Questo mese ci ha lasciati il fotografo Peter Lindbergh, un’icona nella fotografia pubblicitaria e di moda.

A lui ho deciso di dedicare il format di Storia della Fotografia di questo mese, per far sì che ogni amante della fotografia possa conoscerlo un po’ più a fondo e non dimenticarlo mai 😉

Peter Lindbergh, pseudonimo di Peter Brodbeck, nasce a Leszno (Polonia) il 23 Novembre 1944.

La Seconda Guerra Mondiale era quasi agli sgoccioli, ma erano tempi piuttosto difficili: suo padre, commerciante di dolci, fu ammazzato da un cecchino e l’episodio segnò la sua infanzia. Poco tempo dopo, la famiglia si trasferì a Duisburg, città della Germania, dove Peter spese gran parte della sua giovanissima età.

Anni dopo, Peter iniziò a lavorare come vetrinista in un grande magazzino e, raggiunta la maggiore età, viaggiò spesso in giro per il mondo.

Poco tempo dopo tornò in Germania, questa volta a Berlino: fu qui che iniziò il suo percorso di studi all’Accademia delle Belle Arti.

Una delle sue più grandi ispirazioni?

Van Gogh e i suoi magnifici capolavori.

Gli studi, però, non frenarono i suoi viaggi: dopo aver passato un anno ad Arles, si spostò anche in Spagna e fino in Marocco.

Al suo rientro in Germania iniziò poi anche gli studi di Pittura presso l’Università di Krefeld; fu in quegli anni che manifestò grande interesse per la fotografia e si propose come assistente al fotografo tedesco Hans Lux.

L’esperienza con Hans Lux lo incoraggiò, nel 1973, ad aprire il suo primo studio fotografico.

Nel 1978, però, si spostò nuovamente per raggiungere la Francia, il posto perfetto per proseguire la sua carriera da fotografo e lanciarsi nel mercato.

“Non sono mica un supereroe, non c’è mai stato nulla di programmato! È che ero stufo di quelle donne in serie, tutte perfette e dai fisici scolpiti”

Raggiungere Parigi fu il punto di svolta della sua carriera: qui iniziò a lavorare per Vogue, prima per l’edizione italiana e poi anche per quella inglese, francese, tedesca e americana.

Ispirato dal cinema tedesco e dal minimalismo, Peter iniziò a realizzare i suoi primi shooting fotografici.

Nel Gennaio 1990 il fotografo ebbe il piacere di realizzare la copertina di Vogue grazie alla richiesta della nuova direttrice Anna Wintour: una copertina da museo, che sancì l’inizio dell’epoca delle Top Model.

Peter ridefinì gli standard della Fotografia di Moda, proponendo immagini mai viste prima.

I “must” della fotografia di Lindbergh?

Niente trucco esagerato, essenzialità delle forme e delle figure, naturalezza delle pose.

E, aggiungerei, un bianco e nero impeccabile.

Il suo modo di lavorare lo distinse da tutti gli altri fotografi perché lui privilegiava l’anima e la personalità, perché certo che ci fosse tanta storia da raccontare per ognuno dei suoi soggetti.

E, dobbiamo dirlo, non si sbagliò per niente.

“È responsabilità dei fotografi liberare le donne dal terrore della perfezione e della giovinezza”

Peter offrì una visione della moda della fine degli anni Ottanta senza precedenti: i suoi soggetti apparivano naturali, semplici e veri. Ogni volta, le donne che ritraeva si riscoprivano vere e pure, libere dalla “prigione” della moda.

Davanti all’obiettivo di Lindbergh, oltre a soggetti femminili come Monica Bellucci, Kate Moss, Nicole Kidman e Madonna, passarono anche uomini da sogno come Brad Pitt e John Travolta.

A Lindbergh, inoltre, furono commissionati anche tre calendari Pirelli (fino all’edizione 2017).

Dopo il successo avuto con la testata Vogue, il fotografo fu chiamato a collaborare anche con Vanity Fair, Wall Street Journal Magazine, The Face, Visionaire.

