenti sul timing ideale per scattare i panorami. Oggi vorrei parlare un po’ dell’attrezzatura.

La “Golden Hour” aiuta a dare enfasi allo scatto, ma non è un obbligo: puoi decidere di scattare il tuo panorama in qualsiasi ora del giorno e della notte. Credo però sia indispensabile avere sempre con sé il giusto “necessaire” per poter scattare in qualsiasi condizione di luce e qualsiasi tipo di panorama.
Vorrei quindi condividere con te il mio personale elenco dei “must have” per scattare panorami in “sicurezza”.

1- Corpo Macchina

Nonostante sia uno degli elementi fondamentali per la fotografia (senza macchina fotografica è piuttosto impegnativo fare fotografia! ), non mi ci soffermerò più di tanto. C’è chi consiglia di avere semplicemente un corpo macchina full frame. Io non sono così “assoluto” nel raccomandare che corpo macchina usare. Penso che il migliore corpo macchina che si può avere è quello che si è abituati ad usare, quello con cui ci si trova in sintonia.

Oltre agli aspetti puramente pratici è bene considerare anche alcuni dettagli tecnici. Spesso nei panorami si tende a scattare con tempi di posa piuttosto lunghi. Considerando questo aspetto sarebbe bene munirsi di un corpo macchina con un sensore poco “rumoroso” visto che il rumore digitale tende ad aumentare all’aumentare dei tempi di posa (soprattutto se si superano i 20/30 secondi). Le macchina full frame hanno tendenzialmente sensori di qualità migliore rispetto alle APS-C e a tutte le altre con sensori più piccoli. Sicuramente credo non sia consigliabile usare delle “compatte” per realizzare foto di paesaggio di qualità. Scatta sempre in RAW e scegli la macchina con il sensore più grande puoi.

2- Il Treppiede

Il treppiede (o cavalletto se preferisci) è essenziale, quasi quanto la macchina fotografica e dovrai portarlo sempre con te per vari motivi.

• Se hai deciso di scattare in condizioni di luce scarsa, il motivo è abbastanza evidente: per quanto ferma possa essere la tua mano, avere un supporto ti risparmierà di scoprire, osservando gli scatti sul computer una volta tornato alla base, che le immagini sono mosse.
• Se vuoi ottenere effetti particolari, che implicano l’uso di lunghi tempi di esposizione, va da se che ti servirà il treppiede.
• Come fare a meno del treppiede per un “photo stitching” che si rispetti? (Magari su questo argomento torneremo in una prossima “Pillola”)

Prima di mettere in posa il tuo treppiede, ti suggerisco di ispezionare la location che hai scelto per individuare la location più adatta. Come già anticipato nella prima parte della pillola sul paesaggio, è buona norma scegliere la location giusta nei giorni precedenti a quello scelto per lo scatto, non solo per capire quale sia la luce migliore che valorizza la scena, ma anche per trovare l’inquadratura ideale.

Il cavalletto è importante sia stabile, solido, ben piazzato insomma. Per la foto di paesaggio la fermezza e stabilità del treppiede è fondamentale! La leggerezza e la portabilità passano in secondo piano, ma sicuramente se si ha la possibilità di scegliere uno strumento stabile e al contempo leggero… perché non farlo???

Ottimi treppiedi in fibra di carbonio sono venduti da varie marche. Io ho uno Slik PRO 724 CF, 4 segmenti con un diametro di 25mm. Trovo che sia un ottimo compromesso tra stabilità e trasportabilità. Altre ottime marche nei cataloghi delle quali cercare il tuo treppiede ideale sono sicuramente Gitzo e Manfrotto.

Per quanto riguarda la scelta della testa da utilizzare sul treppiede sentiti libero di utilizzare quella che preferisci. I puristi utilizzano quelle a 3 gradi di libertà. Personalmente preferisco usare una testa a sfera: è sicuramente meno precisa, ma decisamente più “rapida” da regolare. Con l’aiuto di una livella per me è perfetta!

3- La Livella

Uno strumento indispensabile per evitare il tanto odiato effetto dell’orizzonte “cadente”. È vero che sia con tutti gli sviluppatori RAW che con Photoshop e simili si può risolvere il problema in postproduzione, ma perché farlo se si può evitare? Alcune DSLR sono già dotate, all’interno del firmware della funzione noto con il note di “Orizzonte Virtuale”: sul display monitor LCD della macchina è possibilite verificare la disposizione della fotocamera rispetto all’orizzonte. Se questa ottima diavoleria tecnologica non fosse presente sulla tua macchina puoi affidarti alla cara buona vecchia bolla a slitta (piccole livelle in miniatura che si fissano sulla slitta del contatto caldo del flash).

