Fractal Filters: 3 prismi creativi per giocare bene e in modo alternativo con il “vedo-non-vedo”, oltre a fornire un modo facile per fare del layering direttamente in scatto.
Li ho provati per te, ecco com’è andata!

Qualche mese fa Gloria ha postato un link sulla mia bacheca Facebook con leggerezza, solo per farmi sorridere riguardo uno degli usi del “prisma” nella fotografia di matrimonio… e chiedere un mio parere in merito. Mai avrebbe pensato di innescare una conversazione così vivace con tante persone che hanno dimostrato interesse per un prodotto non così noto.

Il post di Gloria iniziava così: «Sono una c***** pazzesca? Non lo so, ma quando Pollo mi ha chiesto “Li hai già comprati?” ho aspettato qualche secondo prima di rispondere un incertissimo “no”.»

Da una rapidissima indagine ho scoperto che l’inventore dei Fractal Filters è di San Francisco e ho impiegato letteralmente due secondi prima di decidere di inviargli un’email. Nikk, il papà dei Fractal Filters, mi ha incontrato per pranzo in un diner su Mission St dopo una decina di giorni dalla prima email e mi ha lasciato un kit completo di Fractal Filters in prova.

Da parte mia ho impiegato un bel po’ di tempo prima di riuscire ad incastrare ogni cosa, ma oggi finalmente sono pronto a dirti cosa ne penso – anche a te Gloria! Poi decidi tu se sono “una c***** pazzesca” oppure no 😉

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Disclaimer: questo articolo contiene calci nel sedere, concetti “zen”, pensieri e qualche fotografia 🙂

Veniamo a noi.
Lo chiamiamo “blocco dello scrittore”.
Vale anche per i fotografi, con lo stesso nome? Non lo so, ma credo che ne siamo stati affetti tutti almeno UNA volta nella vita – se non ti è mai capitato, complimenti!

Può succedere anche che nel turbinio degli impegni quotidiani ci si dimentichi della macchina fotografica e della fotografia. Magari passi ore in ufficio, poi la spesa, poi di corsa a casa a preparare la cena o a prenderti cura dei tuoi figli; oppure ti rimetti a lavorare a computer, con la tv accesa a far da sottofondo.
Insomma, il tempo è quello che è.

Proprio ieri, Stefano ci ha scritto un messaggio privato su Facebook:
“Grazie per il lavoro che fate!! Mi avete fatto rientrare nel mondo della fotografia!”

Io, che sono donna e naturalmente curiosa, gli ho chiesto il motivo del suo allontanamento:
“Una serie di impegni, lavoro, club MC, famiglia…. Adesso sto riuscendo a mettere tutto in fila e ritagliare del tempo anche per le foto e la post che sto imparando grazie a voi”

Come dargli torto? La vita quotidiana è, onestamente, un casino 🙂
Questo è un bene perché significa che le tue giornate sono piene di impegni e ti dai un sacco da fare, ma… la fotografia?
Ce l’hai quella vocina che ti sussurra all’orecchio, di tanto in tanto. O no? Ecco, ti ricorda che c’è qualcosa dentro di te che si esprime soprattutto quando hai la macchina fotografica in mano e no, NON PUOI IGNORARLA. Anche questo è un bene. Sei una persona creativa, e hai il tuo linguaggio per essere nel mondo oltre ai tuoi impegni.