Quello che mi è sempre premuto mostrare è che la bellezza resta tale anche con le rughe o con i capelli non perfetti”

Il 3 Settembre 2019, a 74 anni, ci ha lasciato l’uomo che ha saputo costruire e far vedere la sincerità che si nascondeva dietro la finzione della moda.

Grazie a Peter Lindbergh si è diffusa nella nostra società un’immagine pura e realistica di quella che è la donna, libera dai canoni estetici e dal lusso della moda.

“La vera bellezza è il coraggio di essere se stessi”

Francesca

Quando ho iniziato la mia esperienza in FotografiaProfessionale, sentivo spesso parlare in ufficio di Emilio Tini per la sua fotografia nuova e fresca.

Emilio esprime se stesso attraverso i suoi scatti e descrive, a modo suo, ciò che gli si para dinnanzi alla macchina fotografica. La sua fotografia, specialmente con il suo nuovo progetto fotografico Fantastiche Visioni, è una ricerca dei volti che fanno parte di un’Italia in divenire, è una ricerca di ciò che va oltre la superficialità e lo scontato.

Ho avuto il piacere di intervistarlo per te e di conoscere più da vicino la sua fotografia 🙂

FP: Come nasce Emilio Tini fotografo? Raccontaci la tua storia.

ET: Sono cresciuto in un piccolo borgo medievale in Umbria dove la gente, se non fai le cose che fanno tutti, si spaventa e ti giudica. I miei, sin da bambino, mi hanno fatto crescere in maniera non standardizzata: mi proponevano un approccio personale alla vita, stimolando il protagonismo e la creatività, attraverso la costruzione di giochi a partire dagli oggetti più comuni come foglie, posate, buste e figurine di carta. Mi hanno fatto conoscere da giovanissimo l’arte in tutte le sue sfumature.

Da bambino mi sentivo un po’ alieno tra i miei coetanei. In realtà questo approccio mi ha permesso di avere un punto di vista originale, non scontato che poi mi è servito nella mia professione.

Ho iniziato in questa maniera a esercitare il mio sguardo, il pensiero e il gusto estetico e a soddisfare l’insaziabile fame per le immagini. Poi sono arrivati gli studi dove, oltre a formarmi delle basi solide ho imparato la disciplina, il sacrificio ma anche ad avere lo sguardo e la testa aperti a 360 gradi sul mondo. A diciotto anni ho avuto il privilegio di entrare all’ISIA di Urbino e ho scoperto la fotografia, in particolare Avedon e Bresson, e ne sono rimasto folgorato. Ho subito sposato quella chirurgia estetica di Avedon, quei bianchi e neri netti e amato la poesia e l’ironia, il modo di raccontare storie di Bresson. Ho cominciato allora, all’età di venti anni, a scattare.

Le immagini erano una declinazione di quello che vedevo: la traccia di questi due maestri filtrata attraverso la mia sensibilità. Avevo già le idee chiare di quello che volevo, di quello che doveva essere il mio stile: pulizia, rigore, sensualità, ironia.

Negli anni successivi mi trasferii da Urbino a Milano per un master in Fotografia e per pagarmi le spese facevo da assistente a vari fotografi internazionali e nel frattempo scattavo i primi test per le agenzie di modelle. Le idee erano chiare: zero immagini noiose o già viste. L’ispirazione arrivava sempre dai miei maestri fotografici e dal mio vissuto.

Dopo due anni di lavoro da assistente con un book personale sotto braccio, provavo a bussare a tante porte ma nessuno mi apriva e mi liquidavano dicendo che le mie immagini non funzionavano e spesso aggiungevano che con quello stile strano non sarei mai andato da nessuna parte.

I sacrifici e la perseveranza per inserirmi in questo mondo erano vani. Tanto impegno e pochi risultati, sembrava che se non conoscevi gente influente non andavi ai cocktail party, alle serate di gala, in discoteca… Non potevi entrare in questo meccanismo. Mi sentivo demotivato e scoraggiato. Stavo lasciando Milano per tornare in Umbria, ero deciso a cambiare vita.

Poi Piero Piazzi, noto talent scout e direttore di Women Model Management, vedendo dei test che avevo fatto, mi fissò un appuntamento con la casa editrice Condè Nast. Andai al colloquio pensando all’ennesimo buco nell’acqua, invece furono così entusiasti del mio portfolio, fuori dal comune, che mi proposero sedici pagine per Vogue Gioiello con le top del momento ed i cappelli di Philip Treacy.