La bolla ti permette di risolvere gli inconvenienti antiestetici nello scatto relativi a linee cadenti, orizzonti storti e correttezza della prospettiva. Il costo di questo piccolo accessorio è davvero irrisorio e vale la pena averne sempre una con sé.

4- Ottiche

Il paesaggio, a meno di tecniche compositive particolari o di specifiche scelte stilistiche, generalmente viene scattato con obiettivi grandangolari. Maggiore sarà l’angolo di campo che il tuo obiettivo consente di catturare, maggiore sarà la porzione di paesaggio che riuscirai a “raccontare”. Se con una macchina full frame già un 24mm può essere adatto, su macchine con sensore APS-C la scelta dovrà ricadere almeno su un 14mm o su un 16mm. Certo utilizzare un fantastico Canon EF 14mm f/2.8L USM su una full frame come la Canon EOS 5D MkII (per chi scatta con Nikon l’optimum sarebbe un AF Nikkor 14mm f2.8D ED accoppiato alla ottima Nikon D700) sarebbe ottimale. L’importante però, indipendentemente da marche o modelli, è avere una lente dotata di ottima incisione, contrasto cromatico eccellente e SOPRATTUTTO cerca di scegliere una lente con poca o nulla distorsione. Nel paesaggio, così come in architettura le linee di prospettiva sono spesso molto importanti.

5- Filtri

In ogni borsa del fotografo paesaggista credo debbano essere presenti almeno questi tre filtri: Polarizzatore Circolare, filtro ND (magari in più varianti ) e filtro GND.

Il filtro polarizzatore, come probabilmente saprai già, regala colori vividi e ricchi ed è uno dei filtri che considero essenziali per scattare un panorama di qualità. Aiuta a eliminare i fastidiosissimi riflessi prodotti dall’acqua dei corsi d’acqua e dalla foschia rendendo i cieli blu ancora più fortissimamente blu (se lo usi in alta montagna rende il cielo quasi “nero”).

Quando usi il filtro polarizzatore tieni a mente che funziona in maniera ottimale quando si trova ad un’angolazione di 90° rispetto al sole (se hai il sole dritto davanti a te, la sua funzionalità è decisamente ridotta). Ruotandola ghiera del filtro a destra o sinistra potrai modulare l’effetto di “rimozione dei riflessi” a tuo piacimento.

Ultima nota sul filtro polarizzatore, ma che vale in generale per ogni tipo di filtro: se non ne hai uno e decidi di acquistarlo, NON LESINARE! Il filtro, una volta applicato all’obiettivo, diventerà parte di esso e contribuirà al rendimento ottico della tua lente! La qualità del filtro incide sulla prestazione della tua lente, perciò è inutile acquistare obiettivi da migliaia di Euro per poi applicare davanti ad essi filtri di poco valore che sicuramente peggioreranno la resa ottica e cromatica dei tuoi scatti.

Il filtro ND, Neutral Density Filter (Filtro Neutro, per farla semplice) è un filtro opaco di colore grigio neutro uniforme e disponibile in diverse gradazioni a partire da ND2 sino ad ND16. Il numero indica il coefficiente che permette di stabilire la corretta esposizione rispetto a quella calcolata in assenza di filtro. Esistono tabelle che permettono di valutare quale filtro utilizzare oppure. se come me sei un fan Apple, puoi scaricare questa utile App per il tuo iPhone. In generale i filtri ND permettono di abbattere la quantità di luce in ingresso quando si voglia scattare con tempi lunghi o diaframma molto aperto per ottenere effetti particolari (es. acqua corrente bianca che sembra “schiuma”) senza risentire degli effetti, altrimenti inevitabili, della luce (sovraesposizione).

Il filtro GND, Graduated Neutral Density Filter (Filtro Neutro Graduato, o Filtro Digradante) somiglia al ND, da cui differisce per la distribuzione della porzione opaca che è limitata ad una parte del filtro. La restante parte del filtro è trasparente e sfuma gradualmente, appunto, verso la zona opaca. La zona opaca può essere grigia o colorata. L’utilizzo di questo tipo di filtro permette di mantenere un’esposizione uniforme negli scatti paesaggistici, evitando di bruciare il cielo ed avendo al contempo il soggetto che si trova fotografato davanti al cielo correttamente esposto. L’uso di filtri graduati colorati permette di accentuare i colori del tramonto o creare effetti particolari. Il filtro graduato colorato è un retaggio della fotografia a pellicola. Ora, una volta gestita l’esposizione con l’aiuto del filtro ND o GND, ci si può sbizzarrire sulle cromie in postproduzione.

6- Comando a distanza

Esistono sia via cavo che wireless. Si tratta di uno strumento essenziale che ti permetterà di scattare in tutta tranquillità quelle immagini che richiedono lunghi tempi di esposizione e che risentirebbero, inevitabilmente, di ogni piccolo movimento sul corpo macchina. A volte, anche la sola pressione sul pulsante di scatto, può compromettere la perfetta incisione di una lunga esposizione.