Bello, ok, si vede che hai studiato Filosofia e non hai figli, mi dici.
Vero, ma esco tardi dall’ufficio anche io, a casa mi aspettano le pulizie, due gatti e… un orso. L’orso è abbastanza impegnativo, diciamo.
Il lavoro mi tiene occupata durante la settimana ma anche nel weekend, tra workshop, Accademia di Post, matrimoni e reportage di eventi; tralasciando che ho comunque e sempre la macchina fotografica in mano perché, beh, è il mio lavoro 😀 … al di fuori di questi impegni e del brief che devo seguire per il cliente, dove posso canalizzare la mia creatività? Come e quando posso fotografare quando non lavoro, visto che il tempo che ho a disposizione è poco? LEGGI TUTTO >>

Ultimamente mi sono trovato spalla a spalla con fotografi con i quali non lavoro abitualmente. Sono amici, conoscenti, collaboratori in altri ambiti. Negli ultimi due mesi mi sono trovato a riconsiderare alcune metodologie operative che nel tempo si erano sedimentate forse un po’ troppo. Come si suole dire… squadra vincente non si cambia!

E se non fosse così? Se potessi vincere meglio altrove o giocando in modo diverso? Non pensi che sarebbe fantastico?

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Lo so. Ne sono conscio. Sono sicuro che accadrà. In genere succede tutte le volte che tiro fuori questo argomento! Tutte le volte che ne parlo, anche se dichiaro anticipatamente il tono volutamente provocatorio, finisce sempre con un gran “polverone”. Magari questa volta sarà diverso… Vedremo…

Anche questa volta dichiaro apertamente il mio intento: sarò deliberatamente provocatorio!

Se vuoi conoscere cosa ne penso realmente seguimi per tutto l’articolo, altrimenti prendi per buono questo concetto…

Fare fotografia in bianco e nero è decisamente più semplice rispetto a farla a colori. Il bianco e nero è più semplice. Punto!

Anche durante il seminario Shape the Light in occasione di Fotografia Europea, domenica scorsa, ho parlato della cosa e naturalmente, come previsto, ho visto ben più di un sopracciglio inarcarsi!

La questione è fondamentalmente questa: credo che sia esattamente come scrivo e credo anche che ci sia una buona spiegazione, persino piuttosto logica, che possa convalidare la mia tesi.

Cosa ne dici? Vuoi saperne di più? Mi farebbe molto piacere sapere cosa ne pensi tu!

Ovviamente gli amanti del bianco e nero generalmente si inalberano di fronte a questa mia affermazione. E tu? Pensi anche tu che fare una buona fotografia a colori sia molto più complesso che realizzare la stessa immagine in bianco e nero?

Cerco di spiegarmi meglio! Quando parlo di facilità e semplicità mi riferisco, nello specifico, alla decodifica dell’immagine e non alla sua realizzazione tecnica in sé per sé. La tecnica rimane sostanzialmente la medesima sia nel caso del colore che per il bianco e nero. Quello che cambia, a mio parere, è la velocità in cui, durante la fase di composizione dell’inquadratura, si riesce a percepire della scena.

Analizzare una scena a colori è molto più complesso e ricco di distrazioni rispetto ad osservare una scena in bianco e nero. Decifrare un’immagine a colori richiede uno sforzo molto maggiore al nostro cervello visto che deve elaborare tutti i segnali provenienti dai coni oltre che dai bastoncelli presenti nei nostri occhi.

Recentemente, dopo una interessante chiacchierata con un amico fotografo che ha già fatto di questa scelta un’abitudine, ho deciso di impostare la mia Fuji X100S in modalità bianco e nero. In questo modo gli scatti in jpeg che produce sono completamente scevri dalla distrazione che il colore comporta. Nel mirino elettronico posso comporre senza distrazioni e ho comunque un file RAW che posso sviluppare a colori direttamente in macchina oppure con più calma sul Mac con Lightroom5. È incredibile quanto sia più semplice individuare e decifrare la struttura dell’immagine già in fase di composizione prima di scattare e ottenere, in questo modo, foto migliori.

Ti invito a provare! Probabilmente ti accorgerai che percepire l’illuminazione della scena è più immediato. Il contrasto della scena è più semplice da gestire e il tuo lavoro di composizione dell’immagine ne gioverà.

