Oggi vorrei presentavi un fotografo, amico di FotografiaProfessionale, decisamente speciale… speciale per due motivi:

Il primo: National Geographic Italia ha premiato con il secondo posto una delle sue foto, nell’ambito del concorso fotografico Nat Geo Italia, che ogni anno viene indetto dalla notissima testata. Quest’anno sono 14mila le foto pervenute, e Pasquale si è guadagnato con una delle sue fotografie il secondo posto nella categoria “Natura”, una delle quattro in cui è suddiviso il concorso.

Il secondo: le sue foto sono molto speciali… eh già, Pasquale, come buona norma per il fotografo paesaggista, fa davvero tanta fatica per scattare le sue foto e per farlo si avvale di attrezzatura appositamente dedicata.

Curiosi?

Facciamoci dire da Pasquale Vassallo, come e dove scatta le sue foto.

FP: Ciao Pasquale, benvenuto su FotografiaProfessionale. Da quanto tempo scatti, e qual’è la tua location preferita?

Pasquale: Ciao a tutti gli amici di FotografiaProfessionale.

Ho iniziato molto presto a scattare… sott’acqua… con una Nikonos III , per poi passare ad acquistare i primi  scafandri con varie macchine fotografiche (Nikon F 90,F100), fino ad arrivare ad oggi nell’era del digitale con la Canon 5d MarkII.

La stragrande maggioranza dei miei scatti sono effettuati nel mediterraneo e in particolare nel golfo di Napoli. La passione e la ricerca di organismi marini diversi mi ha portato a viaggiare tanto e a conoscere luoghi lontani (Indonesia, Malesia, Filippine, Papua, SudAfrica…).

Ma, in definitiva, posso affermare che non occorre spostarsi tanto o recarsi nei mari più splendidi della Terra per poter scorgere mondi meravigliosi.

FP: E la scelta di prediligere uno scatto così particolare, quando e com’è nata? Hai scattato, o scatti tutt’ora, anche fotografie con i “piedi per terra”, ovviamente, senza acqua sopra la testa ?

Pasquale: Sin da subito ho preferito lo scatto subacqueo.

Tutto è cominciato in Egitto, quando per diletto frequentai un corso d’immersione. La ricchezza che ho potuto scorgere in acqua era indescrivibile a parole. Le parole non erano mai abbastanza per descrivere ai miei amici le molteplici meraviglie che ti scorrono davanti agli occhi nei pochi minuti che sei giù… È per “condividere” che ho cominciato a fotografarle.

Oggi creare uno scatto fotografico diverso dagli altri, o che lasci almeno un ricordo nella mente di chi l’osserva, non è semplice… anche nella fotografia subacquea. Non è più sufficiente cercare l’organismo raro. Oggi fotografare in acqua è come fotografare in esterno: bisogna “inventarsi” lo scatto, insomma… creare la novità…

Anche un semplice scorfano visto da una prospettiva diversa, cambia totalmente effetto.

Sembrerà strano, ma difficilmente scatto foto “a terra”; le mie energie le concentro soprattutto nella fotografia subacquea.

FP: L’universo della fotografia subacquea è ai più davvero sconosciuto: ci puoi indicare il nome di qualche fotografo che ha influenzato il tuo stile o che semplicemente ritieni una fonte di ispirazione?

Pasquale: Probabilmente perché prima di iniziare a scattare foto in acqua, bisogna essere dei discreti subacquei o almeno cercare di avere un assetto quanto più neutro possibile… questo aiuta tanto quanto ci si avvicina  ad organismi alquanto sospettosi… Questa passione con gli anni mi ha portato a documentare sia fotograficamente l’ambiente marino, oltre che ad approfondire gli studi(Laurea in Biologia delle Produzioni Marine).

Poi, apprezzo particolarmente Laurent Ballesta, Tony Wu e Michael Aw sono fotografi. Anche se preferisco realtà più vicine alla mia per confrontarmi, come gli amici Guido Villani, Mimmo Roscigno ed Enzo Troisi. Mi piace molto confrontarmi con amici/colleghi fotosub, per me sono fonte di creatività e ulteriore conoscenza.

FP: A differenza del fotografo paesaggista “normale”, che pur sempre deve essere pronto ad affrontare camminate, sveglie all’alba, freddo e caldo, scattare sott’acqua quali limiti impone? Cambiare una batteria sott’acqua non è certo un problema banale: come ti organizzi per uno shooting?

Pasquale: Ovviamente, l’ organizzazione per la fotografia subacquea è totalmente diversa rispetto a quella terrestre.

I limiti sono imposti soprattutto dall’elemento acqua che condiziona la riuscita o meno di una buona foto, vedi sospensione e correnti. Un elemento fondamentale è la quantità d’aria disponibile, a questo si aggiungono le varie difficoltà per chi scatta in manuale.

E se proprio dovesse esaurirsi la batteria, conta poco la sveglia all’alba e l’immersione in acqua freddissima, l’unica è risalire e andare a casa…

FP: Scattare sott’acqua è tecnicamente molto differente dallo scattare “in aria”? La gestione della luce? Che apparecchiatura fotografica usi? Quale macchina fotografica usi? Scatti in RAW? Sbagliare, sotto metri di acqua, può essere fatidico per il sommozzatore/fotografo, come per la macchina fotografica. Quali regole non devi mai dimenticare?

Pasquale. La mia macchina fotografica è Canon 5d MarkII, scafandrata in una custodia dedicata seacam. Scatto esclusivamente in RAW, che permette una post-produzione totale.

La prima regola in assoluto: chiudere bene lo scafandro e le varie connessioni dei flash, massima carica delle batterie dei flash… e dopo esserti assicurato di avere assemblato tutto bene, ti immergi e ti accorgi di non aver tolto il copri obiettivo.

FP: Nessun margine d’errore, insomma!!!

Nella scelta della location, prediligi l’istinto o ami programmare? Ci sono orari in cui preferibilmente scatti?

Pasquale: Di solito preferisco (conoscendo il luogo dell’immersione) programmare prima il tuffo, allo stesso tempo spero sempre nell’incontro inaspettato, e qui entra in gioco l’istinto.

FP: I soggetti, spesso in movimento (come ogni animale che si rispetti), possono essere difficili da scovare e alcuni anche pericolosi. Come ti destreggi in questo ambiente? Ci sono regole comportamentali da non scordare?

Pasquale: In acqua come in terra fotografare soggetti, in questo caso marini, non è mai semplice. È fondamentale sapersi porre davanti agli organismi rispettandoli (l’intruso sono io!), cercando di non spaventarli, ma tutto ciò si acquista con anni di esperienza e tuffi innumerevoli!!!

FP: Ci sono soggetti che preferisci, posti in cui vai spesso perché trovi quello che vuoi?

Pasquale: Amo la foto ambiente in quanto lascia spazio alla mia creatività, ma questo non mi condiziona nella scelta della location… Come ho già detto ogni mare, sia tropicale che non, offre opportunità di scatto diverse.

FP: Quali sono le indicazioni fondamentali che ti sentiresti di dare a chi decide di approciare una fotografia tanto spettacolare quanto tecnicamente impegnativa?