7- Batteria

Una batteria carica e un’altra, sempre perfettamente carica, di scorta: sempre meglio avere un back-up! Questa dovrebbe essere una costante, non solo per gli scatti panoramici! Trovarsi sprovvisti di batteria momento perfetto per scattare è davvero frustrante, soprattutto se ti trovi in location che non avrai più modo di visitare o se gli elementi del panorama sono disposti in maniera irripetibile… Spesso, soprattutto in inverno, la seconda batteria è bene conservarla al caldo (magari all’interno della giacca e non nella borsa) visto che le batterie sono molto sensibili alle temperature e il freddo le fa scaricare molto più rapidamente del normale.

8- Schede di Memoria

E se invece della batteria, ti trovassi a corto di memoria? Anche in questo caso avere qualche scheda in più, debitamente conservata nella sua custodia rigida, al riparo da polvere e umidità, e svuotata la sera prima, è un’ottima prassi.

9- iPad

Se dovessi trovarti impegnato in un tour per svariati giorni, magari senza la possibilità di scaricare le immagini su un computer ogni sera e con la necessità di “viaggiare leggero”, le schede di memoria potrebbero non essere sufficienti. I Pro che scattano per più di un giorno e non dispongono della possibilità di scaricare le schede e salvare le immagini su computer o HD, sono spesso muniti di Multimedia Storage Viewer. Si tratta di unità di archiviazione su cui è possibile scaricare direttamente il contenuto delle schede di memoria e visionare le immagini su un piccolo monitor LCD. Sono praticamente “involucri intelligenti” che contengono al loro interno hard disk di varia capienza. Ne esistono per ogni esigenza e per “ogni tasca”.

Una soluzione alternativa? Beh, visto che sai che sono un fan Apple non posso esimermi dal consigliarti un iPad dotato di Camera Connection Kit. Il tablet Apple non è sicuramente capiente come un dispositivo di storage basato su hard disk, ma essendo leggero e, per sua natura, “connesso”… potrai ad esempio utilizzare DropBox per salvare i tuoi scatti ogni sera durante il tuo viaggio e ritrovarli già sul tuo computer quando rientrerai a casa. DropBox si preoccuperà anche, in modo del tutto trasparente di fare AUTOMAGICAMENTE un backup delle tue foto. Come non amarlo???

Direi che per oggi mi sono dilungato anche troppo… ho iniziato pensando di scrivere una “pillola” e sono finito scrivendo un “pillolone”… quasi un eBook!

Nella prossima pillola vedremo assieme come comporre al meglio uno scatto panoramico, come gestire condizioni meteo a prima vista “difficili” e come ottenere effetti particolari nel tuoi scatti di paesaggio per renderli unici.

Ciao e buone foto

Simone Conti

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È quasi una settimana che ci penso ad intervalli più o meno regolari. Proprio non riesco a capire e il pensiero torna costantemente lì. Cerco di vedere le cose da un altro punto di vista. Trovo il modo di vedere la questione sotto un’altra luce… in fotografia spesso aiuta! Per quanto io mi sforzi… non riesco a capire…

Magari riuscirai a darmi una mano tu. Forse riuscirai a farmi vedere lati positivi e caratteristiche incredibili che svariati blogger americani e (fortunati?) fotografi che hanno avuto modo di provarla sono riusciti a celare così bene. Spero sinceramente di ricevere vari commenti a questo post, perché avere una visione corale di tanti punti di vista credo sia l’unico modo per capire se sono io ad avere un quadro distorto delle cose.

Magari Nikon deciderà di darmi la possibilità di provare questa macchina e cambiare l’idea che mi sono fatto ad oggi di questa macchina fotografica… della quale non riesco a capire l’esistenza. Non riesco proprio a capire come una casa costruttrice come Nikon, che produce forse i migliori corpi macchina reflex professionali degli ultimi anni, abbia potuto decidere di produrre una macchina fotografica come questa! Forse dovrei provarla… magari potendo verificare “sul campo” le incredibili (nel senso che non credo ci siano) capacità di questa macchina… allora potrei ricredermi e decidere di acquistarne una.

Una premessa credo sia doverosa. Scatto con digitali Canon. Ok, quindi questa è la solita invettiva Canon vs. Nikon di un fan sfegatato dell’una o dell’altra casa costruttrice?

NO!
Assolutamente, NO!