Questa naturalmente è anche la ragione per cui le immagini in bianco e nero piacciono molto di più… sono più semplici da decifrare, da capire, da decodificare e il nostro cervello, essendo tendenzialmente pigro… tende a risparmiare energia! Leggere un’immagine in bianco e nero è più semplice, quindi risulta più probabile che piaccia!

Cosa ne dici? Preferisci il colore o il bianco e nero? Cosa ne direbbe secondo te Henry Cartier-Bresson? Se Bresson avesse potuto scattare a colori, lo avrebbe fatto? 🙂

Ciao e buone foto

Simone Conti

Dopo l’ultimo post di Simone Conti “Canon VS Nikon… al via scatenate l’inferno!” e le numerose reazioni degli utenti di FotografiaProfessionale che si sono schierati da una parte e dall’altra, mi sono riproposta una domanda che mi frulla in testa da tempo:
“Che cosa mi importa davvero quando guardo una fotografia?”

Tu che mi leggi in questo momento hai un senso estetico tutto tuo: hai il tuo gusto di gelato preferito, il tuo taglio di capelli preferito, un tuo senso dell’ordine… e così via!
È così anche per la fotografia e l’arte in generale: il tuo occhio si sofferma su un’immagine e subito, senza che neanche tu te ne accorga, pensi “Caspita, mi piace!” oppure “No, non mi piace affatto!”.
Il giudizio estetico, infatti, è sempre immediato.

C’è chi si ferma a questo primo sentire senza aggiungere altro, emozionandosi o meno davanti ad una fotografia; c’è chi, invece, prosegue in un’accurata indagine e cerca di capire come sia stata scattata, a quanti ISO, con quale obiettivo, se e quanto sia stata ritoccata. LEGGI TUTTO >>

“[…] STRUTTURA
Ogni immagine ha una sua struttura, e per essere un’immagine forte, dovrà avere prima di tutto una struttura attraente.
Che vuol dire?
Se cerchi sul dizionario scopri che il concetto di struttura ha a che vedere con il modo in cui le parti di qualcosa sono disposte tra loro, cosicché i vari elementi vadano a costituire l’ossatura della cosa.
Il termine struttura è molto utilizzato anche in chimica.
Non sono un chimico, ma possiamo prendere in prestito un’immagine che tutti conosciamo in modo intuitivo, quella struttura di una molecola, dove i vari elementi sono legati tra loro e vanno a comporre una figura più complessa.
Bene, anche le immagini hanno una loro struttura.
In un’immagine la struttura è data dai vari elementi che la compongono e dal modo in cui sono disposti nella composizione, da come interagiscono tra loro andando a creare l’ossatura dell’immagine stessa.
Attenzione! Non importa che cosa siano questi elementi! Non importa se stiamo parlando di persone, oggetti, cieli, nuvole, o montagne (o cibo N.d.r.)!
Tutto ciò che compare, e anche ciò che non compare (vedremo poi che cosa intendo quando parleremo di spazio negativo) in un’immagine è un elemento di quell’immagine.
Quando analizziamo la struttura di un’immagine, tutti i suoi elementi diventano forme, linee, fasce di colori, e non ci importa (per ora) che cosa siano in realtà!”

Cit. Simone Scurzoni – eBook Shoot to Thrill.

Ho deciso di iniziare questa seconda puntata sul food styling e la food photography con una breve citazione da uno degli eBook di FotografiaProfessionale: Shoot To Thrill.
Oggetto dell’eBook è la composizione fotografica.

Ci sono alcuni elementi fondamentali, presenti in ogni immagine, sia essa fotografia o dipinto.
Questi elementi, quando presenti tutti insieme e sapientemente utilizzati, permettono all’immagine di diventare un’opera d’arte!

Imparare a conoscere ed utilizzare questi elementi, anche nella food photography, renderà sicuramente i tuoi piatti più appetitosi.