Pasquale: Di fondo ci devono essere l’amore e il rispetto per il mare… E l’unico consiglio che mi sento di dare è quello di scattare scattare scattare…

FP: Parliamo della foto che ti è valsa il secondo posto nella categoria “Natura” dell’edizione 2011 di Nat Geo Italia: ci vuoi raccontare i retroscena dello scatto?

Pasquale: Questa foto la sento particolarmente mia in quanto rappresenta la mia città. Lo scatto è stato realizzato grazie ad una lunga programmazione. Dopo giorni di attesa ,insieme all’amico Mario, finalmente quell giorno la mattina abbiamo visto la cima del Vesuvio imbiancata, il cielo e l’acqua limpidi e, nonostante il freddo, abbiamo capito che era il momento giusto. Arrivati sul posto dopo vari scatti dentro/fuori dal golfo, veniamo premiati dall’arrivo di un polpo il quale a sua insaputa diventa il soggetto primario della foto “Uno sguardo sul golfo”.

FP: Domanda d’obbligo, sai che FotografiaProfessionale si occupa di fotografia e di post-produzione, che rapporto hai con il fotoritocco? Cosa pensi della post-produzione, e che uso ne fai?

Pasquale: Si, certo. Conosco FotografiaProfessionale: ho avuto il piacere di conoscervi per un vostro corso su Lightroom e, sinceramente, grazie a voi, sono riuscito a capirci qualcosa… Come tanti fotografi che per anni hanno scattato con la pellicola, si è inizialmente un po’ scettici… ma poi conoscendo le capacità della fotografia digitale e tutte le potenzialità della post-produzione, le cose cambiano: oggi il digitale ti permette davvero tanto. Bisogna solo rispettare le regole e non alterare mai la realtà.

FP: Anche per te, la domanda fatidica: sei in partenza per un viaggio e puoi portare con te solo un’ottica… che obbiettivo scegli, e perché?

Pasquale: Può sembrare strano, ma nel mondo della foto sub i viaggi sono solitamente “tematici”: ad esempio, magari parti per l’Indonesia e sai che la trasparenza dell’acqua non ti permette di lavorare con obbiettivi per foto ambiente e che devi concentrare i tuoi scatti solo con obbiettivi per foto macro… oppure fai un viaggio in una location dove la trasparenza dell’acqua è eccezionale: allora lavori con obbiettivi grandangolo. Comunque, solitamente preferisco obbiettivi ambiente in quanto mi permettono di dare più spazio alla creatività (almeno in acqua).

FP: Grazie Pasquale per questa breve chiacchierata, in bocca al lupo per i prossimi premi e buone foto… nel blu!!!

Pasquale: Grazie a voi, crepi il lupo!!!

   Ricevi l’articolo in formato PDF   

Nella serie di interviste di FotografiaProfessionale dedicata a fotografi professionisti specializzati nei diversi campi, dopo Max Costoli (Moda) e Alessandro Rizzi (Street & Reportage),

incontriamo oggi un giovane fotografo che ha fatto un percorso piuttosto singolare, riuscendo a trasformare una passione in un lavoro, Simone Scurzoni.

Simone si dedica principalmentre alla fotografia di matrimonio, con un approccio inusuale e innovativo per il mercato italiano, più assimilabile al reportage che alla foto di cerimonia classica.

Abbiamo chiesto a Simone di rispondere a qualche domanda proprio perchè la sua storia professionale rispecchia un po’ quella di molti di voi,
appassionati di fotografia che, con impegno, dedizione e buone idee, cercano di trasformare la passione in un lavoro vero e proprio.

FP: Ciao Simone, e benvenuto in FotografiaProfessionale, raccontaci un po’ di te, chi sei e di cosa ti occupi?

SS: Ciao, sono un ragazzo di 35 anni, sono appassionato di fotografia, e da alcuni anni mi occupo professionalmente di fotografia di matrimonio (ebbene sì, la tanto bistrattata fotografia di matrimonio, a me piace tantissimo!)

FP: La tua storia professionale come fotografo è abbastanza singolare, stai realizzando il sogno di molti appassionati, come è avvenuto il passaggio dalla passione alla professione?

SS: Sì, sto cercando di trasformare una passione in un business, e per ora i risultati sono incoraggianti. Per vivere facevo (e faccio ancora, anche se in parte) tutt’altro. Ma davvero tutt’altro… Poi la passione per la fotografia e la voglia di vivere facendo quello che amo mi hanno portato ad entrare a piccoli passi sempre di più nel mondo della fotografia di matrimonio. Ho seguito un percorso assolutamente non convenzionale, per esempio non ho mai fatto da assistente a fotografi professionisti, come solitamente accade. La mia gavetta è tutti i giorni, sul campo. Diciamo che mi sono buttato, con un bel po’ di impegno, sacrifici e rischiando in prima persona. Mi sento davvero all’inizio di questa avventura, ma per ora la soddisfazione è tanta!
FP: Hai reinterpretato il modo di fare fotografia nel settore “wedding”, il tuo stile è particolare, personale, come vedi la foto di matrimonio oggi?

SS: Studio costantemente il lavoro di grandi esponenti del settore, specialmente oltreoceano (dove a mio parere nella foto di matrimonio sono un po’ più avanti) e questo forse mi ha fatto acquisire  uno sguardo un po’ diverso da quello che siamo abituati ad associare ai fotografi di matrimonio tradizionalmente intesi. Ho sempre cercato di avere un approccio aperto alle nuove idee, di non pormi limiti, di infrangere le regole. Amo la fotografia di matrimonio perchè dentro, se vuoi, ci trovi tutti i generi di fotografia: il reportage, il ritratto, la moda, persino lo still-life! Credo che sia una palestra straordinaria per un fotografo e permetta di dare grande spazio alla creatività.

FP: Quali sono stati i fotografi che maggiormente hanno influenzato il tuo stile e quali quelli che oggi ritieni gli “astri nascenti” della fotografia?

SS: Cartier Bresson fra tutti, quando penso a come comporre un’immagine immagino di averlo alle spalle che mi dà indicazioni!
Poi amo i grandi fotografi di reportage come McCurry, Allard, Harvey, Nachtwey. Ma in fondo, credo di aver cominciato ad amare la fotografia grazie a Luigi Ghirri.. le sue foto continuano a commuovermi. Tra gli astri nascenti citerei Ryan Brenizer, wedding photographer di New York, che ho conosciuto personalmente qualche tempo fa. lo considero un po’ il mio ispiratore, specie dal punto di vista del business. Se ho deciso di buttarmi in questa avventura è principalmente colpa sua!

FP: Veniamo alla tecnica, come scatti? Come si sviluppa di solito la tua giornata di lavoro? Sei un pianificatore o un istintivo? Cosa ti fa decidere quando scattare?