Scatto con Canon (ma non abbandonerò mai la mia Nikon a pellicola!) perché al momento di passare dalla pellicola al digitale ho dovuto fare una scelta. Avrei potuto continuare ad usare Nikon oppure sceglire quello che in quel momento era la migliore tecnologia in commercio. In quel momento i CMOS Canon erano nettamente superiori ai CCD Nikon… e ho saltato la barricata. Oggi i sensori Nikon (che poi vengono prodotti da Sony) sono, a mio personale giudizio, superiori ai sensori Canon. La Nikon D700 è una macchina eccezionale e produce immagini con una qualità superiore a quelle della Canon 5D MkII. Peccato non riesca ad eguagliare la risoluzione in megapixel della “cugina”. Se è meglio Nikon, perché non passo nuovamente a Nikon? Perché ormai il mio corredo di corpi macchina, lenti, flash e accessori annessi è molto più vasto di un tempo e cambiare sarebbe decisamente “doloroso” dal punto di vista meramente finanziario.

Se non sono disposto a cambiare il mio corredo di corpi macchine e ottiche è altrettanto vero che mi sto guardando attorno con sempre maggiore attenzione per trovare una macchina fotografica più “compatta” che però possa eguagliare la qualità di una reflex. Da vari mesi il mio amore è chiaro a tutti… l’ho dichiarato apertamente qui sul blog: credo che la Fuji FinePix X100 sia una macchina eccezionale! Non l’ho ancora acquistata solo perché aspettavo la risposta di Nikon e Canon. Se Canon ancora latita, Nikon sembra aver detto la sua, ma non solo non mi ha convinto… mi ha lasciato così perplesso e sbigottito che ancora non mi riesco a capacitare della scelta che ha fatto!

Ok, se sei arrivato fino a questo punto a leggere credo di averti incuriosito a sufficienza!
Magari l’immagine all’inizio del post ti ha dato una mano…
Cos’è che tanto mi turba nel pensare a un prodotto come le nuove Nikon J1 e V1?

Com’è possibile che avendo a disposizione dei sensori ECCEZIONALI, gli stessi che sono presenti in tutte le D300s, D700, D3s e nella fantastica D3x, Nikon scelga di entrare nel comparto delle cosiddette compatte EVIL con il più piccolo dei sensori??? Credo che ormai sia noto più o meno a tutti che la dimensione del sensore sia legata a doppio filo alla qualità degli scatti: più è ampia l’area del sensore, più luce lo colpirà, meno il segnale dovrà essere amplificato digitalmente, meno rumore digitale avremo nelle nostre foto!

Nikon, per rivaleggiare nel segmento dove la Fuji X100 (dotata di un sensore APS-C) sta spopolando, introduce una intera linea di fotocamere con un sensore grande la metà del più piccolo sensore del comparto??? Le Nikon serie 1 hanno un sensore con un’area sensibile circa 3 volte più piccola di un sensore APS-C e 2 volte più piccola di un minuscolo sensore Micro Four-Third!

MA, SONO MATTI???

Sperano di venderne di queste macchine fotografiche??? Ma a chi???

Ecco, forse in un mercato dominato dai cellulari e attento solo ai megapixel, forse, a dirla tutta, una speranza ce l’hanno. Ma chi fa della fotografia una professione e vuole una macchina dalle dimensioni modeste, ma dotata di qualità ottica e prestazioni (ad esempio ad alto ISO) paragonabili a quella di una reflex, perché mai dovrebbe guardare a Nikon? Giusto per mettere sul tavolo tutte le carte, se proprio non vogliamo guardare in direzione della Fuji X100 (lo so, continuo a parlarne… ma al cuor non si comanda!), perché non considerare l’ECCEZIONALE e nuovissima Sony NEX-7?

Aiutatemi a capire! Nikon, aiutami a capire!!! Hai deciso di immettere sul mercato una intera linea di fotocamere con annesse ottiche dedicate e scegli un sensore minuscolo?! No, proprio non capisco!

Aiutatemi a capire perché dovrei scegliere una Nikon V1 al posto di una Fuji FinePix X100, o di una Sony NEX-7 o magari anche di una macchina con sensore Micro Four-Third come la Panasonic GF3… io ancora non sono riuscito a trovare una ragione valida. L’unica discriminante che sono riuscito a individurare è il prezzo. Prova e conferma ulteriore che ancora una volta, in ambito fotografico, vale sempre la regola “più costa, meglio è”!

Questa non è una prova della nuova Nikon V1. Se Nikon vorrà darmene l’occasione la proverò volentieri e sarò felice di veder smentite le mie attuali convinzioni. Questo mio giudizio si basa solo sull’aver visto i risultati delle altre macchine citate e aver constatato che la dimensione del sensore conta in modo inequivocabile.

In conclusione se tu sai qualcosa che a me è sfuggito, spiegami perché Nikon possa aver messo in commercio una compatta con prestazioni da compatta e costo da reflex entry level, invece che una vera macchina fotografica mirrorless con prestazioni al pari di una reflex adatta all’uso dei fotoamatori evoluti, degli street photographers e dei professionisti in cerca di un’attrezzatura leggera?

Io non capisco… Nikon… MA PERCHÉ???

Simone Conti

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