Da lì è cominciato tutto: le mie storie forti e creative ricche di staticità dinamica e ironia hanno iniziato a uscire in un circuito internazionale. Un agente mi ha contattato per rappresentarmi a livello internazionale ed è iniziata l’ascesa verso una carriera costellata di lavori importanti, realizzata senza raccomandazioni o giri disonesti. Questo mi rende fiero di me stesso e mi permette di guardarmi allo specchio, con soddisfazione, ogni mattina.

FP: Quali sono, se ci sono, i tuoi riferimenti stilistici, anche al di fuori della fotografia? Cosa ti emoziona e cosa ti appassiona?

ET: Sono una persona che ha solo memoria visiva: le immagini restano per sempre, mentre parole, numeri, concetti evaporano. Per questo il lavoro che faccio mi viene spontaneo come respirare!

Per quanto riguarda la fotografia sicuramente Avedon e Bresson; dei contemporanei, nel settore moda, mi affascinano molto Mario Sorrenti per la carnalità e l’ironia delle immagini e Craig McDean per la tecnica.

Fuori dall’ambito fotografico sono un divoratore di immagini.

Ci sono molti autori che mi hanno influenzato: per esempio nel cinema Antonioni, Godard, Polasky, Bellocchio, Bertolucci e Ferreri, mentre nella pittura Hopper, Shiele, Donghi… L’elenco è molto lungo: in ognuno di loro ho trovato dei miei frammenti sensibili e mi ci sono confrontato. Da lì li ho assimilati per ridarli poi al mondo attraverso le mie immagini.

FP: Sei un fotografo di moda e un ritrattista: come ti sei avvicinato al mondo della moda? Qual è la tua visione della fotografia fashion?

ET: È stato tutto molto causale, ma allo stesso tempo è come se le cose dovessero avere questo corso: sono sempre stato attratto dalle immagini ma in fotografia ho cominciato con il reportage. Un’esperienza tosta e formativa perché scattavo in pellicola, con una gloriosa Rolley Flex 6×6 bi-ottica: poco spazio per errori e molta concentrazione per cercare l’attimo perfetto.

Quando ho cominciato a vivere da solo e facevo l’assistente, mi sono affacciato al mondo della moda quasi per esigenza di sostentamento: fare test per modelle, lookbook e piccoli cataloghi erano il mezzo per vivere, da lì è cominciato tutto.

La mia visione della fotografia di moda è molto personale, credo che si abbia una grande possibilità, fortuna e responsabilità nel poter parlare ad un vasto pubblico ed emozionarlo. Penso che, come diceva Franz Kafka per i libri “Se il libro che stiamo leggendo non ci sveglia con un pugno in testa, perché mai lo leggiamo?”.

Ecco, per me vale lo stesso con la realizzazione delle fotografie, specialmente quelle di moda.

FP: Hai uno stile molto personale, che ci ha colpito immediatamente. Ti ha aiutato a trovare spazio o è stato un ostacolo? Come reagisce il mondo dell’editoria fashion alle proposte creative?

ET: Il mio stile è stato sempre una “croce e delizia”: sicuramente è poco commerciale, forte e spigoloso, spesso è stato un ostacolo ma è anche quello che mi ha permesso 15 anni fa di emergere dalla massa di fotografi che operavano nel settore. In Italia è ancora molto dura proporre cose nuove, non viste, fuori dai canoni soliti; all’estero c’è più apertura e rispetto per i creativi e i comunicatori. Spesso in questo paese si lavora a “briglie tirate” con tante paure e limitazioni creative.

FP: Come nasce un tuo servizio fotografico? Sei tu che fai le proposte al cliente (o alla rivista) o ricevi input precisi?

ET: È un discorso che viene declinato nello specifico a seconda del cliente e delle produzioni. Ogni esperienza professionale è sempre diversa. Sono un professionista e mi metto a disposizione del brand e della mission, ma senza rinunciare al mio punto di vista. Spesso il mio sguardo trasversale è quello che viene richiesto ed è per quello che mi scelgono: un buon equilibrio, pulizia, raffinatezza ed originalità.