SS: Mi ritengo sia istintivo che pianificatore: anche se ormai conosco a memoria le fasi di un matrimonio, mi piace andare in cerca di momenti speciali, quelli più emozionanti, che non sai mai quando capitano. Poi se mi viene l’idea di uno scatto cerco di realizzarla creandone le condizioni ideali. Non sono un fanatico della tecnica, tutt’altro. Ritengo fondamentale conoscerla e padroneggiare la propria attrezzatura, ma sapersi adattare è tutto. Come dice il mio amico Ryan, se il fotografo da sala di posa è come uno scenziato di laboratorio, il fotografo di matrimonio è McGiver!

FP: Ho notato che le tue immagini hanno una qualità compositiva importante, cos’è per te la composizione in fotografia? E quanto conta?

SS: E’ fondamentale. Per come la vedo io, una composizione forte è ciò che di fronte a un’immagine ci tiene incollati. E’ ciò che ci obbliga a soffermarci su un’immagine anzichè sull’altra. Tutto il resto, il soggetto, la correttezza tecnica, il fuoco, la postproduzione.. tutto è importante per far sì che una buona immagine diventi un capolavoro, ma una composizione forte è metà dell’opera, forse anche di più.

FP: Con che macchina scatti? Come si compone l’attrezzatura fotografica di Simone Scurzoni?

SS: Ti dirò che non sono un maniaco dell’attrezzatura, infatti ho un corredo molto scarno. Quello che mi serve e nient’altro. Faccio il il 90% di un matrimonio con la mia Nikon D700 + Nikon 24-70 f2.8, e con il flash Sb900. Poi ho un corpo di riserva e qualche obiettivo fisso, inoltre porto sempre dietro il mio “cinquantino”, obiettivo secondo me fantastico per imparare a comporre bene. Presto implementerò il kit con il 70-200 f.2.8, ma cerco comunque di ridurre al minimo l’attrezzatura. Voglio stare concentrato sullo scatto, non su quale obiettivo montare.

FP: Facciamo uno dei nostri giochi preferiti, sei in partenza per un viaggio e puoi portare con te solo un’ottica… che obbiettivo scegli, e perchè?

SS: Senza dubbio il 24-70 f 2.8. È un po’ pesantino, ma con lui sei a posto in ogni situazione!

FP: Cos’è secondo te che fa la differenza fra un bravissimo appassionato di fotografia e un professionista? Qual’è il passo da fare per salire quel gradino? È un passo più mentale o di tecnica pura?

SS: La tecnica non la metterei al primo posto nella scala dei requisiti, almeno per quanto riguarda la fotografia di matrimonio (ma forse anche per altri generi)  Il business della fotografia è (anche e soprattutto) altro, e me ne sto accorgendo proprio in questo momento mentre cerco di intraprenderlo. Un conto è saper scattare una foto eccellente, un altro è produrre costantemente 200 buoni scatti per ogni matrimonio, consegnando velocemente un lavoro di qualità, e guadagnarci pure! Sinteticamente, direi che le abilità principali sono massima flessibilità e capacità di adattamento, capacità di relazione, estremo orientamento al risultato e soprattutto una buona conoscenza delle regole di marketing. Anche fare belle foto, poi, non guasta…

FP: Cosa consiglieresti oggi ad un fotografo che voglia trasformare, come stai facendo tu, la passione in mastiere vero e proprio?

SS: Posso dirti quello che – per così dire – consiglio a me stesso. Mi domando tutti i giorni “che cosa vorrebbe un cliente per assumermi?” Poi passo il resto della giornata cercando di darglielo

FP: Domanda d’obbligo, sai che FotografiaProfessionale si occupa di fotografia e di post-produzione, che rapporto hai con il fotoritocco? Cosa pensi della post-produzione, e che uso ne fai?

SS: Ritengo la postproduzione, oggi, uno strumento assolutamente fondamentale e irrinunciabile per un fotografo, amatore o professionista che sia. Non sono nè un fanatico nè un super esperto di postproduzione, ma uso quotidianamente diversi software per l’editing digitale. Per quanto mi riguarda, l’obiettivo è produrre belle immagini e rendere felici i miei clienti. Tutti gli strumenti che mi aiutano a farlo sono benvenuti!
FP: L’evoluzione del tuoi lavoro è stata piuttosto rapida, e ora? Prossimi passi e progetti per il futuro?

SS: Sicuramente rendere questa attività un business stabile, e so che non è una passeggiata. Poi te la butto lì, il mio sogno sarebbe diventare un “destination wedding photographer” e andare a scattare matrimoni in giro per il mondo… per ora il posto più lontano è stata Reggio Calabria, ma facciamo un passo alla volta!

Grazie a Simone per il tempo che ci ha concesso e per le interessanti riflessioni ed esperienze.

A presto su FotografiaProfessionale per novità e contenuti utili!

Simone Poletti

   Ricevi l’articolo in formato PDF   

Come scrivo spesso, il successo di FotografiaProfessionale è costruito sull’interazione diretta e costante con voi. I corsi vengono modificati e perfezionati in base alle vostre richieste e ai vostri consigli e alle vostre indicazioni, e il blog vive dei vostri commenti e delle vostre domande. Per questo, quando qualche giorno fà ho ricevuto la mail di Fred, ho pensato che fosse gisuto pubblicare le sue domande e le relative risposte sul blog, per permettervi di commentare e partecipare alla discussione. Fred è un fotografo dai progetti interessanti, che dopo aver sperimentato i miei corsi di fotoritocco ha sentito l’esigenza di avere alcuni chiarimenti e di scambiare un po’ di idee su fotografia, postproduzione e ritocco. Eccovi le domande e le risposte, senza filtro, come sempre.

Fred: Molto semplice, io lavoro per comodità con una Nikon d70 circa 6-7Mpix, ora la prima domanda riguarda proprio questo, che risultati si possono ottenere con una macchina simile? Credi si possano raggiungere risultati altamente professionali,parlo di prodotti adv-beauty-fashion-still etc.etc. ??

Simone: Non conosco benissimo la Nikon d70, ma mi sono documentato presso alcuni amici fotografi ricevendone impressioni positive, limitatamente all’uso semi-professionale,
mi è stata descritta come una macchina abbastanza “rumorosa”, cioè con una grana piuttosto evidente e, anche se un po’ datata, con una buona qualità di scatto.
Ora, io credo che la macchina non faccia il fotografo. La fotografia è visione ed idea, saper cogliere l’emozione e l’attimo e saperli trasmettere… la tecnica e la tecnologia a mio parere
sono gli strumenti che permettono al fotografo di esprimere la propria visione e trasferire in immagine la propria idea.
Il risultato altamente professionale del quale parli tu, necessita chiaramente di immagini di alta qualità e di definizione perfetta, perchè se è l’idea che conta, anche la qualità “tecnica” dell’immagine deve essere adeguata. Proprio perchè si parla di risultato “altamente professionale” credo che non si possa prescindere da un’attrezzatura adeguata, che ti permetta di esprimere al meglio le tue capacità.
Questo non vuol dire che tu sia costretto a spendere migliaia di euro in macchina fotografica e ottiche, molti, moltissimi fotografi professionisti lavorano con attrezzature noleggiate da service.
Puoi tranquillamente noleggiare una macchina top di gamma, tutte le ottiche che ti servono e le luci da uno qualsiasi di questi service che sono diffusi su tutto il territorio nazionale,
senza affrontare l’investimento dell’acquisto.
Io ti consiglio di provare, prova a noleggiare la macchina migliore sul mercato, le ottiche che hai sempre sognato e due luci fantastiche, poi scatta lo stesso soggetto con la d70 e la tua attrezzatura e con l’attrezzatura noleggiata. A quel punto potrai valutare il risultato in maniera obiettiva. Io credo che, come ho già detto, la macchina non faccia il fotografo, ma un grande fotografo ha bisogno di una attrezzatura adeguata.