La composizione di uno scatto food, consiste di fatto nella sistemazione del soggetto primario dello scatto e di eventuali soggetti secondari in un frame di spazio predefinito. Rispetto allo scatto fotografico paesaggistico, o di street photography, dove i soggetti dell’immagine non sono facilmente riposizionabili a nostro piacimento e volere, secondo le regole compositive, scattare food permette di manovrare e spostare gli elementi dello scatto per ottenere composizioni equilibrate.

Per cominciare quindi, conosciamo da vicino i 6 elementi fondamentali che devono essere presenti e correttamente utilizzati in uno scatto, cominciando con l’elencarli:

Linee
Colore
Spazio
Profilo (o silhouette)
Forma
Texture

LINEE
Credo la definizione di linea ti sia già nota, perciò non ti annoierò con la definizione geometrica, ma bensì vorrei focalizzarmi sul suo uso in fotografia e più in generale in arte… Le linee sono usate nella maggior parte delle fotografie, a volte in maniera evidente a volte in maniera meno immediata… ma ci sono, anche come curve… che sono linee a pari merito! 😉

Osserva le due immagini qui sotto e cerca le linee, le curve.
Sono uno strumento compositivo potentissimo a tua disposizione. Imparare a posizionare i soggetti del tuo scatto, qualsiasi essi siano, in modo che le linee siano funzionali al tuo fine, ti permetterà di aggiungere forza compositiva al tuo “messaggio”.
Che le linee siano binari che guidano l’attenzione verso il soggetto principale, che demarchino i terzi, o che costituiscano semplicemente un elemento grafico ornamentale all’interno dell’immagine, o che siano meno evidenti ma comunque presenti, costituiscono elemento fondamentale a livello compositivo all’interno del tuo scatto.

COLORE
Contrasti cromatici e complementarietà assumono un ruolo chiave nello scatto food: una composizione colorata ben bilanciata da vita all’immagine facendola saltare all’occhio dell’osservatore. Un’immagine di paesaggio può avere grande impatto anche se in bianco e nero… pensa all’immagine qui sotto in bianco e nero… sarebbe ugualmente appetitosa agli occhi? Avrebbe la stessa forza?
Il colore, nella food photography, è fondamentale!
La tonalità del colore, la sua luminosità e la sua intensità (saturazione) devono essere propriamente gestiti sullo scatto: possono davvero fare la differenza.

L’uso della teoria del colore aiuta a rafforzare il tuo messaggio, inserendo all’interno del fotogramma elementi cromatici che richiamano i colori del piatto, o utilizzando sfondi/fondi di colori complementari ai colori contenuti nel piatto da fotografare.
Al pari delle linee, il colore propriamente gestito ti permetterà di guidare l’occhio dell’osservatore verso il principale soggetto dell’immagine.

SPAZIO
Lo spazio nell’immagine è semplicemente l’area contenuta all’interno della “cornice”. Disporre propriamente di questo spazio può fare una differenza sostanziale sulla tua fotografia. Può distruggerla, se usato impropriamente, o darle una forza incredibile se propriamente usato.
Lo spazio all’interno dell’inquadratura è definito dall’uso e posizionamento del soggetto principale del tuo scatto.
Il rispetto di alcune delle regole universali di composizione, anche in questo caso, aiuta, come ci insegna Simone Scurzoni.
Viene definito spazio positivo, lo spazio occupato dal soggetto principale dell’immagine.
Tutto il resto intorno è lo spazio definito negativo.
Scegliere dove posizionare il soggetto principale, oltre ad essere fondamentale per la creazione di una composizione appealing, può essere anche funzionale all’utilizzo dell’immagine e di conseguenza dello spazio negativo: uno scatto destinato ad una campagna pubblicitaria dovrà considerare che lo spazio negativo è necessario per l’inserimento del lettering e la veicolazione del messaggio commerciale.
Il tutto deve essere quindi sapientemente composto perché l’immagine sia appetitosa e al contempo funzionale.