FP: Che rapporto hai con la post-produzione? Ti occupi dei tuoi scatti o hai collaboratori che lo fanno?

ET: Tutto quello che vedete in una mia immagine è fatto dal vivo sul set: luci, ombre, scenografie, trucchi, esplosioni di glitter e colate di liquidi. Mi piace molto l’artigianalità di questo lavoro, sono un fotografo vecchia scuola ed un purista dell’immagine. Uso la post produzione per pulire la pelle, perfezionare piccoli dettagli, mai per stravolgere l’immagine. Seguo tutto il processo degli scatti: dall’ideazione alle prove di stampa, sono molto preciso e meticoloso ma ho un valido team di professionisti che si occupa della mia post-produzione.

FP: Cosa consiglieresti a chi voglia entrare oggi in questo mondo? Qual è la “ricetta del successo” di Emilio Tini?

ET: Il panorama è molto cambiato da quando ho cominciato io 15 anni fa. La fotografia digitale dà facile accesso a tutti: i social come Instagram e Facebook sono un veicolo di diffusione e condivisione immediato. Sono oramai tutti fotografi.

Credo che questi nuovi aspetti creino e creeranno sempre più confusione tra fotografia amatoriale improvvisata e professionale e resisteranno solo coloro che sono ben inseriti nel sistema. I budget al ribasso danno accesso ancora di più a professionisti improvvisati e discutibili.

Credo che, soprattutto in Italia, non ci sia una profonda cultura fotografica. La maggior parte delle persone valuta il lavoro in maniera superficiale e con poca professionalità. Non si conosce la storia della fotografia e il suo passato e quindi non si apprezza il presente in maniera oculata, ostacolando lo sviluppo di prodotti e stili freschi e innovativi. C’è molta paura di osare, di creare cose nuove e mai viste.

Ricette per il successo pre-confezionate non ce ne sono: consiglierei di conoscersi bene, indagare quello che si vuole trasmettere, credere in se stessi e nel proprio “sguardo sensibile” senza tradirsi mai: soprattutto adesso è importante avere una voce propria e particolare rispetto alla massa.

Tenacia, costanza, sacrifici ed anche un pizzico di fortuna sono gli ingredienti che funzionano!

FP: Quanto conta l’attrezzatura? Ti senti più tecnico o istintivo?

ET: Sono cresciuto dando spazio sempre più alla mia parte istintiva, alle emozioni, al fiuto per le cose o, nel lavoro, per l’immagine giusta. La vedo come scriveva Bresson:“Fotografare è porre sulla stessa linea di mira la mente, gli occhi ed il cuore: è un modo di vivere”. Penso quindi che si possano creare delle ottime immagini se ci si mette anima e contenuto. Con il tempo però impari anche che un’ottima attrezzatura e padronanza tecnica ti danno la possibilità di esprimerti al meglio, senza limiti, attraverso un ventaglio sconfinato di opzioni.

FP: Quanto conta nel tuo lavoro il rapporto con il soggetto? Come lavori di solito sul set? Preferisci la disciplina o un ambiente più rilassato?

ET: Sono un appassionato di umanità, mi intrigano le persone e l’interazione con esse è una delle cose che preferisco di questo lavoro. Mi affascina e mi entusiasma la complicità che si crea con i soggetti: amo scavare dentro di loro, condividere noi stessi sul set anche per poco tempo. Il fotografo, per creare delle immagini intense, deve essere anche un filantropo, uno psicologo. Da un dialogo profondo con un soggetto nasce la fiducia e la disponibilità per mettersi in gioco senza filtri, disarmati, darsi e svelarsi per far nascere delle immagini che vibrino e comunichino emozioni.

FP: A volte sembra che tu abbia un rapporto quasi metafisico con gli spazi: crei immagini iconiche e molto grafiche (come per Borsalino) con pochi tagli di luce e colore. Quanto contano la grafica e le sintesi per Emilio Tini?