Fred: Vedo immagini veramente strabilianti, mi riferisco a Erwin Olaf, Eugenio Recuenco e simili, possibile che sia fatto tutto in fase di scatto??? Dimmi di no ti prego altrimenti lancio tutto dal balcone.

Simone:Erwin Olaf è uno dei fotografi che ammiro maggiormente, e Recuenco ha una fantasia nella composizione che invidio.
Le loro immagini sono ritoccate, post-prodotte con grande attenzione e cura da professionisti capaci e competenti. Un’immagine come quelle di Olaf e Recuenco parte però da un processo creativo complesso, si parte da un’idea iniziale che viene poi sviluppata attraverso un lavoro in fase di scatto che deve già tenere conto della post-produzione che verrà applicata.

L’obiettivo deve essere quello di fare in scatto il più possibile, e in post-produzione andare a migliorare, correggere e perfezionare, non a stravolgere. Il progetto di una immagine di quel tipo deve comprendere la post-produzione già dalla nascita, tenendo conto di tutte le variabili che comporta ed andando a realizzare uno scatto che sia propedeutico alla post che si intende applicare e una post che sia complementare allo scatto, rafforzandone la forza comunicativa senza modificarne il messaggio.
Ricorda poi che dietro le immagini di questi fotografi (in particolare Recuenco) ci sono grandi budget di produzione, un grande lavoro di scouting per le location, di styling e di creazione del set. Non si possono ottenere risultati dello stesso livello prescindendo da uno staff di supporto competente e, di conseguenza, da budget adeguati. Non pretendere quindi di ottenere gli stessi risultati da subito, concentrati nel ricercare la stessa qualità di luce e di post-produzione in scatti più semplici, essenziali, meno impegnativi sotto il piano logistico e organizzativo.

Fred: Le mie immagini, se le ingrandisco troppo perdono definizione, i colori si spappolano e  la qualità dell’immagine va a farsi benedire, in alcuni casi ho attenuato questo problema montando ottiche (analogiche) un pochino più qualitative,ma insomma sono molto lontano da quelle immagini di cui parlavo prima..che fare???

Simone: Ci sono diversi metodi per migliorare un’immagine dopo averla interpolata (ingrandita in digitale), ma nessuno mantiene la qualità dell’immagine, e Photoshop non è in grado di inventare pixel che non esistono, quindi, soprattutto nelle zone di “contrasto”…sfoca e uccide il dettaglio. Esistono plug-in e applicazioni che lavorano in modo specifico nel miklgiorare la qualità delle immagini ingrandite. Il risultato milgiora sensibilmente, ma non raggiungerà mai l’effetto di un file scattato a formato. L’unica soluzione vera temo che sia due risposte più su, prova a noleggiare una macchina che ti permetta di scattare immagini di dimensioni maggiori e di incisione migliore. Altrimenti dovrai trovare un tuo stile, che renda il livello di dettaglio dell’immagine insignificante, e comunichi in altro modo (attraverso il dinamismo, il colore, una grana particolare, il BN….) la tua “vision” fotografica.

Fred: La post io non la digerisco, mi spiego meglio, ho improntato per anni tutti i miei sforzi verso l’illuminazione, arrivando a buoni risultati, ora però vedendo e paragonando i miei a quelli di altri (professionisti) mi chiedo c’ho capito veramente qualcosa??? L’attrezzatura…luci (flash) macchina, pixel, pc quanto contano ai fini di un ottimo risultato???

Simone: Come già detto, l’attrezzatura conta, un’eccellente macchina fotografica non può trasformare un fotografo mediocre in un grande fotografo.. Neanche in un buon fotografo, un fotografo mediocre rimane mediocre anche con un dorso Hasseblad.
Ma, al contrario, una attrezzatura insufficiente può rendere le foto di un grande fotografo non adatte all’uso professionale. L’attrezzatura deve essere adeguata almeno all’uso che si vuol fare delle immagini (non si può scattare le immagini per un manifesto 6×3 con una compatta automatica e pretendere che non siano sgranate…), e se possibile, dovrebbe essere adeguata al talento del fotografo.
Vale lo stesso discorso per la post-produzione, a volte mi chiedono “Ma posso fare la post delle mie foto con Gimp sul mio vecchio pc portatile?” Si, certo. “Ma otterrò un risultato veramente professionale?” Ovviamente no.

Tu dici che non digerisci la post-produzione, ma credo che questo sia dovuto ad un approccio errato, e molto diffuso, alla correzione e al fotoritocco delle immagini. Mi spiego, a mio parere devi cercare di vedere la post-produzione come uno strumento fotografico. Quando pensi una fotografia, quando prepari lo scatto, scegli l’obiettivo, il tipo di luce, l’esposizione, in base al risultato che vuoi ottenere. L’uso corretto dei diversi strumenti e delle diverse componenti ti permette poi di avere un risultato più o meno coerente con l’idea iniziale. Lo stesso dicasi per la post-produzione. È uno strumento che, se usato bene, ti permette di ottenere risultati che hai pensato già al momento dello scatto, è uno strumento che ti deve permettere di valorizzare il lavoro fatto in scatto, non di stravolgerlo. Come per imparare ad usare una macchina fotografica o il corretto uso delle luci, anche la post-produzione ha bisogno di applicazione, lavoro, studio, formazione…

Fred: Tempo fa per un pò di tempo fui uno degli assistenti di un fotografo professionista a Milano, e ricordo che l’immagine come per magia si trasformava, lo scatto era in un modo mentre il prodotto finale era tutt’altro, dopo che il suo assistente ritoccatore ci metteva le mani..naturalmente lui (il fotografo) non lavorava con una d70, ma un medio formato con dorso Hasselblad digitale, la foto diventava una classica immagine pubblicitaria.
Ora, la domanda è questa …chi è il professionista e chi l’assistente??