Ottimo esercizio è impratichirsi sull’uso di questi elementi affrontandoli prima singolarmente, per poi aggiungere uno alla volta gli altri.
Noterai strada facendo quanto possa cambiare l’immagine, giocando con linee, colore e spazio all’interno del fotogramma.

Nella terza ed ultima parte dedicata agli elementi artistici presenti nello scatto food, prenderemo in analisi profilo, forma e texture.

Buona lettura e… buon appetito… fotografico.

Ingrid

P.S.: Se leggendo l’articolo ti è venuta fame… di fotografia, prova a dare uno sguardo al nuovissimo “Ricettario Luminoso per uno Still Life più Gustoso” di Simone Conti

È stato un workshop piuttosto lungo. Le due giornate hanno avuto inizio al mattino presto e si sono concluse a tarda sera, ma quanta energia!

Oggi devo dire che sono un filo stanco, ma decisamente soddisfatto! Sono qui in studio a cercare di mettere insieme gli ultimi tasselli di un progetto che affonda le sue radici in un’idea di diversi mesi fa e mi sono preso un piccola pausa per scrivere questo articolo. LEGGI TUTTO >>

Negli ultimi anni abbiamo assistito a una sempre maggiore diffusione della fotografia. La crescita del numero di foto scattate è aumentato in maniera esponenziale. Solo negli ultimi 10 anni il tasso di immagini prodotte nel mondo è aumentato circa del 450%. Ognuno di noi, professionista o meno, crea immagini a ripetizione e il numero di fotografie di qualità è decisamente aumentato secondo me. Molte più persone hanno accesso alla fotografia e la fotografia non può fare altro se non beneficiarne!

Sempre più sono convinto che la migliore macchina fotografica che si possa avere è quella che posso portare sempre con me. Ecco perché adoro la mia Fuji X100 (e non vedo l’ora di mettere le mani sulla nuova Fuji X100S!), ma ancora di più adoro il mio iPhone. Certo la qualità fotografica di un’immagine prodotta da uno smartphone e quelle prodotte con una EVIL di classe elevata o, ancora meglio, da una reflex o da una medio formato digitale non sono certamente paragonabili. La differenza di qualità si vede, eccome! La vera differenza la fa l’aver avuto la possibilità di catturare uno scatto oppure no.

Preferisco avere una foto sgranata, poco definita, magari sfocata (del resto adoro ancora la mia Holga 120GN! 🙂 ), piuttosto che non avere neppure avuto la possibilità di farla. Poi, con la foto nel “carniere”, avrò la possibilità di decidere se tenerla o gettarla. Non sei d’accordo?

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Ciao! Oggi vediamo come utilizzare photo merge per realizzare un paesaggio composto da più immagini separate e come creare pioggia realistica.

Anche tu ti fai conquistare da panoramiche di bellissimi paesaggi? Su riviste, sul web e nei book fotografici si vedono foto di paesaggi naturalistici o di architettura che sono realizzati riuscendo a immortalare tutto il panorama visibile a volte anche a più di 180°.

Le panoramiche di paesaggi sono infatti senza dubbio immagini di grande effetto e con un grande potenziale commerciale, soprattutto se postprodotte con cura e senza esagerare. LEGGI TUTTO >>

Leggere questo illuminante articolo del mio amico Simone Conti mi ha fatto tornare in mente una chiacchierata che abbiamo fatto poco tempo fa assieme ad alcuni partecipanti a Shoot To Trill, durante una pausa del workshop.

Si faceva un po’ di “filosofia” e si rifletteva sul fatto che ormai è impossibile non accorgersi di ciò che sta accadendo.

Fare fotografia – oggi – è qualcosa di diverso da quello che era qualche anno fa, ed è molto diverso da quello che era più di vent’anni fa. E il cambiamento, partendo dall’evoluzione tecnologica, sta pian piano investendo anche aspetti che attengono alle abilità che un fotografo deve avere oggi, che sono sempre più diverse da quelle di un tempo.

Mi spiego meglio.

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