ET: L’arte concettuale ed il realismo magico, l’uso metafisico degli oggetti e degli spazi mi hanno sempre affascinato. Sono due correnti artistiche che ho scoperto quando ero adolescente. L’arte concettuale e il realismo magico mi hanno svegliato, aperto la testa e il cuore ed io ora cerco di farlo attraverso le fotografie.

L’arte concettuale per un discorso semiotico, l’uso degli gli oggetti desunti dal quotidiano e riproposti con provocazione nella fotografia. Il realismo magico declinato con meno razionalità e più spiritualità emotiva. Penso alle atmosfere di artisti come Antonio Donghi, Felice Casorati, Edward Hopper ma anche a scrittori come Alejandro Jodorowsky e Milan Kundera.

Le foto sono precise, incise, i particolari e lo spazio ben definiti, ricchi di particolari, atemporalità, dettagli sensoriali immobili, bloccati, immersi in una magica sospensione. I soggetti sono raffigurati con realismo ma, grazie all’aggiunta di elementi surreali o paradossali, danno una rappresentazione di sottile mistero, trasmettono un senso d’irrealtà.

FP: A quali progetti sei particolarmente legato e quali sono i prossimi?

ET: Sono molto legato alle prime campagne pubblicitarie che ho realizzato. Ero fresco, ingenuo, completamente libero.

Penso alle immagini surreali di Giuliano Fujiwara, designer giapponese, con il quale ho collaborato per 5 anni o agli ADV per Gianfranco Ferrè, in particolare quello con le esplosioni di glitter (zero post-produzione: tutto vero, fatto sul set in tempo reale!) sui corpi dei modelli.

Il prossimo progetto è il progetto della vita! Il mio primo grande progetto fotografico, grande perché mi espongo in prima persona come direttore creativo e fotografo: il mio stile, lo sguardo, la sensibilità, la creatività.

Si chiama ‘Fantastiche Visioni FV’. Esce il 14 Marzo 2019 ed è un progetto artistico e fotografico sui talenti italiani. Verranno presentati attraverso un portale web ed un’edizione cartacea i protagonisti noti e meno noti del made in Italy in una chiave iconografica nuova, fresca, moderna, come non li avete mai visti. Il progetto è diviso in capitoli ed uscirà a partire da quest’anno due volte all’anno. Potete seguirci su www.fantastichevisionifv.com o su Instagram fantastiche_visioni_fv .

FP: Quali sono, secondo te, gli ingredienti per un’immagine perfetta?

ET: Uno su tutti: il senso del timeless. Un’immagine ben costruita a livello tecnico, compositivo, carica a livello emotivo: un’icona che non diventa vecchia con il passare degli anni.

FP: Grazie per l’intervista e in bocca al lupo per il tuo nuovo progetto 😉 

Potete seguire qui Emilio Tini:

Sito: www.emiliotini.net

Instagram: emiliotini

Sito Fantastiche Visioni FV: www.fantastichevisionifv.com

Instagram Fantastiche Visioni FV: fantastiche_visioni_fv

Francesca

FP:
Ciao, benvenuto su FotografiaProfessionale.it
Da quanto tempo scatti? Quando è nata la passione per la fotografia? Quando la passione si è trasformata in professione? Hai fatto studi particolari inerenti alla fotografia? O l’evoluzione è stata diversa?
LM:
Grazie a voi!
Ho passato la mia prima giornata in camera oscura all’età di otto anni con mio padre,e devo dire tra la magia dell’immagine che si sviluppava e il buio della camera oscura,ricordo che mi sentivo a dir poco levitare in un altro mondo, fantastico… ti sto parlando dei primi anni ’70 e senz’altro tra le mie mura domestiche era appena arrivato il primo televisore. Negli anni ’80 ho iniziato a esercitare la professione di assistente fotografo moda, i primi ritratti a un giovanissimo Gianfranco Ferre’, alle prime campagne moda… stavano sbocciando nella città di Milano le prime pubblicità visive più estetiche al mondo. Il mondo della moda con la lettera maiuscola. Lo sbocciare della vera passione professionale della fotografia di moda è avvenuta molto più tardi anche perché allora, e non solo allora, fotografo di moda era sinonimo di ricchezza. Macchina fotografica, rullini, sviluppi etc… non erano alla portata di tutti.

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