Simone: Entrambi. Sono entrambi professionisti, ognuno nel suo campo. Un grande fotografo oggi avrebbe bisogno di un grande ritoccatore, molto spesso invece le foto di grandi fotografi vengono post-prodotte da dilettanti, o dal fotografo stesso che avendo un’esperienza decennale di fotografia crede di poter usare i software di ritocco senza nessuna formazione preventiva, a volte con risultati tragici… Quindi, sempre di più, è necessaria grande professionalità in entrambi i campi, uno scatto eccellente MERITA una post-produzione dello stesso livello, e il fotografo che lo capisce e si affianca ad assistenti dalla grande professionalità nel ritocco merita rispetto.
Ma siamo chiari. Come dicevo prima entrambe le componenti devono essere di grande livello, ma c’è una differenza fondamentale: uno scatto eccellente senza post-produzione rimane uno scatto eccellente (una post fatta male può rovinarlo), uno scatto mediocre, anche con la migliore post-produzione possibile, rimane uno scatto mediocre, al massimo discreto… La qualità dello scatto è e rimane la discriminante fondamentale fra una grande fotografia e una fotografia mediocre. Una post-produzione altamente professionale (e magari anche dal buon apporto creativo) può rendere fantastica una foto già ottima, ma non può farlo con uno scatto pessimo.
Quindi, riguardo all’esempio da te portato, sicuramente il lavoro del ritoccatore può migliorare (e di molto) uno scatto, ma la base DEVE essere buona, altrimenti si può solo cercare (in post-produzione) di creare effetti, toni, contrasti, luci e ombre talmente forti e di impatto da distogliere l’attenzione dalla reale qualità della foto.
Mi ripeto, la ricetta perfetta è: un grande scatto nelle mani di un ritoccatore professionista, un fotografo di talento + un ritoccatore di talento.

Fred: Voglio arrivare ad ottenere immagini professionali….che fare??? Premesso che uso ancora Photoshop CS2 e la Nikon d70..con questa attrezzatura (scarsa) si può arrivare ad ottenere immagini professionali partendo da uno scatto mediamente buono???

Simone: In gran parte ti ho già risposto, ma riassumo il discorso in breve.
Per ottenere un risultato veramente professionale ti servono: un’attrezzatura adeguata, che sia di proprietà o a noleggio, una location adatta e una modella professionista, una post-produzione accurata e professionale.
L’attrezzatura, come già detto, è un problema che si risolve con poche centinaia di euro (a seconda della dotazione scelta) da far pagare al cliente i caso di lavoro su commissione, da investire privatamente nel caso di una ricerca personale.
La location è facilmente ottenibile gratuitamente, basta avere pazienza, farsi molti amici (…) e saper vedere in una vecchia casa dai muri scrostati il set ideale per ricreare una scena fantastica. La modella è spesso considerata un fattore di scarsa importanza, tanto si corregge con Photoshop ecc..ecc… Niente di più sbagliato, una ragazza (o un ragazzo) professioista e abituata al set, bella, brava e professionale, fa spesso la differenza VERA fra una grande foto e uno scatto insoddisfacente. Quindi, se hai un budget ridotto, risparmia sulla location, ma non sulla modella.
Infine la post-produzione. Qui siamo nel mio campo, quindi mi permetto di essere categorico Non serve l’ultima versione di Photoshop per correggere una scatto a livello professionale. Il 90% delle tecniche che io uso sfruttano strumenti e funzioni che esistono già dalle prime versioni di PS. È invece molto importante una formazione completa e professionale, che deve partire dalle basi e sviluppare i campi di intervento che ti interessano di più (cromie, correzione pelle, luci e contrasti tonali ecc…), per poi piano piano ampliare le tue conoscenze a tutto lo spettro delle correzioni possibili con Photoshop. Come dicevo una pessima post-produzione può rovinare un grande scatto, quindi è essenziale che le tue competenze in questo campo siano adeguate al risultato che vuoi raggiungere. Per esperienza personale ti posso dire che ho iniziato a lavorare con Photoshop nel 1992 e ancora oggi faccio corsi di aggiornamento e perfezionamento e studio tecniche nuove. E ogni giorno scopro una combinazione di tecniche, o l’uso differente di uno strumento o di una regolazione, che mi permettono di ottenere risultati nuovi e diversi. Non si è mai finito di imparare e di perfezionare le proprie conoscenze.
Questo non vuol dire che la post-produzione sia un campo inaccessibile a tutti e che necessita di anni e anni di studio, le basi del ritocco si possono acquisire in pochissimo tempo, e in breve si possono perfezionare tecniche realmente professionali. L’importante è che le basi siano corrette.
La cosa veramente positiva che traspare dalle tue domande è la volontà di apprendere e migliorare, e l’obiettivo che hai di ottenere un risultato di grande livello, il tuo atteggiamento è già un primo, grande passo, verso il successo, non ti arrendere e continua a lavorare per raggiungere il tuo obiettivo!

(a corredo dell’articolo uno scatto in due parti di Fred)

   Ricevi l’articolo in formato PDF   

Alessandro Rizzi, dopo averlo conosciuto di persona, lo riconosci nelle sue fotografie.

Riconosci quella tranquillità e quella serenità curiosa, quella pacatezza solo superficiale, che nasconde un mare di idee, intuizioni, progetti in continua evoluzione. Alessandro è come le sue fotografie, che sembrano tranquille e quasi “addormentate” ma portano con sè una quantità di sottotesti, di interpretazioni, di contenuti, che le rendono uniche ed affascinanti.

Ora, non voglio annoiarvi con una pagina di sperticate lodi, vi lascio all’intervista e alle foto di Alessandro, dopo una piccola biografia che può aiutarvi a capire di chi parliamo.

Alessandro Rizzi è nato in Emilia nel 1973. Nel 2002 vince il premio 3M come Miglior Fotografo Italiano under 30, fotografo dell’agenzia Grazia Neri è pubblicato nelle collection più prestigiose di Getty Images. Nel 2006 pubblica il libro fotografico Vision from Another World.

FP: Ciao Alessandro, e benvenuto su fotografiaprofessionale.it

Iniziamo dalle presentazioni, raccontaci chi è Alessandro Rizzi.

AR: Autodefinirsi non è facile ma partiamo dalle cose sicure:
Maschio, anni 35, emiliano, fotografo, base in un piccolo paese tra Reggio Emilia e Parma dove sono nato.
Costruisco per me piccoli impianti valvolari per jazz e musica da camera e ho una passione per le macchine fotografiche a telemetro e i  libri di fotografia.
Ho iniziato a fotografare quando trovai una vecchia Minolta di mio padre nell’armadio di casa, nascosto da maglioni e camicie. Quella fu la folgorazione immediata, il fascino per l’oggetto e la curiosità di capirne il funzionamento.

FP: Su FotografiaProfessionale.it fino ad oggi ci siamo occupati più che altro di fotografia di moda e per l’Adv, il tuo mondo invece è principalmente quello del reportage. Come si svolge il tuo lavoro? Come ricevi un incarico e come lavori sul campo?

AR: Negli ultimi anni la fotografia di reportage e di Street che è quella che pratico io è entrata di forza nel campo dell’ADV  sconfinando dalla propria collocazione storica.
Mentre fino a pochi tempo fa i commissionati per riviste e clienti avvenivano quasi esclusivamente con la mediazione delle agenzie che rappresentano il fotografo, ora molto del lavoro arriva direttamente dai clienti e dai photoeditor delle riviste. Il ruolo delle agenzie sta venendo ripensato e trasformato.

FP: Hai scattato per alcune delle più importanti riviste del mondo, hai vinto il premio 3M come Miglior Fotografo Italiano under 30 nel 2002, quindi sei la persona più indicata alla quale rivolgere la domanda più difficile. Come si trasforma la passione in lavoro e il lavoro in successo? Come è successo per te?

AR: Dopo i primi anni nei quali viaggiavo per piccoli reportage tra est Europa e medio oriente ho incontrato a Milano,Grazia Neri. In modo rocambolesco ma travolgente.
Grazia Neri rappresentava da sempre il meglio della fotografia italiana, l’agenzia di riferimento per il mondo professionale e la sua competenza personale rimane indiscussa. Pochi minuti dopo l’incontro con Grazia e dopo averle mostrato alcune mie fotografie mi diede un appuntamento in agenzia  nei mesi successivi, una volta là le mostrai alcuni lavori inediti e ricordo ancora quando chiamò il suo braccio destro, l’attuale photoeditor dell’Espresso per  portare il contratto di rappresentanza, contratto che legava  il mio lavoro al nome Grazia Neri.
Da quel giorno cambiò tutto , prima fui presentato alle riviste italiane e poi negli anni successivi alle riviste americane, inglesi, francesi.
Grazia ha rappresentato la realizzazione dal sogno al mestiere sul campo...

FP: Guardando le tue foto ci si trova davanti a due anime, quella del fotografo e quella del viaggiatore, che sembrano convivere in grande armonia, quasi in simbiosi. C’è la grande curiosità del viaggiatore che scruta ogni angolo, ogni vetrina, ogni vicolo, e allo stesso tempo c’è anche l’istinto del fotografo pronto a scattare ogni attimo irripetibile, l’occhio che coglie inquadrature e soggetti mai banali.
Facciamo un gioco crudele. Puoi scegliere, passaporto o macchina fotografica, a cosa rinunci?

AR: Ah molto simpatico, non vorrei mai privarmi delle scoperte di un viaggio e dico macchina fotografica… anche perché troverei il modo di fare fotografie con altri mezzi…

FP: Nelle tue immagini si coglie una poetica molto personale, la capacità di cogliere il dramma, l’ironia e l’assurdo del momento. Oltre alla tecnica e alla sensibilità per l’inquadratura c’è altro…

AR: L’immersione in un mondo mentale!  Un mondo che cerco di affinare guardando libri, film e ogni sorta di traccia che mi leghi a un luogo e alla mia idea di quel luogo. Non c’è niente di più soggettivo in quella oggettività che mi si presenta davanti.
Il momento dello scatto rappresenta la sintesi di una ritualità, di gesti e modi di sentire e guardare che costruisco da lontano a volte riuscendo nella sintesi a volte no.

FP: Hai realizzato tantissimi reportage in estremo oriente, e so che passi molto del tuo tempo in Cina. Da cosa viene la passione per questa parte del mondo? Raccontaci l’oriente di Alessandro Rizzi.

AR: Si ho iniziato ad andare in Cina nel 2003 e ricordo ogni secondo di quel primo viaggio. Rimasi abbagliato, completamente risucchiato dalla potenza di quella velocità  di cambiamento.
Seppur siano passati solo 6 anni la trasformazione è stata totale, sconvolgente e affascinante. La Pechino del 2003 era già modernissima ma conservava ancora qualche segno di storia, la gente girava ancora in bicicletta per gli Hutong, i vecchi quartieri della capitale.
Sono tornato in Asia tutti gli anni dal 2003 fino alla scorsa primavera, vivendo anche sei mesi per anno tra Cina, Taiwan e Giappone.  In Asia mi perdo in un mondo così diverso da farmi trascinare dalla corrente e la cosa mi piace molto.

FP: Non scatti solo reportage e immagini per l’editoria, ma anche molte campagne Adv e Corporate, e architettura. Che differenza c’è fra i diversi tipi di lavoro? Come li affronti?

AR: Le differenze non sono più così marcate come si potrebbe pensare. La comunicazione pubblicitaria esplora diverse forme espressive , l’architettura nel suo modo di lavorare lo spazio è diventata liquida, plastica nelle forme pur essendo fatta di materia. Se c’è una mia predisposizione alle varie discipline,  questa credo nasca dalla relazione che il mio occhio ha con lo spazio, sia nell’adv che nei miei progeti editoriali e personali, la scena diventa una quinta dove può avvenire qualcosa o niente a volte ma è dentro un contesto che guardo e che amo guardare.

FP: Come lavora Alessandro Rizzi? Come procedi? Programmi lo scatto e ricerchi la perfezione di ogni particolare o scatti ad istinto, riprendendo le cose che ti colpiscono nell’ambiente che ti circonda? Cosa ti fa scegliere se scattare o no?

AR:Come accennavo prima lo scatto non è programmato ma è pensato come fosse il momento di una narrazione. Io ho in mente una mia trama, ovvero ciò che mi interessa e ciò che non mi interessa ma non parlo di fatti parlo di potenziale.
Mi interessa tutto se si verificano una serie di condizioni che amabilmente Joseph Koudelka ha chiamato “ Il Potenziale della situazione”, quando il tanto o il poco che accade, accada nel modo migliore possibile, con una poesia o una forza che esisterà solo in quel momento.

FP: Nei tuoi scatti si coglie una sensibilità per la luce caratteristica e particolare. Moltissime delle tue immagini di reportage sono contraddistinte da un uso della luce naturale che ricorda i set cinematografici e le luci da studio. Ci racconti il rapporto di Alessandro Rizzi con la luce?

AR: Ci sono 3 tipi di luce da cui sono rapito, quella delle case, che vorrei sempre soffusa e calda, quella lattiginosa dell’Emilia che mi piace ma per periodi non troppo lunghi e quella tagliente del sole che fa ciò che vuole, taglia e sparisce a volte in un attimo a volte disegna paesaggi mentali, come nel sud degli Stati Uniti dove l’anno scorso ho scattato un ADV per Janus Group, proprio vicino a Paris Texas dove Wim Wenders ha ambientato uno dei suoi film più famosi.
Lascio che la luce mi meravigli ma non so manipolarla, lascio che sia quella che è, sono sicuro che è molto più bella e ricca di dettagli di quanto ancora non abbia capito. Forse proprio per quel discorso sullo spazio come set la luce mi appare come una grande parte della scena.

FP: Il mondo della fotografia sta cambiando rapidamente, negli ultimi anni l’avvento delle banche immagini a basso costo e delle foto “free” ha rivoluzionato il mercato. Tu sei rappresentato da grandi agenzie internazionali, le tue immagini sono nelle collection più esclusive di Getty Images, come sta evolvendo la situazione? Quali sono a tuo parere le prospettive per il futuro della fotografia?

AR: Credo che l’evoluzione veloce dei processi di utilizzo e distribuzione delle immagini stia prendendo la forma che avrà per i prossimi anni.  E’ un momento difficile e interessante nella storia della fotografia.
A mio avviso rimarranno 2-3 player mondiali a livello di agenzie distributive, come esempio Getty e una piccola moltitudine di soggetti iper specializzati , alcuni stanno venendo acquisiti da Getty stessa, altre fanno della nicchia la propria forza.
Dal punto di vista della produzione, essendosi abbassati i budget per la realizzazione delle idee, solo piccole agenzie cosiddette Boutique, ovvero strutture snelle con pochi fotografi di grande qualità e poco personale all’interno, avranno un ruolo determinante. Per le altre prevedo una brutta fine come purtroppo appena avvenuto alla mia ex agenzia Grazia Neri.

FP: Come sai uno dei campi di cui si occupa FotografiaProfessionale.it è la post-produzione. Le tue immagini sono molto naturali, molto pulite e post-prodotte con molta misura ed attenzione, come lavori? Che rapporto hai con la post-produzione ed il ritocco?

AR: Grazie per la descrizione che fai delle mie immagini. Non ho una tecnica di postproduzione particolare nella quale riconoscermi. Postproduco le mie immagini attento a non calcare troppo la mano su effetti di contrasto o di colore, apprezzo la naturalezza delle stampe ottenute via negativo  e  il background da cui arrivo, viene da ore di stampa colore in camera oscura.
La libertà espressiva a cui si accede attraverso la post è incredibile e ne sono assolutamente sedotto, ho l’idea che tutto sia possibile ma ne vanno stabiliti i limiti precedentemente.
In sostanza mi interessa capire come si sposa il progetto che si ha in mente  con l’idea del colore che questo progetto si porta dietro.

FP: Che consigli ti sentiresti di dare ad un fotografo che tenti la strada della foto editoriale o di reportage? Come si entra in una grande agenzia o in un grande giornale a proporre i propri lavori?

AR: Gli strumenti sono gli stessi per tutti almeno dal punto di vista della visibilità. Serve un sito internet  come biglietto da visita nel caso non ci siano agenzie dietro.
Dopo la lunga esperienza in GraziaNeri mi è capitato di essere chiamato da Getty e ora da Bill Charles per cui non saprei davvero come proporsi a una grande agenzia.. Anche se credo in un po di promozione personale so bene che ci vuole tanta fortuna e un modo intelligente o innovativo di presentarsi.. Naturalmente quando c’è una rete di persone che ti conoscono e ti stimano tutto diventa più facile ma la stima la si costruisce su un buon lavoro e non sugli aperitivi come molti credono.

FP: In mezzo ad un panorama piuttosto omologato spuntano alcuni fotografi con personalità ed idee, si vedono cose nuove, ma anche tante copie di fotografi di successo,
dove sta andando la fotografia?

AR:Penso sia normale un panorama variegato, l’accessibilità dei modelli di riferimento via web, il basso costo delle attrezzature che consente a tutti di sviluppare idee con alta qualità realizzativa, la postproduzione e altri fattori  fanno del mondo della fotografia un terreno di esplorazione.
A mio avviso la  fotografia sta cercando di capire a quali tavoli è ancora invitata a cena e a quali non è più gradita, almeno nella forma che conosciamo, forma che ha teso a ripetere se stessa ma che oggi da pochi risultati.

FP: So che in queste settimane sei in Giappone, stai lavorando a un progetto in particolare?

AR: Si sono a Tokyo da alcune settimane per la realizzazione di un progetto per Fotografia Europea 2010. (www.fotografiaeuropea.it)
Mi è stato chiesto di produrre una mostra che fosse in linea con l’idea del curatore, Elio Grazioli, legata al tema dell’incanto nella contemporaneità.
Ho una buona conoscenza di Tokyo, della sua vita e dei sui meccanismi; Avevo già iniziato un progetto ispirato dai romanzi di Aruki Murakami, A sud del Confine a Ovest del sole e la scelta di continuare quel lavoro e espanderlo mi è venuta immediata, poi una volta qui ho scoperto che lo stesso Grazioli aveva pensato a Murakami parlando di Incanto.
FP: Domanda d’obbligo che ti rivolgo per gli appasionati e per chi segue il tuo lavoro.  Con quale macchina fotografica lavori per i tuoi scatti di street photography e più in generale per i progetti Personali ?

AR: Ho una passione particolare per la Makina Plaublel 670 che uso in situazioni e per lavori particolari ma da molti anni mi muovo e lavoro con Leica M, prima l’M6 usata proprio nel mio primo viaggio a Tokyo (2003) e con pellicole a colori e ora con la M digitali.
La M8 di cui sono un felice possessore e ora la M9 che ho avuto modo di provare qui a Tokyo. La M9 mi è sembrata ancora migliore,  feeling immediato che riporta allo scatto della M6, qualità ottima dei file e naturalmente la facilità di pensare in full frame.
Aspetto curioso di provare la S2,  facendo una street photography che ha una forte relazione con l’architettura, potrebbe essere la macchina con la quale fare tutto, avendo anche nel corredo futuro alcune ottiche decentrabili e diminuire il carico di peso sulle mie spalle che inizio a sentire

FP: C’è una domanda che avresti voluto che ti facessi e che non ho fatto?

No mi sono divertito a risponderti e poi non abbiamo un intervista a ogni release di fotografia professionale ? Ci tengo alle promesse…

Ringraziando Alessandro per la disponibilità, vi invito a vistare il suo sito www.alessandrorizzi.com per godere di tutte le fotografie che non abvbaimo potuto pubblicare in questa intervista.

Appuntamento alla prossima intervista di FotografiaProfessionale.it

   Ricevi l’articolo in formato PDF   

Come promesso iniziamo oggi una serie di incontri e interviste con fotografi e professionisti del settore. Queste interviste ci accompagneranno lungo un percorso che toccherà diversi stili e diverse “sponde” del mare della fotografia professionale italiana ed estera.

Il nostro percorso inizia con una lunga intervista a Massimo Costoli, fotografo italiano che ha firmato scatti per grandi firme della moda italiana, da Moschino a La Perla, Guru e tanti altri, e campagne Adv per grandi marche, oltre a decine di editoriali per le più importanti riviste del settore fashion.

Max è anche un amico, ed era naturale che il primo a trovare spazio su FotografiaProfessionale.it fosse proprio lui.

FP: Ciao Max, molti ti conoscono già per aver visto il tuo lavoro, ma raccontaci un po’ chi è Massimo Costoli?

MC: Sono Nato a Reggio Emilia, nel 1968, dopo il diploma ho iniziato a lavorare come assistente in uno studio di fotografia pubblicitaria della mia città. Ma sono durato poco, dopo un anno ero già sulla strada per Milano per continuare a fare esperienza nel mondo della fotografia e allargare i miei orizzonti, cercare nuove opportunità.
Dopo due anni sono tornato in emilia, a Parma, e ho collaborato con un importante fotografo pubblicitario e di still-life, al quale devo tutto quel che so del mestiere di fotografo.
Ora lavoro fra Reggio e Milano, e trascorro le settimane libere in Salento, per ricaricare le pile…

FP: Un storia professionale in continua evoluzione quindi, ma come hai scoperto la fotografia?
MC: Per caso, fu mia madre a regalarmi la prima macchina fotografica… neanche il tempo di capirne il funzionamento e stavo già scattando come un ossesso, fotografando tutto quello che avevo intorno… si può dire che fu un colpo di fulmine…
E fu sempre mia madre, al termine dell’ultimo anno di superiori, a presentarmi un suo amico fotografo, che ebbe la folle idea di assumermi come assistente tuttofare.

FP: Hai scattato per le più importanti riviste di moda, e per aziende come Moschino, La Perla ecc… Come è avvenuto il tuo “incontro” con il mondo della moda?
È stato un colpo di fortuna, una cosa improvvisa o una conquista ottenuta con anni di gavetta?

MC: Anche questo fu un caso: un mio amico che faceva lo stilista doveva realizzare un catalogo, e non aveva un gran budget a disposizione. Quindi mi chiese di ritrarre alcuni soggetti che indossavano i suoi capi… forse uno dei miei lavori più belli… e da lì è iniziato tutto.
FP: Lavoriamo insieme da molti anni, ma la prima volta che ho visto il tuo book, ricordo una prima, fortissima impressione di grande familiarità con la luce. Impressione poi confermata dal lavoro sul set, vedendoti sistemare le luci per uno scatto in pochi secondi, d’intuito, e difficilmente tornare sui tuoi passi.
Quale è il rapporto di Massimo Costoli con la luce, e con le luci? Come si acquisisce quella dimestichezza?

MC: Penso che molto dipenda da una naturale predisposizione a “vedere” la luce ed immaginarne l’effetto. Sono comunque convinto che l’esperienza fatta, l’aver imparato a utilizzare le luci per lo still-life sia stata fondamentale nello sviluppare la capacità di “sentire” la luce. Sentire la luce sulla superficie delle cose, capire l’importanza delle ombre nella composizione.

FP: Sei giovane, ma hai già una grande esperienza, cosa consiglieresti ad un giovane fotografo, senza esperienza, che voglia entrare nel mondo della foto fashion o in quello della foto per l’Adv?

MC: Prima di tutto assorbire dagli altri e guardare molte fotografie. Osservare fotografie in continuazione e cercare di capire perchè piacciono o non piacciono, analizzarne i pregi, i difetti e le peculiarità per assorbirne l’essenza e poi imparare a replicare ciò che funziona ed evitare ciò che non funziona. E poi, avendolo fatto di persona, consiglio di cercare un bravo fotografo, uno che abbia tanto da insegnare, e provare a fargli da assistente.
All’inizio sarà dura, e come assistente si guadagna poco (a volte niente) ma il denaro in questo caso è ben poco rispetto all’esperienza e alle competenze che si acquisiscono.
E poi fare da assistente ad un bravo fotografo vuol già dire entrare in un certo mondo e iniziare a respirarne l’aria, iniziare a partecipare a servizi importanti.

FP: Un’altra curiosità, qualche anno fa ricordo che lavoravi molto con la pellicola, ora, almeno per quanto riguarda gli scatti fashion, lavori praticamente solo in digitale. La pellicola è stata completamente abbandonata? Come è stato il passaggio da pellicola a digitale? Quanto incide sui tempi di lavoro, sull’operatività giornaliera, il digitale?

MC: Ormai la pellicola non la uso quasi più. Inizialmente è stato traumatico. Ora penso che la macchina digitale, se viene utilizzata in fase di ripresa come una macchina analogica, possa dare delle possibilità in più. L’uso del digitale velocizza notevolmente i tempi di lavoro, e questo oggi nella pubblicità e nella moda è fondamentale. Inoltre l’effetto “sorpresa” dovuto a sviluppi errati, rullini rovinati ecc… non esiste più.

FP: Che macchine usi? Come è composto il “garage digitale e analogico” di Massimo Costoli?

MC: Ora lavoro con una Canon 5D mark II, e devo dire che mi trovo molto bene, in digitale ho lavorato quasi sempre con Canon, anche se ho utilizzato anche altre macchine.

FP: Ora una domanda che non posso non farti, visto il mestiere che faccio e visto che l’intervista sarà pubblicata su FotografiaProfessionale.it…
Quale è il rapporto di Massimo Costoli con la post-produzione e il fotoritocco?
La post-produzione è un male necessario, una grande opportunità o che altro?

MC: La post-produzione dei file digitali è una grande opportunità, se e solo se, come dicevo prima, in ripresa lo scatto viene realizzato con tutta la cura e l’attenzione che si utilizza scattando in analogico. Se si ha uno scatto eccellente come base, già dalla ripresa, una post-produzione ben fatta è in grado di valorizzarne ancora le caratteristiche e renderlo eccezionale.

FP: Oltre agli scatti “on demand” per la moda e l’advertising ho visto anche le tue ricerche personali, e mi ha molto colpito la profonda distanza che c’è fra il mondo patinato del fashion e i soggetti più intimi e “raccolti” che scegli per le tue foto d’arte. In particolare nella raccolta “Massimo Costoli – Fotografie” che hai esposto a Reggio Emilia e …. Come nasce una ricerca? Ci descrivi il lavoro di Massimo Costoli artista?

MC: Le mie ricerche personali sono frutto dell’istinto, dell’idea del momento. Giro quasi sempre con la macchina fotografica, anche quando sono in moto, e non pianifico nulla, quando vedo qualcosa che mi interessa, che attira la mia attenzione, mi fermo e scatto.

FP: Lavori per la moda, ma scatti anche campagne Adv… Un catalogo di moda magari è composto da 20 look, invece nell’Adv si passa un’intera giornata alla ricerca di uno scatto… Sono mondi molto diversi, il tuo modo di lavorare sul set è lo stesso?

MC: Il mio approccio al lavoro è sempre il medesimo, di solito piuttosto rilassato e ironico, mi piace che sul set si lavori rilassati e con un’atmosfera positiva e divertente… (ed essendo un po’ “fuori” di natura… ndr). È chiaro che la preparazione di uno scatto per l’Adv può essere più lunga e delicata, ma non è detto, può anche capitare di trovare subito l’alchimia giusta, lo scatto “perfetto” e poi lavorare tutto il giorno su delle alternative.
Non c’è una regola o una “scaletta” sul set, tutto dipende dal rapporto che si riesce ad instaurare fra fotografo e modella/i, e con lo staff.

FP: E ora? A cosa stai lavorando? C’è qualche nuova mostra nel cassetto di Massimo Costoli o qualche servizio da non perdere per il quale prenotare la rivista in edicola? Mi hanno detto che ultimamente ti vedono bazzicare di nascosto le officine più polverose e unte di grasso da catena della regione…
MC: Ultimamente, è vero, sto lavorando ad un redazionale per una rivista diciamo di “moto e costume”. Ho conosciuto dei personaggi incredibili, meccanici che lavorano ancora alla vecchia maniera, costruendo le moto in garage polverosi, fra Triumph e Guzzi d’epoca e brandine di fortuna… Mi sono divertito come un matto a fare queste foto, e il risultato mi sembra eccellente… ma presto sarà in edicola, così potrete giudicare anche voi…

FP: Lo sai vero che se non le fai correggere a me ti cancello tutti i RAW?

MC: … (Max non ha risposto, ma i raw da ieri sono sul disco fisso del mio computer per iniziare la correzione… ndr)

   Ricevi l’articolo in formato PDF